martes, 29 de diciembre de 2009

En las Regresiones Progresivas… “Pendragon”

La estela que se deja en el camino de la música predomina en la esencia de la línea del tiempo, no deja reparos, solo matiza las líneas y descubre que el rock progresivo marca un concepto, el cual nunca permitirá su extinción y sobre todo, su inmortalidad deleitará siempre a los más exigentes.

Pendragon es una banda de rock neoprogresivo formada en Stroud, Inglaterra, en 1978 por el guitarrista Nick Barrett, aunque originalmente su nombre era Zeus Pendragon, el Zeus fue eliminado antes de realizar ninguna grabación porque sus miembros pensaban que era un nombre demasiado largo para caber en una camiseta. Desde 1986 hasta 2006, la alineación de Pendragon no sufrió ningún cambio, pero desde 2006 han pasado dos baterías más por la banda.
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martes, 22 de diciembre de 2009

En las Regresiones Progresivas… “Soft Machine”

Excitante momento del recuerdo el que marca el paso del tiempo con un paisaje que se hace realidad a cada momento, un sueño que materializa las ideas contenidas en la más clara perfección de los instintos que promueven y dispersan los contenidos emanados desde una alucinación y un trasiego de efusiones que dejan al ver la poderosa influencia de la fusión del rock en varias de sus facetas. Una persistencia que el tiempo deja y que el cuerpo solo se remite a prescindir del servicio de la vida, enseñanza y creatividad, muestra del espléndido toque mágico del concepto en comparación.

formado en Cantebury en 1966, su nombre proviene de la novela de William Burroughs The Soft Machine, es una de las principales bandas de la Escena de Canterbury, la cual se caracterizaba por fusionar la psicodelia con el jazz y el rock progresivo. Fue fundada por el vocalista y batería Robert Wyatt, el guitarrista, bajista y vocalista Kevin Ayers, el guitarrista Daevid Allen y el teclista Mike Ratledge. Antes de comenzar con su actividad, la banda grabó su primer single, Love Makes Sweet Music, y varias maquetas, que fueron publicadas algunos años después. Este material permitió que Soft Machine comenzase su primera gira por Europa en países como Francia, Alemania y Holanda. De vuelta al Reino Unido, las autoridades de dicho país restringieron el acceso a Daevid Allen, australiano, por lo que éste regresó a París y fundó la banda Gong, y Soft Machine continuó como un trío.

La grabación del primer álbum de la banda, The Soft Machine, transcurrió en los Estados Unidos dentro del género del rock psicodélico y rock progresivo. De vuelta al Reino Unido, Andy Summers, futuro guitarrista de The Police, se unió a la banda para participar en su gira, pero fue despedido al finalizar ésta a causa de problemas con Kevin Ayers. Después de una actuación en los Estados Unidos, Ayers decide disolver la banda y sus miembros tomaron caminos distintos; sin embargo, las obligaciones contractuales hicieron que Soft Machine se reformase en 1969 con Wyatt, Ratledge y el bajista Hugh Hopper para editar Volume Two, considerado como el disco que sentó las bases del jazz fusión.

A pesar de los problemas en el interior de la formación, el periodo que va de finales de la década de 1960 a comienzos de la de 1970 fue el más intenso en cuanto a grabaciones se refiere. El trío se amplió a septeto en pocos meses, al entrar cuatro trombonistas y Elton Dean, un saxofonista que permaneció sólo unos meses en la banda. Se editaron dos álbumes, Third y Fourth, de los cuales el segundo es el primero enteramente instrumental de los editados por la banda a lo largo de su discografía.

Estos álbumes fueron compuestos casi en su totalidad por Mike Ratledge quien se ocupaba además de la producción y de los arreglos en el estudio de grabación. Después de varias discusiones con el resto de miembros, Robert Wyatt dejó la banda y formó Matching Mole, un juego de palabras con el francés machine molle. Su sustituto fue Phil Howard, un batería australiano que permaneció poco tiempo en la banda, pero que grabó Fifth, el siguiente álbum de Soft Machine. Fue reemplazado por John Marshall, y Karl Jenkins entró para reemplazar a su vez al saxofonista Elton Dean. Esta formación grabó, en 1973, Six.

Poco después, el bajista Hugh Hopper fue despedido y reemplazado por Roy Babbington, quien había colaborado en la grabación de Fourth y Fifth. Esta formación “Babbington, Jenkins, Marshall y Ratledge” compuso y grabó los tres últimos trabajos oficiales de la banda: Seven, Bundles y Softs. El guitarrista Allan Holdsworth que había colaborado junto a Karl Jenkins en discos de Ian Carr´s Nucleus entró a formar parte del grupo, tras disolver su grupo Tempest, dejando un memorable trabajo de guitarra en Bundles.

Durante la grabación de Softs, al año siguiente, el único miembro original de Soft Machine, Mike Ratledge, dejó la banda y Allan Holdsworth fue reemplazado por otro virtuoso del instrumento, John Etheridge, procedente de Darryl Way´s Wolf. En 1981, Karl Jenkins y John Marshall vuelven a reunirse en un último proyecto, Land of Cockayne, con Allan Holdsworth, de nuevo y colaboradores de la talla de Jack Bruce y Ray Warleigh. La banda se separó en 1984 después de diversas idas y venidas de varios miembros en la formación de la banda. "Dreamer"
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lunes, 14 de diciembre de 2009

En las regresiones progresivas… "Supertramp"

Siempre la esencia de la música es el matiz con que se toca y la conceptualizad de las letras, pero en este caso es excepcionalmente brillante, parte de las senaciones que se materializan en el intercambio de latitudes y premisas que encuentra el hombre en su camino, es un despertar de la imagen prometedora ante el silencio que divaga todo el sentimiento; así como Supertram negocía con la versiones de la novela humana. Grupo británico de rock progresivo que en su primera época crearon ambiciosos álbumes conceptuales, pero son mejor conocidos por sus canciones, de tono Beatle, como "Dreamer", "Goodbye Stranger", "Give a Little Bit" y "The Logical Song".

Supertramp alcanzó el estrellato en Estados Unidos, Canadá y gran parte de Europa: aún así, sus logros en el Reino Unido fueron escasos. En cualquier caso, Breakfast in America alcanzó el puesto #3 en las listas británicas. Respaldado por el millonario holandés Stanley August Miesegaes, el vocalista, pianista y ex-batería Rick Davies utiliza el periódico Melody Maker para formar una versión temprana del grupo en agosto de 1969 ofreciendo una "auténtica oportunidad". Al anuncio contestó el vocalista, guitarrista y pianista Roger Hodgson. Otros miembros del embrión de Supertramp fueron Richard Palmer y Robert Millar. Desde agosto de 1969 hasta comienzos de 1970, el grupo fue bautizado con el nombre de Daddy, momento en el que cambian el nombre para denominarse Supertramp, extrayéndolo de la novela escrita en 1910 por W. H. Davies, The Autobiography of a Supertramp.
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Fue uno de los primeros grupos en firmar con A&M Records en el Reino Unido. Su primer álbum, Supertramp, fue publicado en julio de 1970 sólo en el Reino Unido y en Estados Unidos sería editado por primera vez en 1977, aunque musicalmente ya contenía novedades, supuso un fracaso comercial. Richard Palmer abandonaría el grupo durante un periodo de seis meses tras la publicación del álbum, mientras Robert Millar sufriría una crisis nerviosa. Para la grabación de Indelibly Stamped, Frank Farrell, fallecido el 19 de Julio de 1997, Kevin Currie y Dave Winthrop reemplazarían a Millar y Palmer.

El álbum, publicado en junio de 1971 tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, incluía tonos beatlescos, con armonías vocales similares a las canciones de Simon & Garfunkel, un enfoque más comercial y un diseño de portada más atrevido. Supertramp se erigió a sí misma como una banda de «culto». Las ventas, sin embargo, no mejoraron mucho, lo que les supuso la pérdida del apoyo económico de Miesegaes y la marcha de todos los componentes, a excepción de Hogdson y Davies.
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En 1972, tras ser persuadidos para continuar adelante, Davies y Hodgson comenzarían a buscar nuevos músicos para el grupo. El primero en llegar sería Dougie Thomson quien tocaría con el grupo casi un año antes de que fuera completada la nueva formación. En 1973, serían reclutados Bob Siebenberg y John Helliwell dando por concluída la búsqueda de nuevos músicos.

Crime of the Century, publicado en septiembre de 1974, supondría el comienzo del éxito comercial y de crítica, alcanzando el puesto número 4 en las listas de Inglaterra gracias al single "Dreamer". Su cara B, "Bloody Well Right", llegaría al Top 40 en las listas de Billboard en mayo de 1975. Siebenberg declararía después que pensó que la banda había alcanzado su techo en éste, su tercer álbum, aunque el verdadero éxito comercial estaría aún por llegar. La banda continuó su imparable ascenso con el álbum de 1975 Crisis? What Crisis? y con Even in the Quietest Moments, publicado en 1977. Durante este periodo, la formación se trasladaría a vivir a Estados Unidos e iría cambiando su estilo de rock progresivo de los primeros discos a un sonido más pop. Esta tendencia alcanzó su culmen con la publicación del álbum Breakfast in America en marzo de 1979 que llegaría al número 3 en las listas británicas y al número 1 en los Estados Unidos, además de producir cuatro singles históricos: "The Logical Song", "Take the Long Way Home", "Goodbye Stranger" y "Breakfast in America".

Desde entonces, se han vendido más de 18 millones de copias del álbum en todo el mundo. La trayectoria de éxitos tuvo su colofón con el trabajo de 1980 Paris, un álbum de dos LPs en directo en el que la banda dio testimonio del acierto en mejorar las versiones de estudio de sus canciones. Curiosamente, en lugar de centrarse en canciones del más reciente y exitoso Breakfast in America, incluyó casi todos los temas de Crime of the Century, testimonio de la importancia que dicho trabajo supuso para la carrera del grupo.
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Las diferencias estilísticas entre Davies y Hodgson a la hora de cantar y escribir letras les proporcionó a estos discos un contrapunto interesante, contrastando las canciones de Davies, sobre relaciones rotas "Another Man's Woman", "From Now On", "Goodbye Stranger", con la introspección melancólica de Hodgson "Dreamer", "School", "Fool's Overture", "The Logical Song", sin embargo, Hogdson pensó que era momento de hacer algunos cambios y al no lograr convencer al resto del grupo, decidió romper el equilibrio y abandonar el grupo tras la gira de su siguiente álbum, ...Famous Last Words... 1982, que contenía la canción "It's Raining Again" y el éxito "My Kind of Lady".

A lo largo de los años, se ha especulado acerca del motivo por el cual Roger Hodgson abandonó Supertramp. Tras dejar el grupo en 1983, Hogdson empezaría de inmediato una carrera en solitario, obteniendo un cierto éxito inicial con la canción "Had A Dream Sleeping With the Enemy" de su primer disco In the Eye of the Storm, en 1984. En 1987, Hodgson edita su segundo disco Hai Hai, pero un desfortunado accidente que le quiebra las dos muñecas, hace que no pueda promocionarlo y su presencia y relevancia en el panorama musical se vaya diluyendo. En los 90 edita el disco Rites of passage, trabajo que refleja sus actuaciones en vivo. Su último disco, Open the door 2000, ha sido bien recibido por la crítica y representa una vuelta a cierta sonoridad Supertramp.
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Lo que quedaba de Supertramp continuó el trabajo, lanzando Brother Where You Bound en el año 1985. El álbum incluyó un single de éxito, "Cannonball", y una larga suite muy crítica contra la Guerra Fría en la que colabora David Gilmour, de Pink Floyd y que propició que se le devolviera el favor con la colaboración de John Helliwell y su saxo en el álbum A momentary lapse of reason de Pink Floyd. Free as a Bird 1987 incluyó un sonido rock más sincero, palpable en temas como "I'm Beggin' You", de la que una versión discotequera llegaría al número uno en las listas de baile estadounidenses.

Tras la gira de 1987, ciertas diferencias en relación al uso de canciones de Hodgson durante los conciertos hacen que Thomson abandone el grupo. Una de las condiciones que permitieron a Davies continuar usando el nombre de Supertramp fue que no se interpretaran las canciones de Hodgson. Hodgson acudiría en un momento dado a un concierto, en el cual podría oír canciones como "Take the Long Way Home" y "The Logical Song"; dichas canciones fueron interpretadas por Mark Hart, sustituto de Hodgson en el escenario, lo que no gustó demasiado a éste.
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En 1997, después de un fallido intento por volver junto a Hodgson en 1993 -de hecho trabajaron en varias canciones y la cosa no prosperó por problemas de management- Davies reformaría Supertramp con los miembros originales Helliwell y Siebenberg y prescindiendo de Thompson. Añadió varios músicos que ya habían tocado como instrumentistas de acompañamento en las giras anteriores, caso de Mark Hart y Carl Verheyen, y a reputados músicos de sesión.

El resultado fue Some Things Never Change, un esfuerzo que resucitaría el sonido original de la formación. Irónicamente, el mismo año vería la luz el álbum en vivo de Roger Rites of Passage, primer trabajo desde Hai Hai. En 1999, tanto Supertramp como Hodgson volverían a coincidir en las ediciones respectivas de It Was the Best of Times, que fue un disco doble en vivo, con todos los exitos de la banda, mas temas extras nunca antes escuchados y Open The Door salio editado finalmente en el año 2000.

A comienzos del año 2002 tendría lugar la publicación del álbum de estudio Slow Motion. Un nuevo intento por reunir al grupo por parte de Hodgson tendría lugar en 2005, pero Davies no mostró interés. El mismo año sería publicado el álbum recopilatorio Retrospectacle: The Supertramp Anthology. "Dreamer"

viernes, 4 de diciembre de 2009

En el Teatro de los Sueños... Awake

Que tal amigos, ahora vamos a abordar uno de los sueños más importantes de la escena del metal progresivo, en la antesala de la fantasía y de la alucinación, nada más ni nada menos que el disco “Awake”, que en lo particular es el álbum con el que Dream Theater formó su idea conceptual durante la apresurada grabación de este disco; digo apresurada, porque así lo requería la compañía disquera EastWest, este disco se grabó de Mayo-Julio de 1994 y fue lanzado el 4 de octubre del mismo año. Con este disco la banda experimenta con un sonido algo más fuerte con respecto a los anteriores y que es considerado por muchos como uno de los mejores discos. En el se destaca la entrega de James LaBrie en esta producción.

Temas a destacar de este disco son el ciclo "A Mind Beside Itself" formado por "Erotomania", "Voices" y "The Silent Man"; "Lie", la psicodélica "Space-Dye Vest", compuesta por Kevin Moore y "The Mirror" uno de los temas más pesados de la banda. Las canciones también están relacionadas líricamente y musicalmente a “The Mirror” y “Lie” en “Awake”. “The Mirror” también trata explícitamente con el alcoholismo de Portnoy. En esta época, Kevin Moore dejaría la banda por diferencias musicales con sus compañeros y sería sustituido por Derek Sherinian. Para sustituirle en el “Waking Up The World Tour”, Derek Sherinian fue escogido hasta que pudieran encontrar un sustituto permanente para Kevin. El grupo estaba principalmente interesado en Jordan Rudess, integrante de los Dixie Dregs, pero el grupo requería aún de los servicios de Rudess.

Entre los que pasaron a las audiciones se encuentra Jens Johansson, el actual teclista de Stratovarius, quien fue audicionado pero en un último momento rechazado. Así que la banda decidió mantener a Derek en los teclados durante un tiempo más. La canción “Caught in a Web” es versionada en vivo en los álbumes “Once in a LIVEtime” y “Live Scenes From New York”, del cual la versión es una fusión entre esta canción y “New Millennium”, del álbum “Falling Into Infinity”, fusión llamada en el disco “Caught in a New Millennium” Fue escrita por John Petrucci y James LaBrie con una duración de 5:28 es la canción más corta del álbum, exceptuando “The Silent Man” que forma parte de la Suite “A Mind Beside Itself” y el bonus track de la edición japonesa, “Eve”. “Lie” es la octava pista de el álbum y fue escrita por Kevin Moore. También se realizó un single que contenía la versión de radio de la canción y las pistas “Space Dye-Vest”, “To Live for Ever” y “Another Day” y en el video de la canción, así como en el de “The Silent Man”, Kevin Moore no aparecería debido a su separación de la banda.

“A Mind Beside Itself” es la suite que se compone de tres partes: “Erotomanía”, “Voices”, “The Silent Man”. La canción en total dura 20:26 y Petrucci escribió toda la letra y compuso la melodía de "The Silent Man". Hay que notar también que el titulo "A Mind Beside Itself" -Una Mente Frente a Sí Misma en español- simboliza la palabra “Paranoia”. “Erotomania” La primera parte, "Erotomanía," es una canción instrumental con puentes que diferencian las partes ambientales y las de heavy metal. También contiene ciertos temas musicales que no solamente se ven en esta suite sino que a lo largo del álbum. Es un trabajo anterior de la banda y el solo de órgano es casi idéntico que en el de la canción "A Change Of Seasons", el termino “Erotomanía” se refiere a una condición psicológica donde el paciente sufre de una creencia ilusoria de que una persona esta enamorada del paciente en cuestión.

A través de las alucinaciones que en ocasiones provoca el sueño “Voices”, la segunda parte y parece sugerir que posee esquizofrenia causada por una devoción religiosa, aparentemente fue escrita con la visión de un esquizofrénico que cree en ángeles y demonios que le están hablando a el. La música sugiere que el personaje esta experimentando estrés extremo, lo cual lleva a la conclusión de que esta al tanto de su problema y de estas voces que oye. La canción también ha sido analizada como la colisión entre la devoción religiosa y la vida sexual de uno. “The Silent Man” Musicalmente representa un cambio agudo con la ultima parte "Voices" hacia un territorio folk. La letra es mucho más simple que las anteriores ya que sigue el tradicional estructura verso-coro.

Sin embargo, se conecta al tema principal haciendo parecer que el destino descrito del personaje en "Voices" puede ser evitado con la ayuda de nuestra fe. Como es usual en Dream Theater, la frase más clara de sus suites se escucha al final de la canción. Un dato interesante de esta canción es que esta basado en una de las historias del libro Las mil y una noches. Las lineas "A question well served, is silence like a fever or a voice never heard, or a message with no receiver?" (Una pregunta bien hecha, es silenciada como la fiebre o una voz nunca escuchada o un mensaje sin un receptor) son del prologo del libro y la línea "I could sail by on the winds of silence" (Podría navegar en los vientos del silencio) son de las palabras de Simbad.

Espero que haya sido de su agrado y por supuesto que en la siguiente sesión tendremos más noticias de esta banda tan importante en la escena del rock. Siempre estará abierto el “Teatro de los Sueños”. “Dreamer”
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jueves, 19 de noviembre de 2009

En las Regresiones Progresivas… “The Alan Parson Project”

Si una pasada vida tiende la mano para aprender a tocar un instrumento, el clásico concepto de la música queda vago ante el silencio de toda una obra expectante a ser compuesta, sin mayor apego a esta realidad los complementos se juntan y retoman la mejor idea para elevarlos a las planicies de uno de las mejores bandas del rock progresivo.

The Alan Parsons Project se formó 1975 y estaba liderado por Alan Parsons, Eric Woolfson y en él participaron varias alineaciones de músicos, así como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell; cada uno aportaba su granito de arena al grupo: Alan Parsons como productor, ingeniero y compositor; Eric Woolfson como productor ejecutivo, compositor y vocalista; y Andrew Powell como orquestador y arreglista. Además se rodearon de una serie de músicos y vocalistas para cada uno de sus proyectos entre los que se encontraban como músicos Ian Bairnson, David Paton o Stuart Elliot y como vocalistas el propio Eric Woolfson, Lenny Zakatek, John Miles, Chris Rainbow o Colin Blunstone entre muchos otros.
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Lanzaron varios discos con un gran cuidado en la producción y creatividad como: Tales of Mystery and Imagination, I Robot, The Turn of a Friendly Card o Eye in the Sky y donde se destacan temas como: "Don't Let It Show", "Time", "Eye in the Sky", "Silence &a I u" "Old And Wise".
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A finales de los años 80, Eric Woolfson abandonó el grupo para dedicarse a componer para musicales de teatro, sin embargo volvieron a reunirse momentáneamente con el breve proyecto Freudiana. Alan Parsons ha seguido creando nuevos temas pero firmando con su nombre sin el “Project” debido a problemas con la parte de los derechos que mantenía Woolfson sobre el nombre del grupo.
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Actualmente en sus giras vuelve a rescatar el nombre original con permiso de Eric, denominándose Alan Parsons Live Project. En los años 2004-2005, Alan Parsons Live Project hizo una gira mundial para dar a conocer sus últimos proyectos y recordar los éxitos de siempre.

Cuando una fuerza tan poderosa como la mente atrapa los sentidos y los mantiene en la extrema insanidad, hace que las ideas perturben al cuerpo y las visiones de la maestría se retomen en vidas anteriores o el futuro de la consciencia se convierta en una novela con miles de pecados contenidos en la travesía del tiempo, un honor haber divagado por todo lo que no se puede comprender y ser misteriosamente un concepto ulterior. Una plegaria por ese personaje oscuro que significó la inmortalidad en la mente de uno de los más brillantes escritores de la historia. A la memoria del magnífico Edgar Allan Poe. "Dreamer"
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viernes, 13 de noviembre de 2009

En las Regresiones Progresivas… “Renaissance”

Luego de la disolución de los Yardbirds, algunos de sus miembros decidieron formar una nueva banda con una orientación más hacia el folk y la música clásica, sin embargo, luego de muchas alineaciones la banda se encontraba totalmente reformada y sin vocalista hasta que en 1970 por medio de un aviso en el Melody Makers adicionaron y reclutaron a la cantante Annie Haslam, una chica muy joven y carismática que había estudiado canto lírico con Sibil Knight.
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En adelante, la carrera de Renaissance se encumbra como uno de los representantes más frescos y virtuosos del rock progresivo y el rock sinfónico, contemporáneos a Yes, Genesis y Emerson, Lake & Palmer llegando a compartir en muchas ocasiones escenarios con ellos; de hecho a comienzos de los setenta, John Wetton llego a tocar con ellos por algún breve tiempo.
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La banda sufre como todas el shock del cambio de década, y pese a sus intentos de adaptarse a las nuevas tendencias, se disuelve en 1983 luego de un disco más cercano a la new wave y al techno pop, alejándolos radicalmente del sonido que los había hecho conocidos. No sólo sus arreglos progresivos comparables al Genesis de la era Hackett, la perfección en la ejecución, el marcado referente a la música clásica, sino además la fantástica voz de Annie Haslam, quien llega a ser junto con Jon Anderson una de las grandes voces de todos los tiempos de la historia de la música popular.
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Uno podría decir que pudo haber sido una banda secundaria, por no haber sido una banda de estadios, sino más bien de teatros y de una audiencia más bien selecta, al hacer música para músicos, pero no poco relevante, puesto que Renaissance, no sólo por la calidad y belleza de sus álbumes sino por que de algún modo ejercieron una influencia profunda en sus contemporáneos, al llevar el concepto de la fusión de la música clásica en el rock a sus máxima expresión, mucho antes que cualquiera. Entre sus trabajos más destacados se encuentran Prologue, Novella, Turn of the Cards, y Azure d'Ore.
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Es una vía que conduce al templo del conocimiento, guía los recuerdos a la plena consciencia, es un desliz de pureza que evidencía el color de la música a través de la perfección anidada en el delirio de la composición… "Dreamer"

martes, 3 de noviembre de 2009

La magia del rock progresivo... Focus

La banda de rock progresivo Focus tiene su origen en el año de 1969 en Amsterdam, Holanda, la alineación original fue: el teclista y flautista Thijs van Leer, el guitarrista Jan Akkerman, el bajista Martin Dresden, y el batería Hans Cleuver. Van Leer y Akkerman llevan el peso de la composición de las canciones, generalmente instrumentales. En 1970 Focus fue contratado para la interpretación musical de la obra Hair (muy representativa de su época) en Holanda, como miembros principales de una orquesta de nueve músicos.

En el álbum de la versión holandesa de Hair se escucha a Van Leer, Dresden, Cleuver y Akkerman juntos por primera vez. Los cuatro músicos iniciaron una gira de seis meses, y ese mismo año grabaron su álbum debut titulado Focus Plays Focus, con pistas vocales e instrumentales; House Of The King (compuesto por Akkerman en España) y Anonymous son los temas más destacados. Sin embargo, se vendieron sólo 8.000 copias del álbum; técnicamente la calidad dejaba mucho que desear. Al principio se lanzó sólo en Holanda, pero dada la creciente popularidad del grupo, para darle mayor distribución el álbum fue reeditado en Londres ese mismo año con el título In And Out Of Focus, producido por Hubert Tereggen. House of The King fue un éxito y se mantuvo varias semanas en el ranking holandés.
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Focus aún no tenía bien definida su orientación musical, inclinada a veces hacia el estilo más clásico del Thijs van Leer Trio, y otras a la guitarra predominante de Akkerman. Al cabo de unos pocos meses, Akkerman se rehusó a seguir con Dresden y Cleuver, decidió llamar al percusionista Pierre van der Linden (con quien había tocado en Johnny and The Cellar Rockers, The Hunters y Brainbox) y dio a elegir a Van Leer entre seguir con ellos o quedarse con su trío; Van Leer optó por seguir con Akkerman y Van der Linden. También invitaron a Cyril Havermans como bajista y vocalista. Pierre van der Linden, nacido en 1946 en Ámsterdam, comenzó con percusión desde muy pequeño; inicialmente fue autodidacta pero luego tuvo la guía de Louis De Heer, percusionista de la Orquesta Sinfónica de Ópera de Holanda. Sus primeras influencias fueron Miles Davis, Elvin Jones, Charlie Parker y John Coltrane, entre otros. Por su parte, Cyril Havermans había participado en Hair e integrado los grupos Big Wheel, The Heralds y Spatial Concepts.

Fue convocado principalmente por su capacidad como vocalista y compositor, más que como bajista. Con esta nueva formación, que mantuvo el nombre Focus, trabajaron en su segundo álbum, Focus II, o Moving Waves (título que tomó fuera de Holanda), grabado en abril y mayo de 1971 en Londres. Contrataron como productor a Mike Vernon (que había trabajado con Fleetwood Mac, John Mayall, Ten Years After y legendarios músicos de blues, y que continuaría como productor del grupo), apuntando al público de habla inglesa. Este aclamado álbum, un clásico del rock holandés, ejemplifica los diversos estilos musicales e influencias del grupo, e incluye el ahora legendario tema Hocus Pocus, donde Van Leer aplicó por primera vez el canto estilo tirolés. En el álbum se destacan Le Clochard y Janis, entre otros, con delicados matices que capturan la esencia de Focus. Asimismo, el álbum manifiesta una acertada combinación de clásico, rock y jazz. El lado 2 consiste en un tema conceptual, Eruption, compuesto principalmente por Van Leer, con arreglos de Akkerman y editado por Mike Vernon. Tanto el álbum como Hocus Pocus se convirtieron en un hit; el grupo ganó popularidad y apareció en la televisión británica por primera vez en noviembre de 1971.
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A comienzos de 1976, Jan Akkerman dejó Focus y continuó su carrera como solista, que había iniciado en 1973. Focus hizo un paréntesis hasta 1977. Durante ese período sólo se editó una compilación con material inédito, producida por Mike Vernon, titulada Ship Of Memories. Para muchos, Focus había perdido su impacto, su espíritu y su éxito. Como reemplazo de Akkerman ingresó el guitarrista de jazz-rock belga Phillipe Catherine. Se integraron también Steve Smith en percusión (había trabajado con Jean Luc Ponty, y posteriormente en Journey), Jons Pistoor (ex de Maggie McNeal) en teclados, Eef Albers en segunda guitarra y P.J. Proby en voces. En 1978 grabaron un nuevo álbum: Focus Con Proby, que incluía antiguo material no utilizado previamente, remezclado por el productor Mike Vernon, con las voces de Proby. El álbum recibió críticas negativas.

La magia ya no existía y Focus inició un largo paréntesis, que algunos consideran como el final del grupo. Thijs van Leer continuó con su carrera como solista. Inesperadamente, en 1985 Thijs van Leer y Jan Akkerman se reunieron y grabaron un álbum llamado Focus (conocido como Focus: Jan Akkerman & Thijs van Leer), con músicos invitados: Tato Gómez y Ruud Jacobs (bajo), Ustad Zamir Ahmad Khan (tabla), Sergio Castillo (batería que junto a Tato Gómez ya había trabajado con Van Leer en el espectáculo "Rock & Ríos" de Miguel Ríos) y Ed Starink (programación de percusión). En cierta medida, el álbum tiene sonidos típicos del antiguo Focus, con largas piezas instrumentales y teclados polifónicos, aunque ya incluyen el uso de batería electrónica, secuenciadores y otros equipos electrónicos. Si bien tuvo buenas ventas, el trabajo no recibió buenas críticas, y ambos músicos volvieron a separarse.

En 1990 Focus participó en dos programas de TV holandeses, con su antigua formación: Bert Ruiter, Pierre van der Linden, Jan Akkerman and Thijs van Leer, presentando temas clásicos del grupo. En 1993, Van Leer y Akkerman aparecieron juntos en el tradicional "North Sea Jazz Festival" de Holanda. En 1998, Thijs van Leer intentó reagrupar nuevamente a Focus, esta vez con los ya conocidos Bert Ruiter y Hans Cleuver, y Menno Gootjes en guitarra, pero antes de comenzar la gira se separaron por problemas entre Ruiter y Van Leer.
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lunes, 26 de octubre de 2009

Jethro Tull... Sembrando el camino del rock progresivo

Después de los Rolling Stones el grupo en activo más veterano en los escenarios del rock es Jethro Tull, banda de origen escoses liderada por Ian Anderson o más bien banda liderada, creada, manejada y estelarizada por el señor Anderson, el nombre de Jethro Tull es el de un agrónomo nacido en 1672 y es considerado uno de los pioneros de la Revolución Industrial, ya que inventó una máquina sembradora que permitía, con pocos hombres, arar y sembrar extensos campos, repartiendo, además, las semillas con regularidad, lo que facilitaba un mejor aprovechamiento del suelo y un crecimiento y maduración más homogéneo de los sembradíos, el nombre lo toman por el sólo hecho de ser el que más les gusto de una larga lista de opciones, en realidad no fue por algo en especial.

Pues bien, Jethro Tull encuadra su música en el rock progresivo, con una mezcla bastante interesante de blues, folk inglés y algo de música barroca e incluso renacentista, en sus inicios la banda comenzó con el nombre de The Blades en 1963, ya para 1966 se convirtió en un grupo de soul bajo el nombre de Jhon Evan Band y en 1968 se convierten en Jethro Tull, en este año graban un single llamado "Sunshine Day", donde el nombre de la banda aparece erróneamente como Jethro Toe y su álbum debut sale en este mismo año bajo el nombre de "This Was", para este primer disco la banda estaba integrada de la siguiente manera: Ian Anderson (voz, flauta y guitarra acústica), Glenn Cornick (bajo), Clive Bunker (batería) y Mick Abrahams (guitarra eléctrica).

De 1968 a la fecha el grupo ha grabado más de 30 discos y sigue con presentaciones en vivo por todo el mundo, les dejaré una canción excepcional de esta banda, se trata de Bourée, donde podemos apreciar la excelente ejecución de cada integrante del grupo, disfrutenla, Saludos...el Rockger
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lunes, 19 de octubre de 2009

Regresiones Progresivas…King Crimson

Como el fuego que lleva el hombre dentro para dar vida a lo material, los integrantes de una agrupación que se convertiría en la punta de lanza de uno de los movimientos de la música más importantes del mundo. El “rock progresivo” mantiene la escencia del jazz y las fusiones altamente niveladas con la música clásica. Este movimiento nace en 1968 con un origen en el rock psicodélico. Se formó en noviembre de 1968 en Inglaterra por Robert Fripp y Michael Giles después que disolvieron su primer intento de grupo llamado Giles, Giles and Fripp, el cual habían tenido con Peter Giles, el hermano de Michael.

Los músicos reclutados por Giles y Fripp para su nueva agrupación fueron el guitarrista Greg Lake quien haría de bajista y cantante, el letrista Peter Sinfield y el compositor Ian McDonald. En 1969, el grupo debutó de teloneros de los Rolling Stones en un concierto en el Hyde Park, y grabó su primer disco "In the Court of the Crimson King", también realizaron su primera gira por Europa y Norteamérica. A finales de año surgieron tensiones y diferencias creativas que desembocaron en la salida de Michael Giles e Ian McDonald de la banda quienes al año siguiente grabaron un álbum con el nombre de McDonald and Giles. El disco “In the Court of the Crimson King” es el primer álbum publicado por el grupo en el año 1969.

Es usualmente considerado el primer álbum de rock progresivo. Este álbum se destaca por la combinación de las letras y la instrumentación con importante influencia de jazz y música clásica. Si bien otros artistas habían fusionado a estos géneros con el rock, el debut de King Crimson tuvo una atmósfera mucho más oscura y reflexiva, en gran parte gracias a las ideas de Peter Sinfield, quien escribió las letras. Además, es uno de los primeros álbumes que se destacan por sus largas canciones algunos con partes con nombre propio, con muchas improvisaciones y muy complejas, su concepto y su arte de tapa diseñada por Barry Godber.

En los ochentas con nuevas dudas y la efervescencia de la música tecno y el pop electrónico surge la necesidad de cambiarlo todo. El regreso de King Crimson es más que discutible. Su calidad cae estrepitosamente hasta caer en un vulgar pop progresivo, El sintetizador se erige como una máquina demoníaca que lo cambia todo para mal. Fripp reunió Bruford y a dos nuevos integrantes Tony Levin y Adrian Belew siendo el germen de una magnífica época años después. Los años noventa no se presentaron como con buenas sensaciones por el género, King Crimson vuelve a revitalizarse y reinventarse. "Dreamer"

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lunes, 5 de octubre de 2009

En el Teatro de los Sueños... When Dream and day Unite

Que tal amigos, espero les haya gustado el artículo anterior y no crean que se me paso haber mencionado el primer disco con el que la banda neoyorquina se dio a conocer en el mundo del rock progresivo. Es un honor mencionar el disco que marco a Dream Theater en la escena del rock contando anécdotas de ensueño. When Dream and Day Unite es el primer álbum en estudio lanzado el 6 de marzo de 1989. Fue grabado en el verano de 1988 en Kajem/Victory Studios en Gladwyne, Pennsylvania, y es el único álbum de Dream Theater que tiene a Charlie Dominici como vocalista.

El 12 de marzo de 2002, una re-masterización del álbum fue lanzada. Ya en el 15 aniversario del álbum, la alineación actual interpretó el álbum completo en Los Ángeles, California, y en dos temas extra se unieron a la interpretación los invitados especiales Charlie Dominici y Derek Sherinian. La presentación entera fue grabada y luego lanzada en CD y DVD bajo el título When Dream And Day Reunite a través de la discográfica independiente de la banda “YtseJam Records”. El listado de canciones fue el siguiente: "A Fortune in Lies", "Status Seeker", "Ytse Jam", "The Killing Hand", (The Observance, Ancient Renewal, The Stray Seed, Thorns, Exodus), "Light Fuse and Get Away", "Afterlife", "The Ones Who Help to Set the Sun", "Only a Matter of Time".

Seguro que para los seguidores de la agrupación, es indispensable este material que en lo particular las canciones más memorables atrapan por la calidad y fascinación de la instrumentación de los integrantes en “A Fortune in Lies”, “Another Hand/The Killing Hand”, “Ytse Yam”, también tocan “Metropolis Pt. 1: The Miracle and the Sleeper", "Bombay Vindaloo" que fue una improvisación de la banda, “Surrounded","Another Day" y por supuesto “Pull me under” en un concierto en vivo llamado: “Live at the Marquee” grabado en Londres, Inglaterra el 23 de abril de 1993.

Espero haya sido de su agrado y por supuesto que tendré más en la siguiente sesión donde siempre estará abierto "El Teatro de los Sueños". "Dreamer"
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miércoles, 30 de septiembre de 2009

En las Regresiones Progresivas… “Vanilla Fudge”

Como una recomendación que yace a través del tiempo y que ha persistido en la esencia de la música desde Nueva York, cuna también de los mejores grupos de rock progresivo, renace una misteriosa y fugas banda que deja su estela en la línea del tiempo con reminiscencias que dotan de musicalidad la progresión de las ideas. Pulula por el mundo recogiendo éxitos y discrepancias para con otras bandas de su época.

Un misterio y camino subterráneo por el cual se define esta banda, las imágenes de la inspiración los convocan a demostrar que nada es efímero y que la inspiración instintiva los relaciona con lo mejor de lo mejor.

Vanilla Fugde originalmente se llamaba “Electric Pigeons” y se formó en Long Island, New York en 1965. El organista Mark Stein, bajista Tim Bogert y el baterista Joey Brennan acortaron su nombre al de “Pigeons” y captaron al guitarrista Vince Martell, giraron masivamente por la Costa Este. En 1966 el grupo grabó un paquete de ocho maquetas que se publicaron años más tarde cuando el mundo ya conocía a Vanilla Fudge bajo el nombre de Mark Stein & The Pigeons inspirados por The Vagrants, otra banda del circuito liderada por el guitarrista Leslie West; comenzaron a poner más énfasis en los arreglos de sus temas. Hasta el punto que a finales del año reemplazaron a Brennan por otro baterista técnicamente más dotado, Carmine Appice.

A principios de 1967 su mánager convenció al productor George Norton impresionado por su dura versión de The Supremes You Keep Me Hangin' On, les ofreció grabar la canción en un single, resultado del mismo, Atlantic Records bajo su sello Atco le ofreció un contrato que requirió un cambio de nombre. Iniciaron su nueva época con nuevo nombre con una gira para promocionar su disco homónimo “Vanilla Fudge” ampliando gradualmente su número de fans.

En 1968, lideraron junto a Steve Miller Band el Fillmore West y tocaron You Keep Me Hangin' On. Publicaron su segundo disco The Beat Goes On. Atco reeditó ese mismo año You Keep Me Hangin' On y fue seguido por Renaissance, uno de los mejores discos de la banda. La banda lo presentó girando con Jimi Hendrix abriendo también varios shows en la despedida de Cream, y a finales de año también teloneando a Led Zeppelin.
En 1969 la banda siguió de gira y publicó su primer álbum sin Monton Near the Beginning con tintes sinfónicos. Parte del grupo grabó un anuncio radiofónico con el guitarrista Jeff Beck y se fraguó la idea de un súper-trío al estilo de Cream.

La banda decidió que la gira de 1969 sería su último tour, tras la publicación de último disco Rock & Roll, tocó unos pocos conciertos de despedida en EU y se disolvió en 1970. Bogert y Appice formaron primeramente el grupo “Cactus” uniéndose posteriormente con Jeff Beck.
Se reunieron una vez más en 1984 para publicar el álbum Mystery. Han girado alguna vez más juntos, siendo sustituído últimamente el teclista Mark Stein por Bill Pascali.

El pasado de un recuerdo que se remonta hacia un viaje de ensueño, vuelve a cristalizar la emoción que enmarca el cálido momento del recuerdo y desborda el ingenio y reconocimiento de las formas que anidan en el crepúsculo de la trascendencia… "Dreamer"
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martes, 29 de septiembre de 2009

En el Teatro de los Sueños... Images and Words

Dream Theater banda estadounidense de metal progresivo. En sus más de veinte años de existencia se ha convertido en la banda de su género más exitosa. Su álbum Images and Words de 1992 que les mereció un disco de oro y es consistentemente reconocido como un lanzamiento germinatorio del metal progresivo. La banda es conocida por la capacidad técnica de cada instrumentista y ha recibido numerosos premios de revistas especializadas. Mike Portnoy ha recibido 23 premios de la revista Modern Drummer y John Petrucci fue nombrado el tercer guitarrista en la gira G3 con Steve Vai y Joe Satriani junto con Mike Portnoy.

Dream Theater también es notable por su versatilidad musical y los muchos géneros diferentes que su propia música incorpora, lo que ha hecho posible para ellos realizar espectáculos con un rango de actos muy diverso. Algunos de sus más notables compañeros de gira:Megadeth, Porcupine Tree, Opeth, Queensrÿche y Symphony X. En 2005, Images and Words los catapultó a la fama y la emisión en la cadena MTV del videoclip promocional de "Pull Me Under". Algunos temas destacados en este disco son "Pull Me Under", "Take the Time" y "Metropolis Part 1: The Miracle and the Sleeper".

En 1992 Images and Words fue el primer trabajo con el vocalista James LaBrie. El álbum hoy por hoy es catalogado como de los más excelsos del metal progresivo. "Dreamer"

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miércoles, 23 de septiembre de 2009

Material extra de Emerson, Lake & Palmer...

Les dejamos el siguiente video de Emerson, Lake & Palmer, la canción es Nutrocker en vivo, saludos.
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martes, 15 de septiembre de 2009

ELP... pioneros del rock progresivo

A lo largo de este blog de Rock a la Rockger y ahora con el de La Creciente del Rock Progresivo, hemos tratado de llegar a la raíz de los mejores grupos de rock, algo así como el árbol genealógico de cada una de las bandas que hemos presentado y en esta ocasión no será la excepción ya que nos iremos a conocer las raíces de una de las mejores bandas del rock progresivo, se trata de la banda británica Emerson Lake & Palmer, pues bien el origen de esta banda lo podemos ligar a grupos como The Nice, King Crimson y Atomic Rooster, en The Nice tocaba Keith Emerson; en King Crimson, Greg Lake y en Atomic Rooster Carl Palmer.

La concepción exacta de Emerson, Lake & Palmer se da cuando en un concierto coinciden The Nice y King Criimson, esto en el Fillmore West de San Francisco, The Nice estaba en ese momento a punto de seperarse y en el ensayo previo al convierto Greg Lake coincide con Emerson y comienzan a tocar una canción de jazz y notan que la química entre ambos en cuanto a la música es inmejorable y bueno ahí es donde nace la inquietud de formar una nueva agrupación, así es como Emerson y Lake se acercan a Mitch Mitchell, baterista de Jimi Hendrix, para ofrecerle el puesto de baterista, lamentablemente Mitchell no muestra interés en ser parte de la banda, pero le comenta a Jimi Hendrix sobre la formación de esta nuevo grupo y Hendrix cansado de banda y en busca de cosas nuevas al parecer no le desagradaba la idea de integrarse a Emerson y Lake, previo a esto y ante la negativa de Mitchell es que contactan a Carl Palmer y este si acepta el puesto de baterista, todo esto creó una fuerte expectación en los medios británicos, ya que se hablaba de la formación de una nueva super banda que se llamaría Help (con Hendrix, Emerson, Lake y Palmer), la idea era juntarse a tocar después del Festival de la Isla de Wight, pero lamentablemente Jimi Hendrix falleció casi un mes después del aclamado festival y el proyecto jamás se concretó.

El primer disco, titulado Emerson, Lake & Palmer, estuvo listo en septiembre y fue puesto a la venta en noviembre convirtiéndose en un éxito inmediato que estuvo entre los 10 más vendidos en Inglaterra y entre los 20 de Estados Unidos, todo este éxito se vio ayudado por el sencillo "Lucky Man" y su presentación rápidamente se dio a conocer como un espectáculo digno de ver. La consagración del grupo se da con el disco Trilogy, pero como en todos los grupos algunas tensiones y diferencias entre los integrantes provocó que el grupo tuviera una primera separación en 1979, ante ello Lake comenzó un proyecto solitario, Emerson se dedicó a grabar música para filmes y Palmer se integró al grupo Asia.

En 1985 la firma Polydor intenta rearmar al grupo, los tres integrantes analizaron el proyecto y lo avalaron para trabajar, pero Palmer no pudo integrarse debido a que estaba atado al grupo Asia, es por ello que contratan al baterista Cozy Powell, quien venía de Whitesnake, así en 1986 Emerson, Lake & Powell lanzan su disco debut y empezaron a ensayar para su gira por los Estados Unidos e Inglaterra. Aunque no alcanzaron el éxito de la formación anterior el grupo logró producir un muy aceptable disco. Luego de que el trío anunciara su gira norteamericana para 1986 la gente empezó a entusiasmarse con la idea. Sin embargo, esa fue la única visita a norteamerica. Con el final de la gira llegó el final de Emerson, Lake & Powell.

Hace 40 años Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer son los pioneros del rock progresivo. Su música se ha mantenido como un referente del género además de seguir llamando la atención de las nuevas generaciones. Sin duda tres artistas con talento extraordinario y que desde sus inicios causaron expectación en los medios al venir cada uno de sus anteriores bandas ya con algún prestigio patentaron la interpretación de música clásica con arreglos de rock. Su éxito resulta peculiar si se considera que en sus álbumes se puede encontrar música de compositores tan disímiles entre sí como Alberto Ginastera, Béla Bartók o Aaron Copland y dejaron como legado el "rock estadio" siempre para mas de 50 mil personas o como alguna vez sucedió, hasta 300 mil, donde la exageración tanto en lo musical como en la vida misma del desarrollo de este magnifico trío lo constata, saludos…el Rockger.

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jueves, 10 de septiembre de 2009

En el Teatro de los Sueños… “Octavarium”

De regreso a la esencia del metal progresivo, este álbum marca un recorrido por las ocho partes que cierran el círculo cósmico de la transgresión de las ideas, mueven todo el concepto progresivo hacia las esferas más altas de la concepción musical. No hay un término que defina esta inefable manera de percibir el estilo de la majestuosa producción que encanta desde el primer corte. Solo la altura y el preámbulo a la imaginación conllevan al seguidor a sostener un buen concepto del protagonismo que mantienen los músicos.

Es el octavo álbum en estudio de la banda que además coincide con el 20º aniversario de su formación. Fue lanzado el 7 de junio del 2005 y se grabó entre noviembre de 2004 y febrero de 2005, The hit Factor. Tiene una estructura "circular" y los temas están conectados de varias maneras entre sí. Inspirado por los movimientos dialécticos de la vida.

Este álbum de ocho temas tiene algunos que van en la vena del progresivo característico de la banda, como "Panic Attack", tiene otros épicos como "Sacrificed Sons", y otros melódicos como "The Answer Lies Within" y finalmente, "Octavarium", un tema de 24 minutos que pareciera ser un combinado de todos y que en su final pareciera volver al principio, haciendo alusión a la idea "we move in circles, this story ends where it began" (nos movemos en círculos, esta historia termina donde comenzó), planteada en sus letras y que se refuerza a través de la música ya que luego del último acorde de la canción se oye el comienzo de "The Root of All Evil". Esta última es un tema que continúa la suite sobre el alcoholismo (capítulos VI y VII) iniciadas con "The Glass Prison" y "This Dying Soul" en los dos últimos álbumes. Los teclados de Jordan Rudess vuelven a cobrar cierto protagonismo en este álbum.

Ésta última pista además nos lleva en un paseo de estilos por todas las grandes bandas de rock progresivo de la historia, pasando por los inconfundibles sonidos de guitarra de Pink Floyd en sus primeros acordes, los Genesis de Peter Gabriel en su mejor época, el Polymoog inconfundible Rick Wakeman en los mejores trabajos de Yes, reminiscencias de Emerson, Lake and Palmer.

Las canciones contenidas en el album son: "The Root of All Evil", VI. "Ready" - 5:18, VII. "Remove" 3:07, "The Answer Lies Within" 5:33, "These Walls" 7:36, "I Walk Beside You" 4:29, "Panic Attack!" 8:13, "Never Enough" 6:46, "Sacrificed Sons" 10:42, "Octavarium" 24:00, "Intro instrumental (00:00 - 3:47)", "Someone Like Him (3:48 - 8:45)", II. "Medicate (Awakening) (8:46 - 12:15)", III. "Full Circle (12:16 - 18:27)", IV. "Intervals (18:28 - 19:55)", V. "Razor's Edge (19:56 - 24:00)".

Como información adicional del disco, tiene la distinción de ser el último álbum grabado en The Hit Factory, en New York City. Después de que las sesiones de Dream Theater terminaron un viernes en la noche, las luces se apagaron, y las puertas del estudio se cerraron para siempre, terminando una era en la industria musical.
Aunque dentro de “Octavarium” existen muchas claves y códigos ocultos, tal vez lo más interesante se presenta en la canción que le da el nombre al disco. Esto ocurre entre los 18:41 y 19:48, donde se presenta la sección IV: "Intervals" en la que Mike Portnoy va nombrando el intervalo (Root, Second, Third hasta Octave) mientras James LaBrie explica el tema central de la canción correspondiente. En "Root" se explica "The Root of all Evil" mientras se reproduce de manera casi inaudible el coro de la misma (Take all of me...), luego se continua con "Second", en la que se explica "The Answer lies Within" mientras se reproduce el coro de ésta y así sucesivamente hasta llegar a "Octave" y se reproduce "Side effects appear..." ("Octavarium", 11:53).
"Octavarium" tiene 5 partes y termina con el sonido inicial de "The Root of all Evil" que a su vez son las partes 6 y 7 de la suite de Mike Portnoy acerca de los pasos de rehabilitación del alcoholismo. La canción "Panic Attack" está incluida como jugable en el videojuego Rock Band 2 y está situada en el último nivel del juego, junto con otras 6 ó 7 canciones, por lo que está considerada como una de las canciones más difíciles de superar para los jugadores.

Es un ejemplo de la atemporalidad de una obra que va persistir a través del tiempo, sin embargo el la esencia proporciona que los sueños se muevan en espiral como un portento de ilusiones que están por venir… "Dreamer"
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