miércoles, 15 de diciembre de 2010

En el Teatro de los Sueños... Us and Them

"La magnificencia entre los sueños de todo el que deambula por las esferas del Universo, encuentra un espacio para envolverse en la estética de un caos que perdura sin contemplaciones... una idea que se muestra desde el las conexiones que escenifican la grandeza de los crépúsculos en vilo..."


lunes, 6 de diciembre de 2010

Mother and Child Divided... Porcupine Tree

"Un espacioso y divido esquema de figuras que transgreden la esencia de la música que en comparación con el estertor del interior, busca una salida y ofrece la bellaza del galimatías en el tiempo..." "Dreamer"

lunes, 1 de noviembre de 2010

En El Teatro de los Sueños… “Jorge Reyes”

Esta vez en El Teatro de los Sueños haremos un paréntesis y pospondremos un poco del metal progresivo de Dream Theater y otras bandas para avocarnos a realizar un profundo homenaje al autodefinido etnomúsico Jorge Reyes, quien es considerado uno de los artistas más famosos en la música contemporánea mexicana, ya que su obra abarca un amplio rango de experimentación sonora, al incorporar instrumentos mesoamericanos a la música rock, jazz y electrónica, creando su propio género musical, que definió como "tloque nahuaque" música corporal con canto armónico. Falleció la madrugada del sábado 7 de febrero de 2009 a causa de un paro cardíaco. Se quedó dormido en su estudio y ya no despertó.

“Miro a través de mis ojos y el mar arremete contra el brillo de mi ser y la respuesta la tengo en la palma de la mano.

Manía del fuego que se ensimisma en la fortuna de la Providencia… creo que pasó el tiempo y la nada no ha dejado nada.

Protuberancia cíclica de la energía cósmica, preparación del viaje a Mictlán…”



Con esta proverbial asistencia del tiempo en la música resta decir que la aparición de Chac Mool inicia en la década del boom del rock mexicano. Obviamente los líderes de grupo fueron Armando Suárez y Jorge Reyes, crearon atmósferas a través de letras profundas. Los integrantes del grupo: Armando Suárez en el bajo, mandolina, guitarra acústica y voz, Carlos Alvarado en los teclados, Jorge Reyes en la flauta, guitarra y voz, Mauricio Vieleto voz principal violoncello y guitarra acústica y Carlos Castro en la batería y percusiones.

La instrumentación de Chac Mool era asimismo pionera en Iberoamérica, ya que incorporaba elementos como el violoncello, mandolina, timbales, sintetizadores, la flauta e instrumentos prehispánicos, todo esto gracias al ingenio de los elementos de la banda. Lanzan el primero disco en el año de 1980, fue "Nadie en Especial", disco que refleja letras fantásticas y de crítica social como "Un mundo feliz", "El visitante", "Bienvenidos al fin del Mundo" es una visión del Apocalipsis y es influenciado por el trabajo del grupo Génesis. De tal forma destacan "El día que murió el Rey Camaleón","Nadie en especial", posterior al lanzamiento de este exitoso disco, el grupo realiza varias presentaciones en la Ciudad de México.



En 1981 aparece su segundo disco, titulado "Sueños de Metal", que conserva las características del primero en cuanto a instrumentación, letras y duración de las canciones. En ese año, el grupo británico “Qüeen” realiza dos conciertos en México, uno en Monterrey y otro en Puebla; en éste último se anunció a Chac Mool como grupo abridor. Para 1982 se lanza la producción "Cintas en Directo".Cuando el grupo cambió de disquera de “Polygram” a “Warner”, también cambian de estilo. Dejan de ser el grupo de rock progresivo con canciones de seis minutos. Esto se refleja en las letras y música del álbum "Caricia Digital", lanzado en 1984. De éste álbum se puede decir que tuvieron efímeros éxitos comerciales con "Niña Bien" y "Máquinas de Lujuria". Tras problemas con la disquera, el grupo se disuelve. Entre 1999 y 2000 dos de los integrantes originales de Chac Mool, Armando Suárez bajista y Carlos Alvarado teclista se reúnen con otros músicos para realizar algunas presentaciones y lanzar el disco "El Mensajero de los Dioses".



En el 2006 salió un disco llamado "25 Aniversario" que salió en CD y DVD, el CD incluye los discos “Nadie en Especial”, “Sueños de Metal”, cintas en directo, “Caricia Digital” en versión CD, el álbum no viene con el disco “El Mensajero de los Dioses”, el DVD incluye un documental con la historia del grupo y unas presentaciones en vivo. La discografía de Chac Mool: “Nadie en Especial” (1980), “Sueños de Metal”, (1981), “Cintas en Directo” (1982), “Caricia Digital” (1984), “El Mensajero de los Dioses” (2000), “25 Aniversario” (2006) y el nuevo disco que esta por salir al mercado es una recopilación de algunos conciertos incluido el del pasado sábado 11 de abril del 2010, en cual realizaron un homenaje a Jorge Reyes en el Tianguis Cultural del Chopo, donde se editarán todos los videos que se tomaron el.

Con el espasmo que dejan las tonadas y la gran profundidad de uno de los músicos más reconocidos a nivel mundial, Jorge Reyes escala una de las atmósferas más turbulentas que son la música interior y escucha desde afuera para dar muestra de que el ingenio no tiene razón. Hombre que existe a un costado de los antiguos Dioses mexicanos que se vanaglorario por las enseñanzas y mecanismos para mantener el equilibrio en las facetas del ser humano, una espiral por demás profunda e infinita lleva a Jorge Reyes al camino de los submundos cósmicos para reencontrarse con la muerte que siempre escenificó en sus recitales. Con el más profundo de los respetos a una consciencia que viaja a... Mictlán... Sin duda uno de los mejores grupos de rock progresivo en la escena del rock mexicano. "Dreamer"

jueves, 30 de septiembre de 2010

En las Regresiones Progresivas… “Blocco Mentale”

Desde la medieval ciudad de Viterbo en la ciudad de Lacio, hermosa Italia. Surgió una banda que reconfortó los momentos más espectaculares de la naturaleza con su incondicional reino del cuidado estético en todos los sentidos, hundió la fragilidad y mezcló los sentimientos en concordancia con el equilibrio universal. Un tipo de permanencia eterna que se prepara para una sólida carrera en contra de la inmediatez por el fugaz paso por la línea de tiempo en la escena del rock progresivo.

Se formó en 1973, banda que se creó cerca de Viterbo, Bloqueo Mental sólo editó un disco, llamado Pow. Una palabra griega escrita en letras griegas en la portada, que significa "hierba". Presentado por el título SU AS, el álbum trata de siete pistas con la ecología, la letra habla de la contaminación, la naturaleza, las flores y la hierba verde, a veces con un lenguaje muy ingenua típica de la época. Y fue integrada por Bernard "Dino" Hinojo -voz, saxo, flauta-, Aldo Angeletti -voz, bajo-, Gigi Blanco -guitarra, voz-, Filippo Lazzari -teclados, voz, arpa de boca-, Michael Arena -batería, voz-.



El álbum, musicalmente tiene momentos muy interesantes, pero se desvía hacia el pop a veces. El grupo es multivocal, algunas partes son similares a New Trolls, ya que todos los miembros se acreditan con la voz. Un buen disco, pero no al mismo nivel de muchos otros en 1973. La banda se separó después de sencillos más melódicos. “Amor murieron en dos décadas”, dado a conocer después de que el álbum, pero se volvió más tarde con el nombre de “Limusina”. El nuevo grupo, más comercial de estilo, gana algunos concursos importantes de la música en 1978 y 1979, produce un par de sencillos.



El cantante y saxofonista Bernard Hinojo publicó en 1980 bajo el nombre de Bernardo Lafonte el mini LP 4-track: “Carta A AQ122”, con la ayuda de Michael Arena, Aldo Angeletti y Lázaro Felipe, y con el mismo nombre, junto con Su esposa Francesca Lota, los registros de algunos de inspiración religiosa. El tecladista Philip Lazzari murió en un accidente de tráfico en 1991.



Con una muy limitada impresión de tan sólo 2000 copias en un pequeño sello, distribuidos por la desesperación en una importante compañía como Durium, Poa es terriblemente raro y caro y nunca ha sido reeditado en vinilo. Llegó con una lujosa portada doble laminado con una pequeña ventana cuadrada en la parte frontal. Curiosamente dos CDs diferentes reediciones de los discos salieron a la marcas italianas más importantes del género, Vinyl Magic y Mellow. La reedición de Mellow ha reproducido fielmente la cubierta y también incluye dos bonus tracks.

El vinilo Magic CD con una calidad mejor, pero no incluye ningún tema adicional y tiene un desplegable simple (sin corte) con letra ampliada folleto. Ambas cuestiones deben ser consideradas ya que fueron liberados con un arte original.



Banda que impresiona por la calidad de las voces que se muestran en todos los integrantes y sonorizan al crepuscular sentimiento que se acoge bajo las hermosas planicies italianas rodeadas de piedras encubriendo uno de los majestuosos palacios papales de Viterbo de estilo románico. Tiempo: sugerencia de la vida, naturaleza: disposición del alma a escenificar las visiones humanas; belleza: Italia; música: evocación de la más profunda idea que se resguarda desde los confines de la mente; estética: paraísos increíblemente construidos por la ensoñación de los dioses romanos…



Todo el camino que se avanza en la intermitente vida, sugiere que las necesidades de la música se reinventen y sigan el curso que marcan los sentidos para derribar los escenarios que no permitan imaginar, seguir soñando por la apacible estancia que escenifique momentos mentales y enseñe el reino de fastuosidad musical para mantener de pie al corazón… "Dreamer"

martes, 7 de septiembre de 2010

En El Teatro de los Sueños… Six Degrees of Inner Turbulence

Con un alto grado de alcohol por las venas del disco, Mike Portnoy desnuda sus costumbres y afecciones por la bebida que los dioses y almas perturbadas llaman” el néctar de los Dioses”. Una carrera contra el tiempo y el destello de la imposibilidad mental cuando el cuerpo permanece inerte ante la embelesadora tormenta que se refugia en el cuerpo. Distintos matices y tonalidades presumen al alma cuando se envuelve en la cordura y se aprisiona en un vaso.

Es el sexto álbum de Dream Theater, es un disco doble lanzado el 29 de enero de 2002 y grabado en el 2001 en los BearTracks Studios de Nueva York. El primer disco contiene cinco pistas que tienen entre 6 y 14 minutos de duración, el segundo disco está ocupado completamente por un tema de 42 minutos que le da el nombre al álbum. Esta canción contiene 8 movimientos y fue separada en ocho pistas.






El primer disco es un tanto experimental y pesado, mientras que el segundo sale de los sonidos progresivos. Cabe destacar que la primera pista del primer disco comienza con el ruido blanco con el que termina Scenes from a Memory, mientras que la última pista “Losing Timee” termina con una acorde largo de cuerdas sintetizadas que es usado también como el intro de su siguiente álbum.






“The Glass Prision” cuenta la historia de rehabilitación del alcoholismo de Mike Portnoy. Y está compuesta de tres partes, la intención de Portnoy es extender la canción a 12 partes que reflejen los 12 pasos del programa de rehabilitación para alcohólicos de Bill W. Esta canción es continuada en otras pistas de los siguientes tres álbumes “This Dying Soul” en Train of Thought, “The Root of All Evil” en Octavarium y “Repentance” en Systematic Chaos. La ultima canción es del próximo disco Black Clouds & Silver Linings llamada “The Shattered Fortress”. La noche anterior a la primera sesión del álbum, John Petrucci y Mike Portnoy asistieron a un concierto de la banda de heavy/thrash metal Pantera, lo que les inspiró a crear "The Glass Prison" (uno de los temas más pesados de Dream Theater hasta la fecha. "Six Degrees Of Inner Turbulence" es el tema de mayor duración de la banda con 42 minutos y 7 segundos.



Así, con la insania arrastrándose detrás de la cabeza, Six Degree of Inner Turbulence muestra el despliegue de esperanza que se requiere cuando el fondo esta por demás profundo, una idea que muestra la etapa más sensible de un problema que permea al alma cuando se pretende devastar poco a poco. Una llamarada del fuego interno que presagia el terrible final. (FF). “Dreamer”

martes, 24 de agosto de 2010

En las Regresiones Progresivas… “Maxophone”

La sonoridad que emite la bella Italia se magnifica con sus colores, esencias y en las más entrañables historias de todo género que atrapan al corazón y lo catapultan a un sinfín de obsesiones. El ser permanece estático aún teniendo algo pesado y el sobrevuelo de las fronteras de la mente rinden tributo a una de sus mejores raíces; la compaginada historia musical de una de las flamantes bandas que por su fugaz paso por el escenario romano forman la espina dorsal de la geografía europea.

Encantadores placeres que se desbordan desde la infinita atracción por el talento que da la forma al singular arte, cadencia progresiva que remite al vistazo de las regresiones que sueñan y logran el objetivo escalando los matices de inigualable cortesía para los seguidores del arte musical.

Se formó en 1973 por Alberto Ravasini -flauta, bajo, guitarra, voz-, Roberto Giuliani -guitarra, coros- y Sandro Lorenzetti –bateria-. Empezaron como trío pero decidieron agrandar la formación con tres miembros más que venían del conservatorio. Sergio Lattuada -teclados, coros-, Leonardo Schiavone -flauta, saxofón, coros- y Maurizio Bianchini -corno, trombón, coros.



A pesar de poseer un talento impresionante esta banda estuvo activa hasta el año 1975 y en todo ese período de actividad sacaron tan solo un álbum homónimo y una versión en inglés del dicho álbum.



Fue el primer y único LP lanzado por la banda en 1975. El álbum tiene bastantes influencias de jazz, sinfónico clásico, jazz fusión, pop acústico, y algunos toques de rock blueseado.



A continuación como un dato relevante, existen otras versiones del disco en el que se incluyen dos temas más, Il Fischio Del Vapore y Cono Di Gelatto, así como una versión en inglés y las canciones que contiene dicho álbum son: Ce' un paese al mondo, Fase, Al mancato compleanno di una farfalla, Elzeverio, Mercanti di pazzie, Antiche conclusioni negre.



La obra es sin duda, una de las mejores entregas de la banda y sucumbe en todo el universo sonoro por el cual se desbordó con tanta pasión y maestría que llevó a los ilimitados confines de la progresión, el encanto de la música que habla por sí sola y arremete con maestría por todos los lados en que se escucha…



Este sentimiento que causa el sobrecogedor idilio italiano, se muestra en todos los conceptos que presuponen una distante intermitencia en la línea del tiempo y recorren la estancia de los conceptos al fulminar la genialidad… "Dreamer"

lunes, 9 de agosto de 2010

En las Regresiones Progresivas… “La Bottega dell´Arte”

En la escena del rock fluye material más que bien compuesto por esta banda que retoma y lleva hacia las reminiscencias los éxitos que provocan demasiado amor en las composiciones, éxitos populares que se diluyen en un concepto que muestra la cadencia y versatilidad de los años en que el estilo se marca asimismo con la introducción de la esperanza innovadora.

Se fundó en el año 1970 cuando los hermanos Piero y Massimo Calabrese Calabrese unen a los tres amigos de la infancia para formar un complejo, Ciucci, Fernando Romano Musumarra y Alberto Bartoli, en la estela de los grupos emergentes de la música italiana, nacido después de la banda como The Pooh. Su estilo refleja las tendencias musicales, típicos en boga en los años setenta. La prevalencia de teclados analógicos, las guitarras, el uso de la flauta, melodías etéreas, letras de canciones inspiradas en un romance de cuento de hadas.

El primer sencillo fue un éxito y seguirá siendo uno de los temas más interesantes y populares de 1975. Ese mismo año, el grupo también publica las primeras 33 vueltas, simplemente titulado “La tienda de arte”, apreciada por la crítica y el público, pero que no son extraídos por otros singles de gran éxito. En 1976 lanzaron el single "El amor” y la pista de participar en los recuerdos de 1976 Festivalbar segunda venida, la parte de atrás de 45 años, Mare Nostrum es una pieza instrumental en la que el grupo demuestra tener calidad y composiciones instrumentales que van más allá de simples canciones fáciles que sólo sirven para dar reconocimiento a las producciones del grupo.


En 1977, el grupo lanzó el single "Qué dulce que recibe el bien”, y el nivel de ventas allana el camino para el próximo LP, titulado dentro de la tienda de arte, considerado por muchos como la obra más completa que la banda es éxito en traer a la atención pública. De ello se desprende un sencillo, “Bella Sara”, publicado en 1978, que revela que el producto comercial que trae la banda en la cúspide de su popularidad. En 1979 se lanzó un single y un LP, ambos titulados "La aventura”, un repentino cambio de estilo y el sonido setenta con un ritmo funky y blues que demuestra aún más las habilidades instrumentales de los integrantes.



El grupo, ligado indisolublemente a los éxitos iniciales, agotando su creatividad y participar en el Festival de San Remo de 1980 con más de una canción con la que él no puede subir al podio de los ganadores, en la edición que vio el éxito de Toto Cutugno. Viene una reunión de celebración que incluye la canción presentada en el Festival. En 1981, después de la publicación de cada uno de Rock vieja, Ciucci Fernando dejó la banda por razones personales, marcó el final de una época, ser la voz principal de los mayores éxitos del grupo, aunque, la canción ha pasado casi desapercibida en Italia. Se convirtió en un éxito musical en los países escandinavos, uno de los pocos casos en que el grupo ha conseguido exportar su música más allá de las fronteras italianas.



Durante los primeros años de 1980, siguiendo la tendencia pop-rock publican con poco éxito en Italia. En 1984 los cuatro miembros restantes, a pesar de que hace mucho tiempo emprendieron carreras en solitario como productores, se comprometen a dar un último trabajo impreso con ese nombre que los hizo famosos en los años setenta. El fruto de esta unión pasó sin pena ni gloria. Álbumes publicados y muy pocas copias y enviar los escombros restantes tras el fracaso de las pequeñas empresas que se le habían confiado la distribución. A pesar de la gran decepción para un fin tan discreto, dos temas del disco están sacados de contexto para convertirse en símbolos de una telenovela y la televisión son muy populares en América del Sur. Fernando Ciucci abre un vivero con su esposa en Roma, romano Musumarra dedicado a la actividad de los productores, entre los muchos discos, incluyendo las 45 vueltas registradas por la Princesa Estefanía de Mónaco, trabajó con Mario Castelnuovo, Piero Calabrese abrió un estudio de grabación y su hermano Massimo Calabrese se ha dedicado a la autoría y producción del lanzamiento entre Georgia y otros Little Feat.



Banda que trasciende por destellos de creatividad y el fugaz paso por la escena del rock progresivo deja un legado importante por esta corriente del rock en Italia. "Dreamer"

martes, 27 de julio de 2010

En las Regresiones Progresivas… “Acqua Fragile”

El fugaz paso por los escenarios del rock progresivo italiano, el concepto de la fragilidad se retoma desde las aguas parmesanas y todo lo que envuelve esta sofisticada y equilibrada ciudad padana de estilo románico y con los bellos bosques que la rodean. Los espacios vacíos que se muestran desde La Pilota convergen con una esencia de poesía lúgubre que reinventa los lugares y vislumbra los atardeceres nublados que se ciernen a los pies del pasaje del río Po.

Formado en el año de 1970, originario de la zona de Parma. El grupo se llamaba originalmente “Gli Immortali”, “Los Inmortales” y estaba integrado por Bernardo Lanzetti-voz, Gino Campanini-guitarra y Piero Canavera-batería, a quienes se unió en seguida el teclista Maurizio Mori y el bajista Franz Dondi. Dondi provenía de otro grupo, Moschettieri “Los Mosqueteros”, que en 1967 había publicado un sencillo de 45 “Il tempo dell'amore” y había actuado como telonero en un concierto de los Rolling Stones.



“Gli Immortali” empezó a actuar en directo a principios del año 1970, junto con otros importantes grupos del panorama italiano de rock progresivo como Premiata Forneria Marconi, en lo que fue una de las escenas más creativas pero menos conocidas del panorama musical europeo y mundial de la época. Decidieron cambiar el nombre a “Acqua Fragile” y actuaron junto con grandes bandas del género como Soft Machine, Uriah Heep y Gentle Giant.



El primer disco de Acqua Fragile, titulado de forma homónima, fue publicado en el sello discográfico independiente Número Uno en 1973. Se trata de un trabajo claramente inspirado en el rock progresivo británico, sobre todo en Genesis y Gentle Giant y con letras en inglés, hecho bastante inusual en el panorama musical italiano del momento.



El álbum fue distribuido solamente en Italia y no obtuvo el éxito esperado. El siguiente disco, “Mass Media Stars” de 1974 fue lanzado en el mercado estadounidense, que había acogido anteriormente de forma positiva a Premiata Forneria Marconi. A finales de ese año, el grupo incluyó a un nuevo miembro, el teclista Joe Vescovi. El cantante Lanzetti abandonó la formación para irse a Premiata, quien fue sustituido por Roby Facini. Al no lograr nunca asentarse donde querían, el grupo se disolvió definitivamente en 1975. Franz Dondi ha fundado una banda recientemente, llamada l'Acqua Fragile Project, que interpreta ampliamente el repertorio clásico de Acqua Fragile.



Progresión de ideas que se conformaron desde los estratos de una cordillera que divide las ideas, el sol a plenitud en los momentos en que las manos se frotan para dar paso a un encantador y orquestal fondo musical profundo. Estética, lírica y visiones que se inician en la tempestad del la insania de un caudaloso afluente de ideas que se internan en el vacio de la plenitud; ocaso de vidas que intensificaron su estancia en la música con deseo y mítica pasión. "Dreamer"

jueves, 15 de julio de 2010

En el Teatro de los Sueños… “Rush”

Dotados de una fuerte personalidad en la escena musical, los logros y el carisma de los integrantes hacen del rock progresivo el estandarte de la música que eleva al infinito la progresión de las ideas musicales. Simple y complicada es la textura de las prominentes composiciones que legitimizan a la banda en el nivel más alto y más allá del bien y del mal. La esencia de esta banda materializa los sueños y los baja al mundo terrenal con un alto grado de estilística, provocando influencias incomparables y muy destacables. Armonía, ansiedad, locura, recuento de los daños, emoción por la difícil tarea de mimetizar los sonidos del universo; sensaciones que provocan a la consciencia a enfrentar al espejo que manipula los sentidos. Una intermitencia en el tiempo hace una reverencia al paso de un recuerdo que se remonta hacia un viaje para cristalizarse en formas que anidan en el crepúsculo de la trascendencia… Rush, concepto y musicalidad que dieron origen a la temática del metal progresivo, influencia fascinante de Dream Theater, círculo iniciado desde las alturas, corredores excitantes…

Es una banda canadiense compuesta por el bajista, teclista y vocalista Geddy Lee, el guitarrista Alex Lifeson y el baterista Neil Peart. Se fundó en septiembre de 1968, en Sarnia, Ontario por Lifeson, el bajista y cantante Jeff Jones reemplazado un mes después por Lee y el baterista John Rutsey. Grabaron su primer álbum a principios de 1974 y posteriormente, en julio de 1974, Peart reemplazó a Rutsey en la batería para así completar la formación actual. Rush, aún habiendo experimentado con toda clase de tendencias musicales dentro del rock sigue manteniendo vigencia como uno de los referentes legendarios del género. El estilo musical de Rush ha ido cambiando significativamente. Su primer álbum tiene un sonido similar al de las bandas de rock británicas Led Zeppelin y The Who, pero en los siguientes discos su estilo evolucionó, influenciado principalmente por el movimiento británico de rock progresivo, pero manteniendo el hard rock como núcleo de su sonido.

La alineación original de Rush se reunió por primera vez en septiembre de 1968 con Jeff Jones (bajista y vocalista), John Rutsey (batería y coros) y Alex Lifeson (guitarrista y coros), ese mismo mes, Jones fue reemplazado por un compañero de escuela de Lifeson, Geddy Lee que era quien les prestaba el amplificador para que Jones pudiera tocar. Después de varios intentos infructuosos de lograr fama, Lee, Lifeson, y Rutsey finalmente grabaron su primer álbum en 1974, titulado simplemente Rush, muy semejante en sonoridad al estilo de Led Zeppelin aunque más rocanrolero. Rush tuvo una fama local algo limitada, hasta que su lanzamiento original, distribuido por Moon Records, fue recogido por Donna Halper, quien era DJ en una estación de radio de Cleveland. Esta popularidad llevó a que el álbum fuera redistribuido por Mercury Records, la compañía discográfica de Rush hasta 1987. Ese mismo año, Rutsey renunció debido a problemas derivados de una diabetes que no le permitían salir de gira por períodos muy prolongados de tiempo y disgustos por lo apretado de las giras. Rush comenzó a audicionar un baterista reemplazante y terminaron seleccionando a Neil Peart, quien llevó a Rush por un camino más progresivo a través de los siguientes álbumes, Fly by Night, Caress of Steel y el álbum conceptual 2112. Las letras en esa época fueron más densas y estaban muy influenciadas por la poesía clásica y literatura de ciencia ficción y, en algunos casos, por los escritos y conceptos filosóficos de Ayn Rand, como se evidencia más claramente en la canción "Anthem" basada en una novela de Rand y el álbum 2112.



Muchas de sus primeras canciones recibieron poca exposición debido a su larga duración en algunos casos más de 10 minutos. Una notable excepción fue "Closer to the Heart" de 3 minutos de su álbum A Farewell to Kings (1977), que fue ampliamente radiado, convirtiéndose posteriormente en la canción emblemática de la banda canadiense. También de A Farewell to Kings, "Xanadu" (una de sus canciones épicas) se convirtió en una favorita de los fanáticos.

En 1978, el álbum Hemispheres incluye una segunda parte a la canción "Cygnus X-1", una de las obras musicalmente más complejas de la banda. Aunque Rush seguiría produciendo otras obras capitulares durante su carrera, "Hemispheres" fue su último tema épico. Al entrar a una nueva década, Rush comenzó a disponer de sus estilos viejos a favor de nuevas tendencias, más comerciales, con canciones más cortas y arreglos más suaves.

El álbum Permanent Waves (1980) cambió el estilo musical drásticamente. La banda sentía que habían explorado el formato de canciones largas tanto como podían o querían y optaron por canciones más cortas, que sin embargo retuvieran su tradicional complejidad y eficiencia musical. Aunque todavía era evidente el género musical hard rock, se introdujeron sintetizadores, como parte de la experimentación. Los temas de su lírica cambiaron drásticamente, dependiendo menos de imágenes de ciencia-ficción y adentrándose en conceptos como la vida y las influencias de la modernidad. Así mismo, otros géneros musicales, como reggae y new wave se colaban en las canciones de Rush a principios de la década. La popularidad de Rush alcanzó su cenit con el álbum Moving Pictures de 1981. La primera canción, "Tom Sawyer" es probablemente la más conocida de la banda, incluso Geddy Lee la califica como la "canción tradicional" de Rush. Debido a lo vanguardista del género, "Tom Sawyer" aún se escucha regularmente en estaciones de rock clásico. De este periodo, sin embargo, no hay que dejar de lado éxitos tales como "Limelight", "YYZ" y "Red Barchetta".



A partir de 1982, los álbumes de Rush incorporaron más sintetizadores -lo cual propició el alejamiento del productor Terry Brown- y se apegaron más al estilo que comenzó con Permanent Waves, sin embargo, muchos temas como "Distant Early Warning", "Marathon" y "Force Ten" permiten apreciar el crecimiento musical de la banda, con el virtuosismo multiplicado y una ejecución precisa, que es posible escuchar en el álbum en directo A Show of Hands de 1988.

Rush se comenzó a apartar de este estilo con sus álbumes Presto y Roll the Bones, en donde llegan a coquetear con el jazz fusión. En lo que ya era su estilo acostumbrado de composición, Neil Peart se mantenía como el escritor de las letras mientras que Alex Lifeson y Geddy Lee componían la música. Posteriormente, la banda abandonó los sonidos sintetizados de sus grabaciones de estudio para retornar al género musical hard rock más pesado y dominado por guitarras, adaptando sus canciones a sonidos más orgánicos, dando cabida a los sonidos tradicionales, como el de la Gibson Les Paul. Esta transición comenzó con el álbum Counterparts en (1993). Después del lanzamiento del álbum Test for Echo (1996), la banda entró en un receso de seis años, debido mayormente a tragedias personales en la vida de Neil Peart. Los fallecimientos de su única hija y luego de su esposa, en un periodo de diez meses deprimieron profundamente al baterista, quien se adentró en un proceso de curación espiritual que él mismo llamó "travesía sanadora", realizando un viaje en motocicleta de miles de kilómetros a través de Norteamérica. Estas experiencias más adelante las resumió en un libro titulado Ghost Rider: Travels on the Healing Road.



Rush regresó en 2002 con el álbum Vapor Trails. Este álbum resultó ser pesado y con un sonido moderno, sin sintetizadores, rescatando la esencia del hard rock. Los temas de las letras son diversos; aquí se incluye la canción "Ghost Rider", basada en la ya mencionada travesía de Peart, además de eventos de repercusión mundial, como la caída de las Torres Gemelas del World Trade Center el 11 de septiembre, que dan inspiración para la canción "Peaceable Kingdom". El álbum debutó con muy buenas críticas y fue acompañado de la primera gira de la banda en seis años, incluyendo conciertos en Ciudad de México y Río de Janeiro, donde tocaron enfrente de algunas de las multitudes más grandes de su carrera.

Para celebrar su trigésimo aniversario, en junio de 2004 se publicó Feedback, un disco que contiene ocho covers de bandas clásicas tales como Cream, The Who y The Yardbirds, artistas que los miembros de Rush han citado en ocasiones como fuente de inspiración durante sus inicios. Este es el segundo disco oficial de la banda con covers de otros artistas, siendo el primero un 45 RPM del año 1973 que contenía un tema de Buddy Holly titulado "Not Fade Away". El 13 de junio de 2006 fue lanzado Rush Replay X 3, un empaque que consiste en la reedición digital de tres grabaciones originales de giras anteriormente editadas durante la década de los 80: Exit... Stage Left, Grace Under Pressure Tour y A Show of Hands, remasterizadas todas para DVD. Este empaque especial incluye además un disco compacto con el audio de Grace Under Pressure Tour. El 1 de mayo de 2007, Rush lanza al mercado un nuevo álbum, bajo el nombre de Snakes & Arrows.



No basta con mencionar que el virtuosismo de la banda se muestra en cada canción ya que es un poema y una gran composición. No cabe duda que durante la delgada línea del tiempo, Rush permanece intacto ante cualquier resonancia universal; el espíritu de Pearl y el acondicionamiento atmosférico de Lee y la sensual melodía de Lifeson los lleva al extremo de las visiones humanas a través de su música en comparación. Caja de ritmos que presuponen que el tiempo no está de su lado, la universalidad de las sensaciones que trastoca desde el sinfín de estadíos, reflejan el matiz de un show que está dispuesto a seguir interactuando con la belleza de los sonidos que provocan la escenificación de las vidas que quedan en limbo y otras vidas que resurgen de la nada…

Una reservada mirada se fija en el pleamar de las lindes del Océano, gran magnificencia de su lento andar, presuroso en el cambio de estaciones, hermoso en su magnitud y esencia; receptor de las ideas más insanas que se instruyen de la locura que se fija en la profundidad de mis ojos; marea de reflexiones que se cristalizan desde el Universo en el entorno de la aparente tranquilidad de sus sensaciones; un cúmulo de virtuosismo que se asemeja a la apacible noche de todos los tiempos… Rush!!!... "Dreamer"

viernes, 2 de julio de 2010

En las Regresiones Progresivas… “New Trolls”

Las alturas siguen siendo los corredores que fascinan al conocimiento, sin embargo la musicalidad hace gala con una orquestación más que portentosa al diluirse en la frescura de la cadencia que se impone desde la bella Italia. Un concierto perfecto se demuestra con la estela de fantasía que se va consumiendo y reavivando desde todos los horizontes que tiene la visión humana. Una sensación angelical al escuchar las intensidades que muestran los chelos, violines, guitarras, el contrabajo, la flauta y sobre todo, el piano y el tono de clavecín. Muy en lo profundo del corazón cuando se le sonríe al delirio que muestran las ejecuciones ligadas a la maestría poética.

Combinación perfecta que demuestra que los paisajes vislumbran el carácter de la esencia de la musicalidad arraigada desde tiempos ancestrales por los divinos. La gran obra se completa cuando el perfil de la vida toma cauce y se siembra el camino para retocar y viajar hacia la Eternidad. Es un canto que reposa en las manos del majestuoso cambio progresivo y dilucida que hay más que cuatro estaciones para un Concerto Grosso.

Así son conocidos por su fusión de rock y música clásica. Su historia está llena de cambios de formación, los cambios de nombre de la banda y las luchas entre los miembros de la banda. La banda fue fundada a mediados de 1960, cuando los músicos Vittorio De Scalzi, Nico Di Palo, Chiarugi Mauro, Giorgio D'Adamo y Belleno Gianni decidieron formar una banda llamada New Trolls, después de que el nombre de la banda anterior de uno de ellos, Los Trolls.

Después de una primera serie de conciertos en clubes locales. New Trolls ganó popularidad hasta el punto que fueron elegidos como telonero de los Rolling Stones, en la fecha de viaje por Italia. Poco después, lanzaron su primer single, "Sensazioni" en 1967, el primero de una serie muy larga de éxitos. La banda tuvo una de las mejores actuaciones en directo en Italia en ese momento, y Hendrix inspirado en el guitarrista Nico Di Palo fue uno de los héroes de la guitarra italiana. Su primer álbum de larga duración: “Senza orario senza bandiera”, llegó en 1968 con letras de canciones escritas por el famoso cantautor Fabrizio de André.



Este lanzamiento fue muy exitoso en el momento. Un segundo álbum, titulado simplemente New Trolls, seguido dos años más tarde en 1970 como una compilación de sus singles. A finales del mismo año, New Trolls que se han enfrentado a su primer cambio alineación cuando Mauro Chiarugi dejó la banda. Los otros miembros lograron continuar como un cuarteto. En 1971 lanzaron el álbum que se convertiría en su marca registrada: “Concerto grosso per i New Trolls”. El álbum fue un ejemplo fantástico de experimentación temprana de rock sinfónico, con arreglos de música clásica escrita por el compositor Luis Bacalov Enríquez como el primer esfuerzo en Italia para fusionar el rock con el tratamiento clásico. Este álbum sigue siendo considerado uno de los más importantes del rock progresivo italiano.

El segundo cambio en la alineación llegó en 1972, cuando el bajista Giorgio D'Adamo fue sustituido por el Laugelli ítalo-canadiense Frank. Con la nueva formación, la banda lanzó un doble álbum con algunos temas en directo y en su mayoría cantadas en inglés. Este nuevo disco es un álbum inconexo. Ese mismo año trajo otro álbum New Trolls: “Ut”. La introducción de un sonido más pesado similar al hard rock, a pesar de que el lanzamiento fue exitoso, surgieron diferencias creativas y la banda se separó en dos partes, con Di Palo y De Scalzi va de dos maneras diferentes.



Una batalla legal comenzó para el uso del nombre de la banda. Vittorio De Scalzi se reunió con Giorgio D'Adamo, efectivamente formando otra banda llamada New Trolls. La encarnación De Scalzi de la banda lanzó el single “Una notte sul Monte Calvo”, una versión popular de Mussorgsky. Una noche en la montaña desnuda, como New Trolls. Una batalla legal enseguida y el siguiente álbum fue lanzado con el título: “NT Atómica System, como consecuencia, manteniendo el estilo de New Trolls antes de “Ut”. A pesar de algunos relatos en la web De Scalzi nunca tuvo la intención de llamar la banda de New Trolls Atómica System. Un tribunal italiano falló en favor de De Scalzi y Palo Di y los otros tres miembros de la banda lanzaron su siguiente álbum con un signo de interrogación reemplazando el nombre de la banda. El cuarteto se llamó más tarde “Ibis”, una banda orientada hacia el rock duro. El Scalzi De llevó una alineación, a menudo erróneamente denominado New Trolls Atómica System, lanzó su primer álbum en 1973 con un sistema similar a las utilizadas anteriormente en Concerto grosso per i Trolls Nueva. En 1973 fundó De Scalzi Magma Records, que lanzó el álbum. El propio De Scalzi tocaba la flauta, teclados y guitarra en este trabajo. El segundo álbum: “Tempi dispari”, fue un disco instrumental en directo de fusión jazz-rock, totalmente diferente al anterior sonido de New Trolls.

Con el caso judicial reiterado, De Scalzi, fue de nuevo capaz de usar el nombre de New Trolls, a pesar de ello, “Tempi Dispari” era bastante exitoso. La decepción de las disparidades Tempi provocó la desintegración de la Scalzi. Sorprendentemente, De Scalzi se reunió con su viejo amigo y rival de Di Palo y el baterista Belleno para un nuevo capítulo en la historia de New Trolls. El bajista D'Adamo se mantuvo y el cantante-guitarrista, Ricky Belloni fue contratado para completar la alineación. En 1975 la banda lanzó un álbum en directo titulado simplemente el Magma NT L.I.V.E., que contenía canciones anteriores a la ruptura y algunos extractos del próximo álbum de estudio “Concierto grosso. 2”, que fue lanzado en 1976.



“Concerto grosso no. 2”, retomó el estilo de su álbum de mayor venta, pero esta vez los críticos lo consideraron "pálido" y demasiado "pop". 1978 trajo un nuevo miembro a la banda, el teclista Giorgio Usai. Luego la banda poco a poco comenzó a abandonar su estilo progresivas en favor de un sonido de rock mainstream pop que les dio muchos éxitos: “Quella Carezza della” y “Aldebarán”, entre ellos. New Trolls se mantienen en esta línea hasta principios de 1990.A partir de entonces, el nombre de New Trolls ha aparecido esporádicamente en la escena musical.

A lo largo de la década de 1990, Vittorio De Scalzi contrató a varios músicos para realizar giras tocando viejas canciones de New Trolls. Algunos álbumes y colecciones de los mejores éxitos han aparecido también. En 1999 Di Palo, Belloni y Belleno trató de reagrupar a la banda de nuevo, pero entró en conflicto legal con De Scalzi. En 2001, un set de dos discos fue puesto en libertad a De Scalzi acreditados: La storia dei New Trolls, grabado en vivo, el primer disco incluye recreaciones de temas antiguos, mientras que el segundo es una versión completa de “Concerto grosso per i New Trolls con orquesta completa.



Para el año 2002 la iniciativa de De Scalzi banda mantiene de gira con “La storia dei New Trolls” repertorio. Di Palo y antiguos miembros banda se reagrupó como Il Mito New Trolls. 2007 vio lo que es actualmente la última reunión de De Scalzi y Palo Di. Reunir los elementos de las bandas de ambos miembros, la reforma de la New Trolls lanzado Concerto grosso: Las siete estaciones”, una continuación de su clásica, rock fusión. "Concerto grosso". Para esta edición, la banda volvió a las canciones de inglés, escrito por Shel Shapiro. El disco fue producido y publicado por el sello propio de la banda, Aereostella.



Más que armonioso y bello, se transpira y se emiten las sensaciones al Universo donde sólo el mismo Universo se reconforta con las ideas espectaculares y divinas agregando las descargas de musicalidad que hacen eco en los rincones de los corazones humanos. Una obra maestra la que se presenta ante la sensibilidad que se recibe desde un pleamar de paradigmas dispuestos a intercambiar la somnolencia del tiempo. No pasa, se queda y la beldad realiza su trabajo dejando las almas en completo absorto.

Es una mañana que reaviva los sentidos y matiza los contrastes de las inclementes vaguedades que se apresuran a fortalecer el destino. Inspiración más que absoluta al renacer por todo el espectáculo de la vida, una mezcla de cordialidad y reticencias que enmarcan a la razón, teniendo como referencia la musicalidad desde la querida y bella Italia. Nobleza del candor que afina el desliz de las emociones, manías que el corazón despliega en cada nota… "Dreamer"

jueves, 24 de junio de 2010

En las Regresiones Progresivas… “Area”

El Infinito se vislumbra con una noche más que clara para un momento simétrico, los astros muestran que la intención del tiempo es la elevación de un conjunto de características que rigen al alma, un Area que intensifica su poder dentro de la estilística del sentimiento. Poder que se retoma desde las alturas y se mantiene: acción progresiva., matiz del inocultable territorio caracterizado por ligeras ondulaciones y desniveles…

Es así como se formó en Italia en 1972 y es liderada por Demetrio Stratos, quien junto a Victor Edouard Busnello, Johnny Lambizzi (guitarra), Patrick Djivas (bajo), Giulio Capiozzo (baterías, percusión) y Patrizio Fariselli (teclados), comenzaron a incursionar en el sendero del jazz, particularmente desarrollaron el free-jazz.



En 1973 Lambizzi es reemplazado por Paolo Tofani, lanzando así, su primer álbum ese mismo año, titulado “Arbeit Macht Frei” traducido como “El Trabajo les Hará Libres”, famosa frase utilizada en la entrada del campo de concentración de Auschwitz durante la Segunda Guerra, disco que generalmente es el más valorado por los fans. En 1974 la formación vuelve a cambiar, entrando Ares Tavolazzi en el bajo, en reemplazo de Djiva.



El grupo queda constituido por Stratos, Capiozzo, Fariselli, Tavolazzi y Tofani. Ésta sería su alineación más clásica con la cual lanzaron varios discos en la década de los ‘70, hasta la salida de Tofani en 1977, cuando ya habían alcanzado cierta fama. En 1978 edita el último disco junto a Demetrio Stratos, quien fallece en 1979 dejando un vacío considerable en el grupo, que siempre se caracterizó por las vocalizaciones sugerentes y experimentales que hacía su vocalista.



El grupo se mantiene vigente, aunque con menor capacidad creativa. Ello se ve reflejado en que sólo sacaron dos discos de estudio luego de 1978: “Tic & Tac” en 1980 y “Chernobyl 7991” en 1997. Ambos discos fundamentalmente instrumentales. Luego de esto, Area desaparecería definitivamente el año 1999.



A lo lejos del tiempo quedó plasmada una escena que aún no desparece y se acrecenta como un sonido puro proveniente de las portentosas vocalizaciones experimentales de Demetrio Stratos. una llamarada de sentimiento que intercepta y fulmina los valores desde lo más profundo de la reinvención de la vida… "Dreamer"

miércoles, 16 de junio de 2010

En las Regresiones Progresivas… “Biglietto Per L'Inferno”

Una temporada en el Infierno es inevitable para este sentimiento que se encarga de maniatar a los sentidos y deslumbrar a la mañana siguiente con un sonido que emana de la intensidad de un estruendoso réquiem que alcanza los niveles más espectaculares, una Luna y el ensueño de la felicidad se desgarran en la armonía de las elucubraciones alteradas por la estancia en el corazón. Sonríe y confecciona los estadíos desde la Italia, siempre tan enamorada por el arte en todo sus géneros, un camino y pasos desde los lúgubres pasadizos de la Toscana y gran paraíso de grandes obras literarias, así se percibe esta luminaria desde la Laguna de Orbetello…

Biglietto Per L´Inferno alcanzó su limitado éxito en 1970, dejando una gran herencia en 1974 con su disco epónimo y único. Es hoy considerado una piedra angular del género. Las entradas para los miembros Inferno eran de Lecco, Lombardía, procedentes de las bandas y los tiburones Mako Gee. El año 1972 marcó los primeros conciertos de la banda. En 1974 la banda lanzó su álbum homónimo, una mezcla de hard rock y sonidos progresivos. Los instrumentos más importantes en el registro fueron Giuseppe Cossa, Marco Mainetti guitarra y teclados. Claudio Canali, el cantante, también Jugado flauta. Canali escribió las letras de la canción "Confessione": Estamos a punto del asesinato: la desesperación, nombre de la banda, que significa Boleto para el Infierno. Las letras no tienen referencias al infierno o temas demoníacos, tratan temas sociales y psicológicos.



El segundo álbum de la época de la siembra "La Semilla de tiempo”, se registró en 1974-1975, la producción de Eugenio Finardi, pero no fue publicado hasta 1992. Biglietto Per L´Inferno se separó en 1975. Algunos miembros de su continuaron sus carreras en la industria musical: Joseph con la música electrónica, Banfi grabó cuatro álbumes en 1977-1988 bajo el nombre de “Bigote Banfi”, mientras que Fausto Branchini, emitió varios singles de música pop. Mauro Gnecchi, acumulados en una banda de jazz e historias; Anirudh de Red Carpa por Franco Mussida. Mainetti obtuvo un doctorado en física y Canales se retiró a vivir como un monje en un monasterio situado en las montañas, cerca de Lucca, Toscana.



En el año 2004 se lanzó una caja de 30 aniversario con versiones remasterizadas de los dos discos oficiales, un tercer CD con una grabación en vivo en 1974, Lugano, y DVD con material de varios. El nuevo proyecto está caracterizado por una música popular y por la textura "folk", sufijo que se ha agregado al final del nombre de la banda. Aunque como un elemento popular se oía en la encarnación “Más temprano”, el nuevo billete es una banda mucho más expandida con una gama de diferentes instrumentos acústicos, además de los obligatorios de flauta que siempre ha sido un elemento clave de las bandas de sonido, también tenemos acordeón, gaitas, ocarina, mandolina, violín, guitarra acústica, contrabajo, requinto, y grabadora.



La diferencia más sensible para los fans de la banda, sin duda, será la sustitución del vocalista Sally Hall. El resto de los nuevos miembros para llenar sus listas con un aplomo admirable con el guitarrista Frank Giaffreda jugando con un estilo de metal más moderno, Henry Fagnoni Jazzist, al bajo y contrabajo y tres músicos populares: Carlo Redi, Fumagalli Raineri y Renata Tommaselli. La Banda publicó en 2010 en el álbum Ragin gira y comienza a vivir.



Excelencia y misticismo en la esencia de los momentos que se disfrutan con el escuchar a una banda que sembró y acumuló el éxito fugaz con su paso por esta estancia que promueve los sentimientos más expresivos de la escena del rock progresivo. Se eleva como un clásico y uno de las bandas referentes para el progresivo italiano. Todo es un abismal entramado de pasión que incita a disfrutar desde el Cabo de Enfola…y reabrir el Universo con la musicalidad que subyace desde el corazón. "Dreamer"

martes, 8 de junio de 2010

*Tercera parte de “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”

Segundo acto: Scene Six: Home. Escuchamos a Julian Baynes hablar de su vida y cómo esta es tan solo una farsa. En último término, como ya habíamos intuido anteriormente, Victoria lo abandona por culpa de su adicción al alcohol y al juego. Después escuchamos a Edward Baynes comentar como Victoria lloraba sobre su hombro tras la ruptura con Julian. Se encuentra que está siendo atraído por ella, y aunque en primera instancia se siente culpable por traicionar a su hermano, su obsesión es mayor que su sentimiento de culpabilidad y seduce a Victoria en su estado vulnerable. La canción mantiene un atmósfera parecida a la de “Beyond this Life”, también es una de las canciones que extrañábamos de Dream Theater.

Por último escuchamos a Nick otra vez, en el tiempo actual y despierto. Hasta ahora solo sabe lo que el anciano le había contado y lo que fue capaz de leer en el periódico en su última sesión terapéutica. Sabe que tiene que haber más detrás de todo eso y está deseoso de empezar su próxima sesión de hipnotismo regresivo para poder volver atrás y resolver el misterio de una vez por todas.



Scene Seven: I. The Dance Of Eternity. La pista es instrumental y aunque muchos afirman que esta canción no aporta mucho a la historia, en realidad sí lo hace. El título de este tema proviene de la última frase de "Metropolis part 1: "The miracle & the sleeper" que dice "The love is the dance of eternity", y quiere representar el verdadero amor entre Victoria y Julian. Una de las mejores canciones instrumentales de Dream Theater y ciertamente la más compleja, donde Rudess se luce con su capacidad creativa en los teclados.

Scene Seven: II. One Last Time. Empieza con Nick dándole vueltas en su cabeza a todo lo relacionado con el asesinato de Victoria. No está convencido, con las pruebas conocidas, que lo que cuenta el periódico sea la verdad. También parece que se ha enterado de ciertos rumores, probablemente los rumores de su relación sentimental con Edward. Se pregunta a sí mismo si Victoria "hirió su alma" o si "se despidió de él". Entonces la escuchamos a ella, otra vez en el pasado, diciendo "Una última vez, nos acostaremos hoy". Esto es lo que Nick asocia a que Victoria le decía adiós a Ed, que esa sería su última cita. La canción es una balada.

Nick visita entonces la casa de Edward, donde él y Victoria desarrollaron su romance. Parece que la casa aporta muchas pistas nuevas y consigue confirmar muchos de los pensamientos internos de Nicholas. Aunque ahora está despierto, cuando entra en la habitación, experimenta una especie de revelación como si estuviese fuera de su cuerpo real. Siente frío como sentía en sus sueños y escucha de repente una voz de mujer gritando y un hombre pidiendo perdón, aunque no es capaz de comprender las palabras que pronuncia.



Scene Eight: The Spirit Carries On. Nick está otra vez bajo hipnosis, aunque esta vez es la última. Reitera su convencimiento de que su alma continuará existiendo más allá de su vida y, por esta razón, ya no teme a la muerte. Cree que Edward estuvo involucrado en el crimen y planea exponer la verdad que hay tras un crimen que sucedió hace más de 70 años. Victoria aparece, en el presente esta vez, y le dice a Nicholas que se vaya y no sufra más, que ya le ha revelado la verdad pero que aun así nunca debe olvidarla a ella. En este punto se alegra de la paz que siente ya que ha conseguido satisfacer tanto a Victoria como a su propia obsesión. Nicholas se da cuenta de que la razón de que todo esto sucediese, la moraleja de su historia, es que la muerte no es el fin, solo una transición, como el hipnotizador ya había comentado. La canción es una balada.

Scene Nine: Finally Free. Está última escena nos muestra información que Nick no puede asimilar, ya que el hipnotizador lo saca de su último trance y escuchamos como coge su coche y se va del lugar. Lo que aprendemos es que Victoria y Julian se encontraron por casualidad y decidieron reunirse más tarde en secreto para poder hablar. Ella está excitada por este hecho ya que Julian es aquel al que siempre ha amado, y por esta razón va a romper su relación con Edward: ya no está indecisa de a quien quiere realmente. Pero tiene miedo de que Julian vaya a matar a Edward si se entera de su relación con ella. La canción es una balada extensa.



Así que se reúnen sin que nadie lo sepa, o eso piensan, porque Edward aparece y empieza a forcejear con Julian. A éste se le cae una botella de licor de su chaqueta y saca un cuchillo, pero antes de que pueda usarlo Edward le dispara. Victoria grita y él le dice: "abre tus ojos, Victoria", tras lo cual también le dispara. Julian, todavía vivo aunque mortalmente herido, se arrastra y se pone sobre el cuerpo ya muerto de Victoria. Ed pone una nota en la chaqueta de Julian que le ayudará a interpretar su rol como falso testigo del asesinato.

Tras este interludio, volvemos al tiempo presente. Nick está conduciendo hacia su casa mientras piensa como está ahora libre de todo lo que le perseguía. También está contento de lo que aprendió de su vida, que se transferirá a través de su alma tras su muerte. Entra en su casa, enciende el televisor, donde están dando la noticia de la muerte accidental de John Fitzgerald Kennedy Jr. Apaga el televisor, enciende el fonógrafo, se sirve un whiskey y se sienta para relajarse. Se escucha a otro coche aparcando fuera y ruidos de pisadas seguidos por el sonido de una puerta cerca abriéndose. El hipnotizador entra en la sala y dice: "¡abre tus ojos, Nicholas!". El fonógrafo es golpeado tras el grito de sorpresa de Nicholas y solamente escuchamos ruido estático de fondo hasta que se acaba el disco. El hipnotizador, el alma reencarnada de Edward, ha matado a Nicholas. Aunque es solo coincidencia, “Metropolis Pt. 1", "The Miracle and the Sleeper” es la quinta canción del álbum “Images and Words” y “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”, es el quinto álbum en estudio de la banda.



Todo un portento de disco ya que contiene todos los elementos para ser un disco más que conceptual. Dream Theater lleva a cabo su magistral obra poniéndonos de pie para escuchar uno de los álbumes más creativos y difíciles en cuanto a le ejecución musical. Es estar más allá del bien y del mal conociendo el concepto de la armonía universal, equilibrio, sabiduría y conocimiento de las causas. No se deja nada a la imaginación, porque el sueño se materializa y realiza cambios que son una constante en todo aspecto del álbum, por demás sorprendente el nivel al que han llegado con esta maravilla que se ha convertido en un clásico del metal progresivo. Las formas y el fondo que se muestran tal como lo soñaron los integrantes, toda una gama de expresiones artísticas se mueven alrededor de los límites de este ensueño que pasa por los apropiados caminos para deleitarnos y sumergirnos en la atmósfera erotomaniaca del concepto. Regresar a casa y haber pululado por las estancias que muestra la mente desde los terrenos más que lúgubres… "Dreamer"

miércoles, 26 de mayo de 2010

*Segunda parte de “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”

La historia se divide en dos actos diferentes y se desarrolla con tan solo siete personajes: *Nicholas, *El Hipnotizador, *El Anciano, *El Viejo loco, *1928: *Victoria Page "Metropolis", *Julian Baynes, *"The Sleeper", *Sen. Edward Baynes, *”The Miracle"

Primer acto: Scene One: Regression: El álbum comienza con Nicholas relajándose con el sonido de un reloj de fondo y la voz del Hipnotizador que le ayuda a entrar en un estado hipnótico para llevar a cabo una terapia de regresión. La canción en si es una balada al estilo de Dream Theater.

Scene Two: I. Overture 1928. Aunque la canción es puramente instrumental, trata acerca de que Nicholas está en el estado hipnótico mientras contempla el confort y la paz surrealista que le envuelve. Mientras entra en trance empieza a fijarse en el objeto de su terapia de regresión: una chica llamada Victoria y una vida que le parece extrañamente familiar a la suya misma.

Scene Two: II. Strange Deja Vú. Ahora escuchamos un poco más sobre los sueños que llevaron a Nick a la terapia, mientras continua sumergiéndose más y más en la hipnosis. Conocemos como cada vez que cierra sus ojos se transporta a un sueño recurrente muy real que involucra otra vida, y que es precisamente ese sueño que se repite cada noche lo que le llevó a la terapia psiquiátrica. La canción, si bien no cae en la categoría de pesada, tampoco es una balada, es una canción al estilo de los clásicos como “Take The Time” o “Under A Glass Moon”.

El sueño, tal y como lo cuenta, se desarrolla de la siguiente manera. Hay una camino hacia una casa. Dentro de la casa hay unas escaleras que llevan a una habitación con un espejo donde puede ver a una joven. Todo eso le resulta extrañamente familiar a Nicholas, pero no debería porque no está relacionado para nada con su vida. Como ahora se encuentra dentro del trance hipnótico, todo parece más claro que en los sueños normales que tiene. Puede contemplar ahora la cara de la chica claramente y consigue preguntarle "por qué no me dices por qué estoy aquí?". Él siente que ella tiene algo que contarle, y que por eso lo conduce allí noche tras noche. Debe tratarse de alguna historia que todavía está por serle revelada, y esa historia es de algo terrible que le está "haciendo trizas el alma".



La chica se presenta como Victoria y le da la primera pista de porque lo está persiguiendo: está buscando una manera de contarle la verdad sobre el asesinato que la mató. También nos muestra la gran pena que posee porque ella no es "la que el Durmiente pensaba que era" y esto "le parte el corazón en dos", por eso se siente culpable y en búsqueda de libertad. Después de esta revelación, Nick se encuentra fuera de la terapia y de nuevo en la vida real. Aunque los pensamientos de esa otra vida lo persiguen en cada momento. Esto le lleva a desear desesperadamente ser capaz de revelar todo el misterio e incluso intenta buscar la manera de llegar a ese otro lado, donde piensa que ya vivió. Ya no le importa nada más que su nueva obsesión, necesita conocer toda la verdad para poder vivir en libertad, se da cuenta de que la llave de esa puerta está en sus sueños y no parará hasta abrirla.



Scene Three: I. Through My Words. Nick se da cuenta del enlace entre Victoria y él. Todo lo que ella sintió está almacenado en sí mismo, son dos mentes compartiendo una misma alma. La canción es una balada bastante corta.

Scene Three: II. Fatal Tragedy. Empieza con Nick solo por la noche. Sabe ahora quien es Victoria, pero no es conocedor de por qué se sentía así o de lo que pasó realmente con ella. Sale entonces de casa y se encuentra con un anciano que se encontraba solo y que Nicholas "sentía que podía confiar en él". Este anciano le cuenta que una chica fue asesinada allí, pero que la historia todavía sigue siendo un misterio aunque hace bastante desde que sucedieron los hechos. Cuando intentó conseguir más información, el anciano le respondió que ahora debía actuar solo y que la verdad se desarrollaría a lo largo de su futuro. La canción comienza con una atmósfera lenta, pero pronto se volverá una canción rápida, con los solos característicos de Petrucci y Rudess.

Tras la conversación se da cuenta definitivamente que hasta que no descubra la verdad de lo que le pasó a Victoria, no va a poder vivir su propia vida en paz. Está encerrado en esa obsesión y él mismo lo reconoce cuando dice "sin amor ni verdad no puede haber vuelta atrás", y también que "sin fe ni esperanza no puede haber paz mental". La canción finaliza con la voz del hipnotizador en una nueva sesión en la que le dice que es hora de ver cómo murió, que recuerde que la muerte no es el fin, es solo una transición.



Scene Four: Beyond This Life. La canción empieza con la lectura de la portada de un periódico de 1928. La historia es sobre una chica joven asesinada en la que el asesino se suicidó posteriormente. Al parecer existe un testigo, Edward Baynes, que escuchó un "sonido horripilante" y cuando llegó al lugar del que provenía dicho sonido se encontró a una mujer que había sido asesinada mediante un disparo y al asesino de pie delante de ella. El testigo intenta ayudar pero el asesino se suicidó, cayendo encima de la chica muerta. El periódico comenta que fue "un final triste para un amor roto". Considerada una de las mejores canciones de este álbum, Beyond this life es una canción a la vieja escuela de “Images And Words”, al estilo de “Metropolis” o “Take The Time”. La canción mantiene una atmósfera rápida, con los solos característicos y toda el arte que pone Dream Theater.

El diario explica que Victoria y Julian, el asesino, estaban actualmente separados debido a las adicciones de él y a su estilo de vida decadente, que incluía juegos de azar y adicción a las drogas. También se comenta que ella volvería con él si enderezase su vida. Después de eso vemos un recuento de las pruebas físicas en la escena del crimen. Se sospecha que hubo una pelea previa ya que apareció una navaja, cosa que choca bastante porque es extraño que una chica joven de 1928 lleve una navaja con ella, a no ser que presintiera que necesitaba defenderse. También se encontró, en el bolsillo del asesino, una nota que pone que Julian preferiría antes matarse que vivir sin Victoria. En medio de la canción se repite un par de veces varias líneas a través de la boca de Nicholas. En ellas continúa con la creencia de que él y Victoria comparte un mismo alma pero también afirma que no solo existe la reencarnación del alma, sino que también se trasladan los mismos rasgos de personalidad para toda la eternidad: "todo lo que aprendemos ahora, se lleve más allá de la vida" y "lo que hemos sido es lo que somos".

Scene Five: Through Her Eyes . Nick está despierto otra vez y es consciente de que Victoria fue brutalmente asesinada en 1928. Necesita visitar la sepultura de ella para poder expresar todo lo que siente por ella, por lo poco que pudo hacer aquella noche trágica y lo inocente que ella era. No solo eso, sino que ya que ha estado aprendiendo todo lo de su propia vida mirando a través de los ojos de ella, asume que lo que sucedió también le pasó a él y que toda esa injusticia debe ser justificada. La canción es una balada.



Al llegar a la tumba, la tristeza envuelve a Nicholas. Hasta el epitafio le recuerda que simplemente era una chica joven e inocente y que su vida le había sido arrebatada brutalmente. Compara la muerte de ella con la suya propia, dice que es como perder a alguien que amas. Deja que las imágenes de ella invadan su mente una última vez mientras la tristeza le acompaña por toda la injusticia cometida. Entonces acepta que el dolor que eso le estaba causando era necesario para aceptar su muerte en una vida anterior y comprender por fin porque esa vida le estaba persiguiendo. "Dreamer"

jueves, 20 de mayo de 2010

En el Teatro de los Sueños: “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”

Sin duda, el disco más conceptual que Dream Theater ha tenido hasta este momento. En este material son dueños de los sueños, de la virtuosa ejecución, de las letras, de la introspección que experimentan sus personajes dentro y fuera de la realidad. Claro que sí, una de las obras maestras de la banda y me permito presentarles en tres partes lo que será este, un gran viaje por las quiméricas fantasías de la música.

Este álbum fue grabado de febrero a junio y lanzado en 1999 en los estudios BearTracks de Nueva York “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory” que fue considerado por la crítica especializada como "una de las obras maestras del rock progresivo" y que según Mike Portnoy, es el trabajo del que está más orgulloso. Es un disco conceptual que narra la historia de Nicholas, un joven que se siente identificado con una joven que murió en 1928.



Los conciertos, que eran mucho más grandes que cualquier cosa que la banda había intentado antes, reflejaban el aspecto teatral del álbum. Interpretaron “Scenes From a Memory” de principio a fin con una pantalla de vídeo que la pared de fondo del escenario mostrando un acompañante narrativo de la historia del álbum. A parte de interpretar el álbum entero, la banda también interpretó un segundo set con otros temas Dream Theater, y algunas nuevas interpretaciones de material más viejo.

La banda atrajo la atención de los medios con su álbum en vivo “Live Scenes From New York” con tres cidis. Anteriormente habían utilizado en la carátula de “Live at the Marquee”, un corazón en llamas para hacer referencia al lugar del concierto. La carátula original utilizaba una manzana con el paisaje neoyorquino incluido el World Trade Center en llamas. El álbum fue lanzado el 11 de septiembre de 2001, una coincidencia con los ataques terroristas ocurridos ese día. Las copias que habían salido al mercado tuvieron que ser recogidas para cambiar el diseño, así que la carátula original se volvió un artículo de coleccionistas. El disco “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory” fue lanzado en 1999 y es el quinto álbum en estudio de la banda, en él debuta Jordan Rudess como nuevo tecladista después de haber grabado “Liquid Tension Experiment" 1 y 2”.



Scenes From a Memory es un álbum conceptual que narra una única historia, acerca de un joven que descubre su pasado, el cual está relacionado con el amor, asesinato e infidelidad de Victoria Page. Como el nombre puede sugerir, “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”, es una secuela que sigue la historia de “Metropolis Pt. 1: The Miracle And The Sleeper”, una canción del segundo álbum “Images and Words". Aun así, cuando llamaron “Metropolis Pt. 1” a la canción original no tenían en mente hacer una historia épica dividida en dos partes, pretendía ser simplemente una broma. Solamente tras continuas súplicas y peticiones de los aficionados, empezaron a trabajar en la segunda parte.

Inicialmente comenzaron a desarrollar esa segunda parte para incluirla en una sola canción, en lugar de como un álbum completo. Fue durante las sesiones de grabación del cuarto disco del grupo, “Falling Into Infinity”, en 1996-1997, cuando empezó a tomar forma. La canción no fue definitivamente incluida porque la compañía discográfica para la que trabajaban no quería publicar un álbum doble que sería necesario ya que no habría espacio suficiente.



En la gira que acompañó a la publicación del disco, Dream Theater tocaba todo el disco en directo. En el último concierto de la parte norteamericana, se grabó un DVD titulado “Metropolis 2000: Scenes from New York”. En él se puede ver la representación gráfica de toda la historia que describe el disco como si fuesen fragmentos de una película que se entremezclan con las escenas del directo. Además en ese DVD podemos ver a los miembros de la banda comentar la historia de “Scenes From a Memory”.

Listado de canciones: “Scene One: Regression, Scene Two: Overture 1928, Strange Deja Vu, Scene Three: Through My Words, Fatal Tragedy, Scene Four: Beyond This Life, Scene Five: Through Her Eyes, Scene Six: Home, Scene Seven: The Dance of Eternity, One Last Time, Scene Eight: The Spirit Carries On, Scene Nine: Finally Free”. "Dreamer"

jueves, 13 de mayo de 2010

En las Regresiones Progresivas… “Corte dei Miracoli”

Partiendo de una obra literaria que refleja los más desdichados elementos humanos en dos personajes que se manifiestan como protagonistas marginados y sobrevolando los aires del Romanticismo francés; pasando por los castillos y monasterios medievales. Nace desde los encantos de la bella Italia y precisamente, de la Corte de los Milagros, una sensación de progresión en las ideas musicales que reafirma la estética y el poder por los elementos unificados de los sonidos característicos del progresivo latino.



Es una banda de rock progresivo italiano formada en 1974 y que tuvo un fugaz paso por la línea del tiempo, dejó su estela musical provocando gratas emociones en los sueños de los aficionados a este grupo. Está conformado por Alessio Feltri (teclados), Riccardo Zegna (teclados), Graziano Zippo (voz), Flavio Scogna (batería y percusiones), y Gabliele Siri (bajo), realizaron un solo disco: "Corte dei Miracoli", álbum clásico del progresivo en todo el mundo y para grabarlo invitaron a Vittorio de Scalzi para participar en la guitarra.



La música de “Corte dei Miracoli”, es característica del progresivo italiano. Tiene la magnificencia del romanticismo mediterráneo y la exactitud interpretativa de los mejores grupos. La escasa visión analítica de algunos críticos reconocidos, CDM debe considerarse no sólo como uno de los mejores grupos del progresivo italiano, sino como uno de los mejores representantes de este movimiento a nivel mundial.



Esto se puede asociar con el gran legado que deja esta banda para el futuro en el que se perfilan bandas que muestran la gran influencia que ha dejado hacia la posteridad y retomar un concepto único. Después de su desaparición de la escena del rock, aún se recuerda esta obra de arte que enmarca toda la universalidad de todo el entramado deseo de viajar hacia la Eternidad.



Esto se puede asociar con el gran legado que deja esta banda para el futuro en el que se perfilan bandas que muestran la gran influencia que ha dejado hacia la posteridad y retomar un concepto único. Después de su desaparición de la escena del rock, aún se recuerda esta obra de arte que enmarca toda la universalidad de todo el entramado deseo de viajar hacia la Eternidad.



Todo un cúmulo de emociones que se reflejan desde el espejo cósmico y se manifiesta en el esplendor del tiempo para reforzar al tiempo y darle un matiz de consentimiento hacia la estética de los destellos que emanan de las alucinantes atmósferas y la espectral voz de Graziano Zippo. Por demás absorbente y exquisitamente cautivadora… "Dreamer"

miércoles, 5 de mayo de 2010

En las Regresiones Progresivas… “Campo Di Marte”

Desde las atmósferas más envolventes, se enmarca un sonido único en la imagen progresiva del Campo Di Marte. Ensueños que replantean una reflexión sobre las reminiscencias de la guerra. La musicalidad de ésta banda desciende de la espectacular Florencia. Matiza los ordenamientos de su esencia con guitarras en ocasiones poderosas y la flauta hace de éste, un espectáculo más que rimbombante y lleno de sensibilidad absorbente. Realmente una obra de arte que nos muestra su portento al materializar las abstracciones en instantes que se remiten a la compleja armonía musical.



En un grupo de rock progresivo italiano que pusieron en el mundo un sólo disco y desaparecieron dejando una de las mejores producciones, pero eso va a cambiar, pues 30 años después de haber grabado el álbum y por iniciativa de su líder, esta banda se reúne para hacer gira de conciertos y dejar el testimonio en una nueva producción.




Como muchos otros, este grupo de Florencia nace a principios de los '70, participaron en numerosos festivales, pero siempre aparecieron como en un segundo plano con respecto a los demás.



En el año de 1973 grabaron su primera producción, testimonio que quedó en solitario durante un período de 30 años, considerado bueno, pero criticado de una fuerte influencia musical extranjera, además de tener una factura discreta en su producción.



El tiempo apresura las estancias que se elucubran desde la más inimaginables relieves que se muestran a través de la intempestiva soledad de los momentos, un desvarío requiere y retoma las mejores desconexiones que la música en comparación realza desde las más extasiantes alturas, es la envolvente sonoridad que lamenta no redimirse a los caprichos de los genios que por causa y efecto mantienen los ecos desde el confín del Universo. Grandes obras maestras que se calculan desde el interior y se enfrentan a la exquisita y maniatante realidad. "Dreamer"

lunes, 26 de abril de 2010

En las Regresiones Progresivas… “Locanda delle Fate”

Sin alguna extravaganza y el matiz que debe de imprimírsele a una gran obra cuando está por salir de las ideas, el medio es el indicado para demostrar al sentimiento que se apodera desde una reminiscencia hasta los más delicados detalles musicales de la bella Italia; la existencia y el soliloquio del orgullo muestran el canto de la poesía en su más profundo ensueño. Esa poderosa voz de Leonardo Sasso y la clásica forma de los músicos renueva el concepto de una estadía y paso por la tierra de la cual el arte renació desde todas sus perspectivas.

Se formó los años 1970. Esta banda sacó un solo disco en la época dorada del progresivo, llamado Forse le lucciole non si amano più en 1977. La banda se disolvió poco tiempo después para volver a reunirse a finales de los años 1990.



Locanda delle Fate fue formado por un trío que tocaba en bares de Italia a principios de los 70, los miembros en ese entonces eran Oscar Mazzoglio (teclados), Luciano Boero (bajo) y Giorgio Gardino (batería), En 1974 se unen a ellos Alberto Gaviglio (guitarra), Ezio Vevey (voz, guitarra) Leonardo Sasso (voz) y Michele Conta (piano), formando una de las bandas más impresionantes de la muy rica escena progresiva italiana.



En 1977 sacan su obra maestra Forse le lucciole non si amano più que fue espectacularmente recibido tanto por el público como la crítica, de esa manera lograron hacerse un nombre en Europa y Estados Unidos.



El éxito de este disco y el muy rico material les permitió basar en él los conciertos que tuvieron durante los próximos 4 años, pero después de este tiempo se separaron, durante su separación se lanza en 1993 un disco en vivo de la banda titulado “Live”, grabado en un concierto en 1977. Por este tiempo empiezan a considerar volverse a juntar, cosa que hacen en 1996 para sacar a la luz un nuevo disco llamado “Homo Homini Lupus” en 1999. Actualmente el grupo está tratando de volver a la formación original para sumergirse en nuevos proyectos.



Una conformación espectacular la que guía a la banda en sus multiformes conceptos, es como un respiro que trasciende desde las alturas más espectaculares del insomnio que causa la oquedad de los ideas conceptuales, un sentir, pensar, reflexionar del camino de la vida hacia la eternidad; mantiene el sistema equilibrado en su fascinante contribución a la armonía con las almas dispuestas a realizar y materializar los infinitos ensueños. Un ensueño que desde la bella Italia se dosifica en puntos muy suaves para aterrizar en la hermosa planicie de los sentimientos compenetrados…más que las imágenes que desnudan a la poesía.

miércoles, 14 de abril de 2010

En las Regresiones Progresivas… “Il Rovescio della Medaglia”

Evocación de la larga lista de pendientes que se transforman en la alegría que marca un concepto diferente en el más estricto sentido musical, la entereza de proponer un rock más duro sin perder la cadencia del rock progresivo y sus líneas siempre insatisfechas por el tiempo. Se muestra desde Italia otra banda que emerge desde Roma para puntualizar que el camino de la virtud siempre espera a que alguien sobresalga de la atmósfera más que rocanrolera. Son sentimientos que se encuentran desde el bastión de la cordura que ilumina el cielo con una capa estelar que disuelve todos los sentimientos y los compenetra en sentidos etéreos terrenales.

El camino y pensamiento crítico hacen de la gloria un mundo aparte, realizan la conversión de un reverso que no es inverso, sino contrapuesto por el sonido que se despliega de Roma y es la unión que se da 1970. La asociación de tres ex miembros de las lombrices de tierra con el cantante Gianni Mereu, reemplazado por Sandro Falbo y, finalmente, con el Pino Ballarini Pescara.



En 1971, el grupo participó en el 1er Festival de música de vanguardia y nuevas tendencias en Viareggio, ganando un contrato con la RCA italiana de ese mismo año, produjo el álbum debut de la Biblia. Este álbum contiene algunas ideas muy interesantes y referencias a músicos de renombre internacional como Deep Purple, por ejemplo, la huella de Sodoma y Gomorra es un ejemplo de hard rock producido en Italia en los años 70.



En 1973 la banda lanzó el álbum de la contaminación, cuya música ha sido escrita con el compositor argentino Luis Enríquez Bacalov. Este es un álbum conceptual centrado en una figura hipotética del hijo 21 de Johann Sebastian Bach, considerada una obra maestra del rock progresivo italiano e hizo famosa también de la próxima versión de inglés.


Además del considerable número de discos vendidos, la popularidad de la "marcha atrás", fue determinado principalmente por el gran éxito de público de sus conciertos, atraídos por los temas de carácter excepcional y la instrumentación dall'avveniristica equipos electrónicos. La banda, de hecho, podría contar con un sistema de vatios más de 6.000 entradas, un poder que, en ese momento, ningún grupo podía haber italiano.


En diciembre de 1973, el camión con la planta enorme y costosa, y todo el equipo, estacionado en Roma, en Via Trionfale fue robado, obligando a la "boca abajo" para cancelar los conciertos programados.


Un submundo de piezas propias para que el suelo se realice en las alturas y se matice con fragmentos de la vida, que suele en ocasiones dar aptitudes y muestras de poder en todos sus sentidos. Un estado de catatonia que sobrevuela los abismos de la existencia y recompone los cimientos del presente y un futuro que se muestra incierto por las obras maestras que están por reorganizarse y ser compuestas. Concepto de una de las mejores bandas de la bella Italia recomponen el escenario y desbocan su maestría en cada ensueño que se proyecta al salir el sol de cada día… "Dreamer"

lunes, 5 de abril de 2010

En el Teatro de los Sueños... “Porcupine Tree”

Haciendo un acto con su presencia más que inaudita, Steven Wilson, multiinstrumentista de la banda que forma un concepto diferente al del propio rock progresivo, se compromete y realiza producciones más que complejas para darle el matiz perfecto a lo que ha llamado música simple. Trastorna la escena del rock con las multifacéticas personalidades que muestra en cada disco. Un hombre por demás creativo en toda la extensión de la palabra, marca y personifica la realidad de las quimeras que trae arrastrando detrás de la cabeza.

Una banda que hizo un profundo eco en mi ser colocando la armonía en un lugar aparte, la trascendencia de una vida llevadera y comprometida con la salud, siempre enmarca una referencia para la mente que siempre vivió con una disfunción y el terror de la insanidad... un concepto que en la enfermedad crónica se hizo latente y aterrizo en la oscuridad de la muerte, del otro lado y regresar a la luz con estos ojos negros... letargo de la inocencia y retrospección de la creación que dura solo instantes, un tiempo, relativo, dolor constante que anida en la profundidad de los actos de insolencia y la caída anuncia un soplo en la profunda agonía...

Porcupine Tree se formó en 1987 Hemel Hempstead, Inglaterra. Esta banda es el proyecto más exitoso del músico Steven Wilson. Con una mezcla de rock psicodélico, rock progresivo, música ambiental y más recientemente, heavy metal, han desarrollado piezas musicales que se caracterizan por su diversidad y la calidad distintiva del sonido en sus grabaciones. "Linton Samuel Dawson" fue el tema elegido para representar a Porcupine Tree en el recopilatorio de rock psicodélico que salió al mercado bajo el título de A Psychedelic Psauna. Poco después, el recién fundado sello Delerium Records le ofreció un contrato a la banda, según el cual se re-editarían los anteriores trabajos de la banda. Delerium ofreció a la formación la edición de un álbum doble que contuviese las casetes anteriores del grupo, pero Wilson prefirió incluir lo mejor de cada trabajo en un sólo disco, que salió a la luz bajo el nombre de On the Sunday of Life... en 1992.



"Voyage 34" era una canción grabada para el siguiente álbum de la banda, que saldría al mercado como Up the Downstair. En un principio se pensó editar como un disco doble, pero la decisión de no incluir la canción en el disco hizo que tuviese que ser reducido a un único disco. Up the Downstair fue catalogado como uno de los mejores discos de 1993 gracias a la continuación del estilo de la banda que incluía fusiones de música rock y dance. Richard Barbieri y Colin Edwin, futuros miembros de la banda hicieron apariciones en el trabajo como músicos invitados.

El siguiente disco de la banda se hizo esperar hasta comienzos de 1995, y fue precedido del single "Stars Die/Moonloop". The Sky Moves Sideways, tercer trabajo de la banda, se convirtió en un gran éxito entre los fans progresivos y Porcupine Tree se erigió como el sucesor de Pink Floyd en los 90. Después de la edición del primer single "real" de Porcupine Tree, "Waiting" que entró en la lista de éxitos británica, Signify llegó en septiembre de 1996. Muchas canciones muestran influencias del avant-garde, incluyendo temas instrumentales y canciones pegadizas y oscuras. La prensa musical especializada europea se interesó por Porcupine Tree y por Signify, y la banda se convirtió en una de las formaciones más respetadas del panorama rock de mediados de los '90



En 1997, el cantante de Marillion, Fish, ofreció a Wilson su participación en el nuevo disco de Fish, Sunsets on Empire. Wilson colaboró en la composición, interpretación y grabación del disco. Dos años después y viendo el éxito que había conseguido el disco de Fish y Wilson, Marillion invitó a éste último a la grabación de su nuevo trabajo, marillion.com lo que significó la consecución del sueño de Wilson de trabajar con una de sus bandas preferidas en su adolescencia.

El tiempo que pasó la banda buscando un presupuesto suficiente para grabar Stupid Dream no había sido desaprovechado por sus miembros, quienes estaban listos para editar un nuevo trabajo en el año 2000. Lightbulb Sun, que presenta como invitado especial a Dave Gregory de XTC, siguió la tónica estilística de Stupid Dream, pero evolucionó ligeramente hacia un sonido más intenso. El disco fue editado en mayo de 2000, precedido del single "Four Chords That Made a Million", y fue el anticipo a una serie de conciertos entre los que destaca uno con las entradas agotadas en el club Scala de Londres, seguido de una gira con Dream Theater que duró hasta el año 2001.



In Absentia fue editado en septiembre de 2002 en Estados Unidos y en enero de 2003 en Europa. El disco consiguió alabanzas de la prensa musical a lo ancho de todo el mundo y rápidamente se convirtió en el disco más vendido de la banda en esa época y entrando en las listas de éxitos de numerosos países europeos. Para la promoción del álbum, Porcupine Tree giró varias veces por Europa y Norteamérica, incluyendo una multitudinaria con la banda sueca Opeth. Durante estas giras la imagen de la banda y los efectos lumínicos de sus conciertos alcanzaron altas cotas gracias a la contratación del fotógrafo Lasse Hoile. La gira terminó con un concierto lleno en el famoso London Astoria. Con la edición de Fear of a Blank Planet el 16 de abril de 2007, Porcupine Tree ha conseguido abrirse un hueco entre las bandas más prominentes de la escena internacional, Para promocionar el disco la banda giró a lo largo de 2007 por Alemania y el Reino Unido y editó el EP Nil Recurring con canciones extraídas de las sesiones de grabación de Fear of a Blank Planet, incluyendo contribuciones del líder de King Crimson, Robert Fripp.



A comienzos de 2009, la banda anunció que las sesiones de grabación del nuevo álbum comenzarían en febrero incluyendo una canción de 35 minutos, así como las fechas de la gira de promoción posterior al lanzamiento del disco. El 12 de junio se revelaron finalmente los detalles del nuevo trabajo que llevará por título The Incident y que saldrá al mercado el 21 de septiembre de 2009 como un doble disco. También se destapó que la canción de 35 minutos, homónima, finalmente ocuparía todo el primer CD y que duraría 55 minutos descrita por Wilson como una canción ligeramente surrealista sobre comienzos y finales y con la sensación de que después de esto, nada volverá a ser lo mismo. Las restantes cuatro canciones compuestas "Flicker", "Bonnie the Cat", "Black Dahlia" y "Remember Me Lover" se publicarán en un disco diferente en formato EP para "remarcar su independencia de 'The Incident'" Una banda espectacular y demasiado progresiva en la idea musical.



Siempre se hace un llamado a la discordancia y el disfrutar de la música en un completo esparcimiento, promueve a la conciencia a compenetrarse en la más lúgubre soledad del camino que muestra Wilson, un ensueño de realidades y opuestos que siempre prefigurarán en la mente de cada uno... al final, un teatro en el cual se vuelven y sobrepasan las enseñanzas de la vida.

Porcupine Tree se presenta en la ciudad de México los próximos 13 y 14 de abril en el Metropolitan, a las 20:30 horas, buena oportunidad para apreciarlos en vivo. "Dreamer"

viernes, 2 de abril de 2010

Premiata Forneria Marconi... E'Festa

En vivo en Japón en el año de 2002 Premiata Forneria Marconi, con la canción E'Festa (Celebración), esta semana descansamos, la próxima retomamos entregas de lo mejor del Progresivo. "Dreamer"

jueves, 25 de marzo de 2010

En las Regresiones Progresivas… “Museo Rosenbach”

El fugaz y efímero paso por la línea del tiempo en la cual se pasa dejando algo, muestra que la calidez de la musicalidad perdura por todo el infinito. La espiral del juego y la atemporalidad de las regresiones distinguen al espacio y no vacio con la madurez que requiere la esencia de la carrera que se remonta al engranaje del sistema que unifica la creatividad y los sueños realizados por el hombre a través de su estadía en el eterno retorno a la sensibilidad. Así, Zaratustra, toma el vuelo cuando Nietzsche forma parte medular del pensamiento filosófico en la historia del ser humano, pone a reflexionar sobre los escurridizos pasajes que tiene la mente al elucubrar instantáneos momentos de la razón y, da vida y resultado a una banda que surgió en los albores de los años 1970 y cuyo álbum “Zarathustra” es considerado una obra maestra, un álbum de culto, no obstante en su momento, éste, tuvo escasa repercusión.





Respecto al origen del grupo y su nombre hay numerosas versiones, muchas de las cuales no pueden ser corroboradas, y contienen más fantasía que verdad, incluyendo los hipotéticos vínculos pronazis que ligarían al grupo con este tipo de movimientos, debido al título de su único disco.


Otras versiones ligan su nombre con una hipotética tradición de nombres compuestos de otros grupos italianos, tales como Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso, J.E.T., Reale Accademia di Musica, Raccomandata, Ricevuta Ritorno .La verdad es que las conjeturas sobre el origen del nombre del grupo y su cercanía con grupos de extrema derecha ligados al nazismo o a la igualmente ficticia figura de Benito Mussolini en el collage de la portada del disco son sólo fantasías carentes de bases reales.



La primera alineación del grupo abarca de los años 1971 a 1973 cuando graban el mencionado álbum. Oficialmente, “Zarathustra”, es su único trabajo discográfico, si bien con posterioridad y ya desaparecida la banda, aparecerían varios otros discos, algunos en vivo, con una calidad de sonido muy pobre y de interés sólo para fans del género o del grupo; tales grabaciones no aportarían ya ningún mérito al trabajo en estudio del grupo y su interés podría estar más bien del lado de la historia musical comparada del rock, si algún día aparece alguien dispuesto a crear tal disciplina, alejada del fetichismo del rock.



El grado de contemplación que se observa desde los albores de la infortunada complacencia de las imágenes que se muestran en el discurso del fatalismo y sobre todo del vitalismo de Nietzsche, dan la respuesta a la lírica poética y al misticismo con el que se conducen las interpretaciones magistralmente puestas en la musicalidad. Una obra maestra del rock progresivo italiano que marcó y sigue marcando la pauta para otras bandas que buscan la conceptualidad en todos los sentidos al emanar música de sus instrumentos.

El virtuosismo y la profundidad hacen gala en este disco: “Zarathustra” y se da cuenta del entorno filosófico en el cual se encuentran los músicos de la bella Italia y que Nietzsche los hace volar, absorber los sueños y materializarlos desde las alturas, corredores excitantes… Momentos de gloria que nacen desde Alemania y anidan en Italia, patria de la poderosa voz de Stefano Galifi quien con su tono desgarrador y áspero auxilia sólidamente los textos de esta maravilloso concepto. "Dreamer"

miércoles, 17 de marzo de 2010

En las Regresiones Progresivas…”Il Balleto de Bronzo”

La psicodelia hace gala en una de las bandas que a través de su fugaz paso por la escena del rock progresivo marcó una línea en el tiempo que sólo se aprecia desde la bella Italia. La locura es un descenso en el cerebro para embellecer el ambiente de delirio y magia en cada detalle que se presenta en el eclipsado momento musical. La Luna engalana los sinsabores del galimatías mantenido y recuerda que sólo la acides y las disonancias musicales envuelven al alma en la espiral cósmica. Es así, como las escenas ocultas en la mirada de los sueños, el retorno hacia la eternidad equivale a un respiro desde las alturas, tocado con un clavecín.

Y ya en los años 1966 a 1970, el grupo graba apenas dos discos sencillos y un larga duración, Sirio 2222, un álbum que mezcla los sonidos del blues, beat, pop, y la psicodelia y cuya canción título es una suerte de fantasía futurística, acompañada con canciones sin mayor complicación y a veces incluso un poco ingenuas. En 1972 grabarán ya bajo la batuta del teclista Gianni Leone, quien provenía del legendario grupo Città Frontale, el disco que los convertiría en una leyenda: Ys.

Por su sonido ácido y sin concesiones, lleno de disonancias y piezas musicalmente conceptuales y sinfónicas, el disco tendrá una no muy buena recepción de mercado y el grupo virtualmente desaparecerá, si bien alcanzarán a grabar otro sencillo en 1973, lo cual no bastará para sacarlos del anonimato, disolviéndose como agrupación en ese mismo año.




Tras la desaparición formal del grupo en 1972, no sería sino hasta finales del pasado siglo que Gianni Leone refundará el grupo para dar giras por el mundo y con sonado éxito, en Japón y en México, países donde el grupo es una auténtica leyenda y objeto de culto y reverencia, interpretando nuevamente su legendario disco de 1972 y agregando algunas nuevas composiciones muy en el estilo de su disco predecesor. A la fecha no tienen contemplado la grabación de un nuevo disco.

La transición de la psicodelia y el sonido ácido de Sirio 2222 al sonido abiertamente oscuro y de atmósferas enrarecidas de “Ys” no es algo tan extraño si se observan las trayectorias de otros grupos como Jumbo, que pasó del blues al rock progresivo o Le Orme, que iba del pop al rock progresivo.



El disco “Ys” se convirtió, desde el principio en una obra de difícil aceptación entre el público debido a sus progresiones melódicas que van del jazz al rock progresivo y al hard-rock, con una fuerte predominancia de teclados, la base sobre la cual se construye todo el disco. Como muchos discos conceptuales de la época, “Ys”, toma una imagen futurística de la humanidad a partir de un modelo antiguo, en este caso, de la mítica ciudad griega “Ys”, desaparecida tras un maremoto. El personaje del disco es un ficticio último hombre sobre la tierra que sufre una suerte de viaje místico en tres encuentros que narran el estado de desesperación del planeta frente al egoísmo y el pragmatismo humano.




Más allá del lugar común al que una y otra vez grupos de rock de todo linaje suelen usar al respecto, lo que hace memorable al disco, es el sonido abiertamente disonante y de oscuras atmósferas, escasamente melódico y de tensiones instrumentales entre el teclado, que fluye sobre el disco como un espectro.




Pese a algunas semejanzas con otros artistas que usaron principalmente teclados en sus trabajos, como el caso de Keith Emerson, por su atmósfera oscura y disonante, “Ys”, no se parece a prácticamente nada de lo que se hizo en aquel entonces, bien fuera en la Italia de los 70s, o en el rock progresivo continental europeo o inglés. El resultado fue uno de los discos más memorables del rock italiano de la época, una auténtica obra de culto que sólo tardíamente fue grabada, parcialmente, en inglés, sin el éxito del sonido original.




La historia de esta banda se remite al linaje de que contiene ese sonido que envuelve, domina e hipnotiza por sus destellos de la grandeza acumulada en un tiempo vivo y casi iluminado por las ilusiones del arte que se centran en la planicie del espejo que mira la vida y se refleja en las cálidas aguas del Mediterráneo. Es un canto al eterno retorno griego y las ficciones que permea la mente en el lado orquestal de la vida. Una Leyenda que marca la historia del sinfín de poesía y elucubraciones del paso del profundo mar en la vida del hombre, es vital para su existencia… "Dreamer"