Una temporada en el Infierno es inevitable para este sentimiento que se encarga de maniatar a los sentidos y deslumbrar a la mañana siguiente con un sonido que emana de la intensidad de un estruendoso réquiem que alcanza los niveles más espectaculares, una Luna y el ensueño de la felicidad se desgarran en la armonía de las elucubraciones alteradas por la estancia en el corazón. Sonríe y confecciona los estadíos desde la Italia, siempre tan enamorada por el arte en todo sus géneros, un camino y pasos desde los lúgubres pasadizos de la Toscana y gran paraíso de grandes obras literarias, así se percibe esta luminaria desde la Laguna de Orbetello…
Biglietto Per L´Inferno alcanzó su limitado éxito en 1970, dejando una gran herencia en 1974 con su disco epónimo y único. Es hoy considerado una piedra angular del género. Las entradas para los miembros Inferno eran de Lecco, Lombardía, procedentes de las bandas y los tiburones Mako Gee. El año 1972 marcó los primeros conciertos de la banda. En 1974 la banda lanzó su álbum homónimo, una mezcla de hard rock y sonidos progresivos. Los instrumentos más importantes en el registro fueron Giuseppe Cossa, Marco Mainetti guitarra y teclados. Claudio Canali, el cantante, también Jugado flauta. Canali escribió las letras de la canción "Confessione": Estamos a punto del asesinato: la desesperación, nombre de la banda, que significa Boleto para el Infierno. Las letras no tienen referencias al infierno o temas demoníacos, tratan temas sociales y psicológicos.
El segundo álbum de la época de la siembra "La Semilla de tiempo”, se registró en 1974-1975, la producción de Eugenio Finardi, pero no fue publicado hasta 1992. Biglietto Per L´Inferno se separó en 1975. Algunos miembros de su continuaron sus carreras en la industria musical: Joseph con la música electrónica, Banfi grabó cuatro álbumes en 1977-1988 bajo el nombre de “Bigote Banfi”, mientras que Fausto Branchini, emitió varios singles de música pop. Mauro Gnecchi, acumulados en una banda de jazz e historias; Anirudh de Red Carpa por Franco Mussida. Mainetti obtuvo un doctorado en física y Canales se retiró a vivir como un monje en un monasterio situado en las montañas, cerca de Lucca, Toscana.
En el año 2004 se lanzó una caja de 30 aniversario con versiones remasterizadas de los dos discos oficiales, un tercer CD con una grabación en vivo en 1974, Lugano, y DVD con material de varios. El nuevo proyecto está caracterizado por una música popular y por la textura "folk", sufijo que se ha agregado al final del nombre de la banda. Aunque como un elemento popular se oía en la encarnación “Más temprano”, el nuevo billete es una banda mucho más expandida con una gama de diferentes instrumentos acústicos, además de los obligatorios de flauta que siempre ha sido un elemento clave de las bandas de sonido, también tenemos acordeón, gaitas, ocarina, mandolina, violín, guitarra acústica, contrabajo, requinto, y grabadora.
La diferencia más sensible para los fans de la banda, sin duda, será la sustitución del vocalista Sally Hall. El resto de los nuevos miembros para llenar sus listas con un aplomo admirable con el guitarrista Frank Giaffreda jugando con un estilo de metal más moderno, Henry Fagnoni Jazzist, al bajo y contrabajo y tres músicos populares: Carlo Redi, Fumagalli Raineri y Renata Tommaselli. La Banda publicó en 2010 en el álbum Ragin gira y comienza a vivir.
Excelencia y misticismo en la esencia de los momentos que se disfrutan con el escuchar a una banda que sembró y acumuló el éxito fugaz con su paso por esta estancia que promueve los sentimientos más expresivos de la escena del rock progresivo. Se eleva como un clásico y uno de las bandas referentes para el progresivo italiano. Todo es un abismal entramado de pasión que incita a disfrutar desde el Cabo de Enfola…y reabrir el Universo con la musicalidad que subyace desde el corazón. "Dreamer"
miércoles, 16 de junio de 2010
martes, 8 de junio de 2010
*Tercera parte de “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”
Segundo acto: Scene Six: Home. Escuchamos a Julian Baynes hablar de su vida y cómo esta es tan solo una farsa. En último término, como ya habíamos intuido anteriormente, Victoria lo abandona por culpa de su adicción al alcohol y al juego. Después escuchamos a Edward Baynes comentar como Victoria lloraba sobre su hombro tras la ruptura con Julian. Se encuentra que está siendo atraído por ella, y aunque en primera instancia se siente culpable por traicionar a su hermano, su obsesión es mayor que su sentimiento de culpabilidad y seduce a Victoria en su estado vulnerable. La canción mantiene un atmósfera parecida a la de “Beyond this Life”, también es una de las canciones que extrañábamos de Dream Theater.
Por último escuchamos a Nick otra vez, en el tiempo actual y despierto. Hasta ahora solo sabe lo que el anciano le había contado y lo que fue capaz de leer en el periódico en su última sesión terapéutica. Sabe que tiene que haber más detrás de todo eso y está deseoso de empezar su próxima sesión de hipnotismo regresivo para poder volver atrás y resolver el misterio de una vez por todas.
Scene Seven: I. The Dance Of Eternity. La pista es instrumental y aunque muchos afirman que esta canción no aporta mucho a la historia, en realidad sí lo hace. El título de este tema proviene de la última frase de "Metropolis part 1: "The miracle & the sleeper" que dice "The love is the dance of eternity", y quiere representar el verdadero amor entre Victoria y Julian. Una de las mejores canciones instrumentales de Dream Theater y ciertamente la más compleja, donde Rudess se luce con su capacidad creativa en los teclados.
Scene Seven: II. One Last Time. Empieza con Nick dándole vueltas en su cabeza a todo lo relacionado con el asesinato de Victoria. No está convencido, con las pruebas conocidas, que lo que cuenta el periódico sea la verdad. También parece que se ha enterado de ciertos rumores, probablemente los rumores de su relación sentimental con Edward. Se pregunta a sí mismo si Victoria "hirió su alma" o si "se despidió de él". Entonces la escuchamos a ella, otra vez en el pasado, diciendo "Una última vez, nos acostaremos hoy". Esto es lo que Nick asocia a que Victoria le decía adiós a Ed, que esa sería su última cita. La canción es una balada.
Nick visita entonces la casa de Edward, donde él y Victoria desarrollaron su romance. Parece que la casa aporta muchas pistas nuevas y consigue confirmar muchos de los pensamientos internos de Nicholas. Aunque ahora está despierto, cuando entra en la habitación, experimenta una especie de revelación como si estuviese fuera de su cuerpo real. Siente frío como sentía en sus sueños y escucha de repente una voz de mujer gritando y un hombre pidiendo perdón, aunque no es capaz de comprender las palabras que pronuncia.
Scene Eight: The Spirit Carries On. Nick está otra vez bajo hipnosis, aunque esta vez es la última. Reitera su convencimiento de que su alma continuará existiendo más allá de su vida y, por esta razón, ya no teme a la muerte. Cree que Edward estuvo involucrado en el crimen y planea exponer la verdad que hay tras un crimen que sucedió hace más de 70 años. Victoria aparece, en el presente esta vez, y le dice a Nicholas que se vaya y no sufra más, que ya le ha revelado la verdad pero que aun así nunca debe olvidarla a ella. En este punto se alegra de la paz que siente ya que ha conseguido satisfacer tanto a Victoria como a su propia obsesión. Nicholas se da cuenta de que la razón de que todo esto sucediese, la moraleja de su historia, es que la muerte no es el fin, solo una transición, como el hipnotizador ya había comentado. La canción es una balada.
Scene Nine: Finally Free. Está última escena nos muestra información que Nick no puede asimilar, ya que el hipnotizador lo saca de su último trance y escuchamos como coge su coche y se va del lugar. Lo que aprendemos es que Victoria y Julian se encontraron por casualidad y decidieron reunirse más tarde en secreto para poder hablar. Ella está excitada por este hecho ya que Julian es aquel al que siempre ha amado, y por esta razón va a romper su relación con Edward: ya no está indecisa de a quien quiere realmente. Pero tiene miedo de que Julian vaya a matar a Edward si se entera de su relación con ella. La canción es una balada extensa.
Así que se reúnen sin que nadie lo sepa, o eso piensan, porque Edward aparece y empieza a forcejear con Julian. A éste se le cae una botella de licor de su chaqueta y saca un cuchillo, pero antes de que pueda usarlo Edward le dispara. Victoria grita y él le dice: "abre tus ojos, Victoria", tras lo cual también le dispara. Julian, todavía vivo aunque mortalmente herido, se arrastra y se pone sobre el cuerpo ya muerto de Victoria. Ed pone una nota en la chaqueta de Julian que le ayudará a interpretar su rol como falso testigo del asesinato.
Tras este interludio, volvemos al tiempo presente. Nick está conduciendo hacia su casa mientras piensa como está ahora libre de todo lo que le perseguía. También está contento de lo que aprendió de su vida, que se transferirá a través de su alma tras su muerte. Entra en su casa, enciende el televisor, donde están dando la noticia de la muerte accidental de John Fitzgerald Kennedy Jr. Apaga el televisor, enciende el fonógrafo, se sirve un whiskey y se sienta para relajarse. Se escucha a otro coche aparcando fuera y ruidos de pisadas seguidos por el sonido de una puerta cerca abriéndose. El hipnotizador entra en la sala y dice: "¡abre tus ojos, Nicholas!". El fonógrafo es golpeado tras el grito de sorpresa de Nicholas y solamente escuchamos ruido estático de fondo hasta que se acaba el disco. El hipnotizador, el alma reencarnada de Edward, ha matado a Nicholas. Aunque es solo coincidencia, “Metropolis Pt. 1", "The Miracle and the Sleeper” es la quinta canción del álbum “Images and Words” y “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”, es el quinto álbum en estudio de la banda.
Todo un portento de disco ya que contiene todos los elementos para ser un disco más que conceptual. Dream Theater lleva a cabo su magistral obra poniéndonos de pie para escuchar uno de los álbumes más creativos y difíciles en cuanto a le ejecución musical. Es estar más allá del bien y del mal conociendo el concepto de la armonía universal, equilibrio, sabiduría y conocimiento de las causas. No se deja nada a la imaginación, porque el sueño se materializa y realiza cambios que son una constante en todo aspecto del álbum, por demás sorprendente el nivel al que han llegado con esta maravilla que se ha convertido en un clásico del metal progresivo. Las formas y el fondo que se muestran tal como lo soñaron los integrantes, toda una gama de expresiones artísticas se mueven alrededor de los límites de este ensueño que pasa por los apropiados caminos para deleitarnos y sumergirnos en la atmósfera erotomaniaca del concepto. Regresar a casa y haber pululado por las estancias que muestra la mente desde los terrenos más que lúgubres… "Dreamer"
Por último escuchamos a Nick otra vez, en el tiempo actual y despierto. Hasta ahora solo sabe lo que el anciano le había contado y lo que fue capaz de leer en el periódico en su última sesión terapéutica. Sabe que tiene que haber más detrás de todo eso y está deseoso de empezar su próxima sesión de hipnotismo regresivo para poder volver atrás y resolver el misterio de una vez por todas.
Scene Seven: I. The Dance Of Eternity. La pista es instrumental y aunque muchos afirman que esta canción no aporta mucho a la historia, en realidad sí lo hace. El título de este tema proviene de la última frase de "Metropolis part 1: "The miracle & the sleeper" que dice "The love is the dance of eternity", y quiere representar el verdadero amor entre Victoria y Julian. Una de las mejores canciones instrumentales de Dream Theater y ciertamente la más compleja, donde Rudess se luce con su capacidad creativa en los teclados.
Scene Seven: II. One Last Time. Empieza con Nick dándole vueltas en su cabeza a todo lo relacionado con el asesinato de Victoria. No está convencido, con las pruebas conocidas, que lo que cuenta el periódico sea la verdad. También parece que se ha enterado de ciertos rumores, probablemente los rumores de su relación sentimental con Edward. Se pregunta a sí mismo si Victoria "hirió su alma" o si "se despidió de él". Entonces la escuchamos a ella, otra vez en el pasado, diciendo "Una última vez, nos acostaremos hoy". Esto es lo que Nick asocia a que Victoria le decía adiós a Ed, que esa sería su última cita. La canción es una balada.
Nick visita entonces la casa de Edward, donde él y Victoria desarrollaron su romance. Parece que la casa aporta muchas pistas nuevas y consigue confirmar muchos de los pensamientos internos de Nicholas. Aunque ahora está despierto, cuando entra en la habitación, experimenta una especie de revelación como si estuviese fuera de su cuerpo real. Siente frío como sentía en sus sueños y escucha de repente una voz de mujer gritando y un hombre pidiendo perdón, aunque no es capaz de comprender las palabras que pronuncia.
Scene Eight: The Spirit Carries On. Nick está otra vez bajo hipnosis, aunque esta vez es la última. Reitera su convencimiento de que su alma continuará existiendo más allá de su vida y, por esta razón, ya no teme a la muerte. Cree que Edward estuvo involucrado en el crimen y planea exponer la verdad que hay tras un crimen que sucedió hace más de 70 años. Victoria aparece, en el presente esta vez, y le dice a Nicholas que se vaya y no sufra más, que ya le ha revelado la verdad pero que aun así nunca debe olvidarla a ella. En este punto se alegra de la paz que siente ya que ha conseguido satisfacer tanto a Victoria como a su propia obsesión. Nicholas se da cuenta de que la razón de que todo esto sucediese, la moraleja de su historia, es que la muerte no es el fin, solo una transición, como el hipnotizador ya había comentado. La canción es una balada.
Scene Nine: Finally Free. Está última escena nos muestra información que Nick no puede asimilar, ya que el hipnotizador lo saca de su último trance y escuchamos como coge su coche y se va del lugar. Lo que aprendemos es que Victoria y Julian se encontraron por casualidad y decidieron reunirse más tarde en secreto para poder hablar. Ella está excitada por este hecho ya que Julian es aquel al que siempre ha amado, y por esta razón va a romper su relación con Edward: ya no está indecisa de a quien quiere realmente. Pero tiene miedo de que Julian vaya a matar a Edward si se entera de su relación con ella. La canción es una balada extensa.
Así que se reúnen sin que nadie lo sepa, o eso piensan, porque Edward aparece y empieza a forcejear con Julian. A éste se le cae una botella de licor de su chaqueta y saca un cuchillo, pero antes de que pueda usarlo Edward le dispara. Victoria grita y él le dice: "abre tus ojos, Victoria", tras lo cual también le dispara. Julian, todavía vivo aunque mortalmente herido, se arrastra y se pone sobre el cuerpo ya muerto de Victoria. Ed pone una nota en la chaqueta de Julian que le ayudará a interpretar su rol como falso testigo del asesinato.
Tras este interludio, volvemos al tiempo presente. Nick está conduciendo hacia su casa mientras piensa como está ahora libre de todo lo que le perseguía. También está contento de lo que aprendió de su vida, que se transferirá a través de su alma tras su muerte. Entra en su casa, enciende el televisor, donde están dando la noticia de la muerte accidental de John Fitzgerald Kennedy Jr. Apaga el televisor, enciende el fonógrafo, se sirve un whiskey y se sienta para relajarse. Se escucha a otro coche aparcando fuera y ruidos de pisadas seguidos por el sonido de una puerta cerca abriéndose. El hipnotizador entra en la sala y dice: "¡abre tus ojos, Nicholas!". El fonógrafo es golpeado tras el grito de sorpresa de Nicholas y solamente escuchamos ruido estático de fondo hasta que se acaba el disco. El hipnotizador, el alma reencarnada de Edward, ha matado a Nicholas. Aunque es solo coincidencia, “Metropolis Pt. 1", "The Miracle and the Sleeper” es la quinta canción del álbum “Images and Words” y “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”, es el quinto álbum en estudio de la banda.
Todo un portento de disco ya que contiene todos los elementos para ser un disco más que conceptual. Dream Theater lleva a cabo su magistral obra poniéndonos de pie para escuchar uno de los álbumes más creativos y difíciles en cuanto a le ejecución musical. Es estar más allá del bien y del mal conociendo el concepto de la armonía universal, equilibrio, sabiduría y conocimiento de las causas. No se deja nada a la imaginación, porque el sueño se materializa y realiza cambios que son una constante en todo aspecto del álbum, por demás sorprendente el nivel al que han llegado con esta maravilla que se ha convertido en un clásico del metal progresivo. Las formas y el fondo que se muestran tal como lo soñaron los integrantes, toda una gama de expresiones artísticas se mueven alrededor de los límites de este ensueño que pasa por los apropiados caminos para deleitarnos y sumergirnos en la atmósfera erotomaniaca del concepto. Regresar a casa y haber pululado por las estancias que muestra la mente desde los terrenos más que lúgubres… "Dreamer"
miércoles, 26 de mayo de 2010
*Segunda parte de “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”
La historia se divide en dos actos diferentes y se desarrolla con tan solo siete personajes: *Nicholas, *El Hipnotizador, *El Anciano, *El Viejo loco, *1928: *Victoria Page "Metropolis", *Julian Baynes, *"The Sleeper", *Sen. Edward Baynes, *”The Miracle"
Primer acto: Scene One: Regression: El álbum comienza con Nicholas relajándose con el sonido de un reloj de fondo y la voz del Hipnotizador que le ayuda a entrar en un estado hipnótico para llevar a cabo una terapia de regresión. La canción en si es una balada al estilo de Dream Theater.
Scene Two: I. Overture 1928. Aunque la canción es puramente instrumental, trata acerca de que Nicholas está en el estado hipnótico mientras contempla el confort y la paz surrealista que le envuelve. Mientras entra en trance empieza a fijarse en el objeto de su terapia de regresión: una chica llamada Victoria y una vida que le parece extrañamente familiar a la suya misma.
Scene Two: II. Strange Deja Vú. Ahora escuchamos un poco más sobre los sueños que llevaron a Nick a la terapia, mientras continua sumergiéndose más y más en la hipnosis. Conocemos como cada vez que cierra sus ojos se transporta a un sueño recurrente muy real que involucra otra vida, y que es precisamente ese sueño que se repite cada noche lo que le llevó a la terapia psiquiátrica. La canción, si bien no cae en la categoría de pesada, tampoco es una balada, es una canción al estilo de los clásicos como “Take The Time” o “Under A Glass Moon”.
El sueño, tal y como lo cuenta, se desarrolla de la siguiente manera. Hay una camino hacia una casa. Dentro de la casa hay unas escaleras que llevan a una habitación con un espejo donde puede ver a una joven. Todo eso le resulta extrañamente familiar a Nicholas, pero no debería porque no está relacionado para nada con su vida. Como ahora se encuentra dentro del trance hipnótico, todo parece más claro que en los sueños normales que tiene. Puede contemplar ahora la cara de la chica claramente y consigue preguntarle "por qué no me dices por qué estoy aquí?". Él siente que ella tiene algo que contarle, y que por eso lo conduce allí noche tras noche. Debe tratarse de alguna historia que todavía está por serle revelada, y esa historia es de algo terrible que le está "haciendo trizas el alma".
La chica se presenta como Victoria y le da la primera pista de porque lo está persiguiendo: está buscando una manera de contarle la verdad sobre el asesinato que la mató. También nos muestra la gran pena que posee porque ella no es "la que el Durmiente pensaba que era" y esto "le parte el corazón en dos", por eso se siente culpable y en búsqueda de libertad. Después de esta revelación, Nick se encuentra fuera de la terapia y de nuevo en la vida real. Aunque los pensamientos de esa otra vida lo persiguen en cada momento. Esto le lleva a desear desesperadamente ser capaz de revelar todo el misterio e incluso intenta buscar la manera de llegar a ese otro lado, donde piensa que ya vivió. Ya no le importa nada más que su nueva obsesión, necesita conocer toda la verdad para poder vivir en libertad, se da cuenta de que la llave de esa puerta está en sus sueños y no parará hasta abrirla.
Scene Three: I. Through My Words. Nick se da cuenta del enlace entre Victoria y él. Todo lo que ella sintió está almacenado en sí mismo, son dos mentes compartiendo una misma alma. La canción es una balada bastante corta.
Scene Three: II. Fatal Tragedy. Empieza con Nick solo por la noche. Sabe ahora quien es Victoria, pero no es conocedor de por qué se sentía así o de lo que pasó realmente con ella. Sale entonces de casa y se encuentra con un anciano que se encontraba solo y que Nicholas "sentía que podía confiar en él". Este anciano le cuenta que una chica fue asesinada allí, pero que la historia todavía sigue siendo un misterio aunque hace bastante desde que sucedieron los hechos. Cuando intentó conseguir más información, el anciano le respondió que ahora debía actuar solo y que la verdad se desarrollaría a lo largo de su futuro. La canción comienza con una atmósfera lenta, pero pronto se volverá una canción rápida, con los solos característicos de Petrucci y Rudess.
Tras la conversación se da cuenta definitivamente que hasta que no descubra la verdad de lo que le pasó a Victoria, no va a poder vivir su propia vida en paz. Está encerrado en esa obsesión y él mismo lo reconoce cuando dice "sin amor ni verdad no puede haber vuelta atrás", y también que "sin fe ni esperanza no puede haber paz mental". La canción finaliza con la voz del hipnotizador en una nueva sesión en la que le dice que es hora de ver cómo murió, que recuerde que la muerte no es el fin, es solo una transición.
Scene Four: Beyond This Life. La canción empieza con la lectura de la portada de un periódico de 1928. La historia es sobre una chica joven asesinada en la que el asesino se suicidó posteriormente. Al parecer existe un testigo, Edward Baynes, que escuchó un "sonido horripilante" y cuando llegó al lugar del que provenía dicho sonido se encontró a una mujer que había sido asesinada mediante un disparo y al asesino de pie delante de ella. El testigo intenta ayudar pero el asesino se suicidó, cayendo encima de la chica muerta. El periódico comenta que fue "un final triste para un amor roto". Considerada una de las mejores canciones de este álbum, Beyond this life es una canción a la vieja escuela de “Images And Words”, al estilo de “Metropolis” o “Take The Time”. La canción mantiene una atmósfera rápida, con los solos característicos y toda el arte que pone Dream Theater.
El diario explica que Victoria y Julian, el asesino, estaban actualmente separados debido a las adicciones de él y a su estilo de vida decadente, que incluía juegos de azar y adicción a las drogas. También se comenta que ella volvería con él si enderezase su vida. Después de eso vemos un recuento de las pruebas físicas en la escena del crimen. Se sospecha que hubo una pelea previa ya que apareció una navaja, cosa que choca bastante porque es extraño que una chica joven de 1928 lleve una navaja con ella, a no ser que presintiera que necesitaba defenderse. También se encontró, en el bolsillo del asesino, una nota que pone que Julian preferiría antes matarse que vivir sin Victoria. En medio de la canción se repite un par de veces varias líneas a través de la boca de Nicholas. En ellas continúa con la creencia de que él y Victoria comparte un mismo alma pero también afirma que no solo existe la reencarnación del alma, sino que también se trasladan los mismos rasgos de personalidad para toda la eternidad: "todo lo que aprendemos ahora, se lleve más allá de la vida" y "lo que hemos sido es lo que somos".
Scene Five: Through Her Eyes . Nick está despierto otra vez y es consciente de que Victoria fue brutalmente asesinada en 1928. Necesita visitar la sepultura de ella para poder expresar todo lo que siente por ella, por lo poco que pudo hacer aquella noche trágica y lo inocente que ella era. No solo eso, sino que ya que ha estado aprendiendo todo lo de su propia vida mirando a través de los ojos de ella, asume que lo que sucedió también le pasó a él y que toda esa injusticia debe ser justificada. La canción es una balada.
Al llegar a la tumba, la tristeza envuelve a Nicholas. Hasta el epitafio le recuerda que simplemente era una chica joven e inocente y que su vida le había sido arrebatada brutalmente. Compara la muerte de ella con la suya propia, dice que es como perder a alguien que amas. Deja que las imágenes de ella invadan su mente una última vez mientras la tristeza le acompaña por toda la injusticia cometida. Entonces acepta que el dolor que eso le estaba causando era necesario para aceptar su muerte en una vida anterior y comprender por fin porque esa vida le estaba persiguiendo. "Dreamer"
Primer acto: Scene One: Regression: El álbum comienza con Nicholas relajándose con el sonido de un reloj de fondo y la voz del Hipnotizador que le ayuda a entrar en un estado hipnótico para llevar a cabo una terapia de regresión. La canción en si es una balada al estilo de Dream Theater.
Scene Two: I. Overture 1928. Aunque la canción es puramente instrumental, trata acerca de que Nicholas está en el estado hipnótico mientras contempla el confort y la paz surrealista que le envuelve. Mientras entra en trance empieza a fijarse en el objeto de su terapia de regresión: una chica llamada Victoria y una vida que le parece extrañamente familiar a la suya misma.
Scene Two: II. Strange Deja Vú. Ahora escuchamos un poco más sobre los sueños que llevaron a Nick a la terapia, mientras continua sumergiéndose más y más en la hipnosis. Conocemos como cada vez que cierra sus ojos se transporta a un sueño recurrente muy real que involucra otra vida, y que es precisamente ese sueño que se repite cada noche lo que le llevó a la terapia psiquiátrica. La canción, si bien no cae en la categoría de pesada, tampoco es una balada, es una canción al estilo de los clásicos como “Take The Time” o “Under A Glass Moon”.
El sueño, tal y como lo cuenta, se desarrolla de la siguiente manera. Hay una camino hacia una casa. Dentro de la casa hay unas escaleras que llevan a una habitación con un espejo donde puede ver a una joven. Todo eso le resulta extrañamente familiar a Nicholas, pero no debería porque no está relacionado para nada con su vida. Como ahora se encuentra dentro del trance hipnótico, todo parece más claro que en los sueños normales que tiene. Puede contemplar ahora la cara de la chica claramente y consigue preguntarle "por qué no me dices por qué estoy aquí?". Él siente que ella tiene algo que contarle, y que por eso lo conduce allí noche tras noche. Debe tratarse de alguna historia que todavía está por serle revelada, y esa historia es de algo terrible que le está "haciendo trizas el alma".
La chica se presenta como Victoria y le da la primera pista de porque lo está persiguiendo: está buscando una manera de contarle la verdad sobre el asesinato que la mató. También nos muestra la gran pena que posee porque ella no es "la que el Durmiente pensaba que era" y esto "le parte el corazón en dos", por eso se siente culpable y en búsqueda de libertad. Después de esta revelación, Nick se encuentra fuera de la terapia y de nuevo en la vida real. Aunque los pensamientos de esa otra vida lo persiguen en cada momento. Esto le lleva a desear desesperadamente ser capaz de revelar todo el misterio e incluso intenta buscar la manera de llegar a ese otro lado, donde piensa que ya vivió. Ya no le importa nada más que su nueva obsesión, necesita conocer toda la verdad para poder vivir en libertad, se da cuenta de que la llave de esa puerta está en sus sueños y no parará hasta abrirla.
Scene Three: I. Through My Words. Nick se da cuenta del enlace entre Victoria y él. Todo lo que ella sintió está almacenado en sí mismo, son dos mentes compartiendo una misma alma. La canción es una balada bastante corta.
Scene Three: II. Fatal Tragedy. Empieza con Nick solo por la noche. Sabe ahora quien es Victoria, pero no es conocedor de por qué se sentía así o de lo que pasó realmente con ella. Sale entonces de casa y se encuentra con un anciano que se encontraba solo y que Nicholas "sentía que podía confiar en él". Este anciano le cuenta que una chica fue asesinada allí, pero que la historia todavía sigue siendo un misterio aunque hace bastante desde que sucedieron los hechos. Cuando intentó conseguir más información, el anciano le respondió que ahora debía actuar solo y que la verdad se desarrollaría a lo largo de su futuro. La canción comienza con una atmósfera lenta, pero pronto se volverá una canción rápida, con los solos característicos de Petrucci y Rudess.
Tras la conversación se da cuenta definitivamente que hasta que no descubra la verdad de lo que le pasó a Victoria, no va a poder vivir su propia vida en paz. Está encerrado en esa obsesión y él mismo lo reconoce cuando dice "sin amor ni verdad no puede haber vuelta atrás", y también que "sin fe ni esperanza no puede haber paz mental". La canción finaliza con la voz del hipnotizador en una nueva sesión en la que le dice que es hora de ver cómo murió, que recuerde que la muerte no es el fin, es solo una transición.
Scene Four: Beyond This Life. La canción empieza con la lectura de la portada de un periódico de 1928. La historia es sobre una chica joven asesinada en la que el asesino se suicidó posteriormente. Al parecer existe un testigo, Edward Baynes, que escuchó un "sonido horripilante" y cuando llegó al lugar del que provenía dicho sonido se encontró a una mujer que había sido asesinada mediante un disparo y al asesino de pie delante de ella. El testigo intenta ayudar pero el asesino se suicidó, cayendo encima de la chica muerta. El periódico comenta que fue "un final triste para un amor roto". Considerada una de las mejores canciones de este álbum, Beyond this life es una canción a la vieja escuela de “Images And Words”, al estilo de “Metropolis” o “Take The Time”. La canción mantiene una atmósfera rápida, con los solos característicos y toda el arte que pone Dream Theater.
El diario explica que Victoria y Julian, el asesino, estaban actualmente separados debido a las adicciones de él y a su estilo de vida decadente, que incluía juegos de azar y adicción a las drogas. También se comenta que ella volvería con él si enderezase su vida. Después de eso vemos un recuento de las pruebas físicas en la escena del crimen. Se sospecha que hubo una pelea previa ya que apareció una navaja, cosa que choca bastante porque es extraño que una chica joven de 1928 lleve una navaja con ella, a no ser que presintiera que necesitaba defenderse. También se encontró, en el bolsillo del asesino, una nota que pone que Julian preferiría antes matarse que vivir sin Victoria. En medio de la canción se repite un par de veces varias líneas a través de la boca de Nicholas. En ellas continúa con la creencia de que él y Victoria comparte un mismo alma pero también afirma que no solo existe la reencarnación del alma, sino que también se trasladan los mismos rasgos de personalidad para toda la eternidad: "todo lo que aprendemos ahora, se lleve más allá de la vida" y "lo que hemos sido es lo que somos".
Scene Five: Through Her Eyes . Nick está despierto otra vez y es consciente de que Victoria fue brutalmente asesinada en 1928. Necesita visitar la sepultura de ella para poder expresar todo lo que siente por ella, por lo poco que pudo hacer aquella noche trágica y lo inocente que ella era. No solo eso, sino que ya que ha estado aprendiendo todo lo de su propia vida mirando a través de los ojos de ella, asume que lo que sucedió también le pasó a él y que toda esa injusticia debe ser justificada. La canción es una balada.
Al llegar a la tumba, la tristeza envuelve a Nicholas. Hasta el epitafio le recuerda que simplemente era una chica joven e inocente y que su vida le había sido arrebatada brutalmente. Compara la muerte de ella con la suya propia, dice que es como perder a alguien que amas. Deja que las imágenes de ella invadan su mente una última vez mientras la tristeza le acompaña por toda la injusticia cometida. Entonces acepta que el dolor que eso le estaba causando era necesario para aceptar su muerte en una vida anterior y comprender por fin porque esa vida le estaba persiguiendo. "Dreamer"
jueves, 20 de mayo de 2010
En el Teatro de los Sueños: “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”
Sin duda, el disco más conceptual que Dream Theater ha tenido hasta este momento. En este material son dueños de los sueños, de la virtuosa ejecución, de las letras, de la introspección que experimentan sus personajes dentro y fuera de la realidad. Claro que sí, una de las obras maestras de la banda y me permito presentarles en tres partes lo que será este, un gran viaje por las quiméricas fantasías de la música.
Este álbum fue grabado de febrero a junio y lanzado en 1999 en los estudios BearTracks de Nueva York “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory” que fue considerado por la crítica especializada como "una de las obras maestras del rock progresivo" y que según Mike Portnoy, es el trabajo del que está más orgulloso. Es un disco conceptual que narra la historia de Nicholas, un joven que se siente identificado con una joven que murió en 1928.
Los conciertos, que eran mucho más grandes que cualquier cosa que la banda había intentado antes, reflejaban el aspecto teatral del álbum. Interpretaron “Scenes From a Memory” de principio a fin con una pantalla de vídeo que la pared de fondo del escenario mostrando un acompañante narrativo de la historia del álbum. A parte de interpretar el álbum entero, la banda también interpretó un segundo set con otros temas Dream Theater, y algunas nuevas interpretaciones de material más viejo.
La banda atrajo la atención de los medios con su álbum en vivo “Live Scenes From New York” con tres cidis. Anteriormente habían utilizado en la carátula de “Live at the Marquee”, un corazón en llamas para hacer referencia al lugar del concierto. La carátula original utilizaba una manzana con el paisaje neoyorquino incluido el World Trade Center en llamas. El álbum fue lanzado el 11 de septiembre de 2001, una coincidencia con los ataques terroristas ocurridos ese día. Las copias que habían salido al mercado tuvieron que ser recogidas para cambiar el diseño, así que la carátula original se volvió un artículo de coleccionistas. El disco “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory” fue lanzado en 1999 y es el quinto álbum en estudio de la banda, en él debuta Jordan Rudess como nuevo tecladista después de haber grabado “Liquid Tension Experiment" 1 y 2”.
Scenes From a Memory es un álbum conceptual que narra una única historia, acerca de un joven que descubre su pasado, el cual está relacionado con el amor, asesinato e infidelidad de Victoria Page. Como el nombre puede sugerir, “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”, es una secuela que sigue la historia de “Metropolis Pt. 1: The Miracle And The Sleeper”, una canción del segundo álbum “Images and Words". Aun así, cuando llamaron “Metropolis Pt. 1” a la canción original no tenían en mente hacer una historia épica dividida en dos partes, pretendía ser simplemente una broma. Solamente tras continuas súplicas y peticiones de los aficionados, empezaron a trabajar en la segunda parte.
Inicialmente comenzaron a desarrollar esa segunda parte para incluirla en una sola canción, en lugar de como un álbum completo. Fue durante las sesiones de grabación del cuarto disco del grupo, “Falling Into Infinity”, en 1996-1997, cuando empezó a tomar forma. La canción no fue definitivamente incluida porque la compañía discográfica para la que trabajaban no quería publicar un álbum doble que sería necesario ya que no habría espacio suficiente.
En la gira que acompañó a la publicación del disco, Dream Theater tocaba todo el disco en directo. En el último concierto de la parte norteamericana, se grabó un DVD titulado “Metropolis 2000: Scenes from New York”. En él se puede ver la representación gráfica de toda la historia que describe el disco como si fuesen fragmentos de una película que se entremezclan con las escenas del directo. Además en ese DVD podemos ver a los miembros de la banda comentar la historia de “Scenes From a Memory”.
Listado de canciones: “Scene One: Regression, Scene Two: Overture 1928, Strange Deja Vu, Scene Three: Through My Words, Fatal Tragedy, Scene Four: Beyond This Life, Scene Five: Through Her Eyes, Scene Six: Home, Scene Seven: The Dance of Eternity, One Last Time, Scene Eight: The Spirit Carries On, Scene Nine: Finally Free”. "Dreamer"
Este álbum fue grabado de febrero a junio y lanzado en 1999 en los estudios BearTracks de Nueva York “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory” que fue considerado por la crítica especializada como "una de las obras maestras del rock progresivo" y que según Mike Portnoy, es el trabajo del que está más orgulloso. Es un disco conceptual que narra la historia de Nicholas, un joven que se siente identificado con una joven que murió en 1928.
Los conciertos, que eran mucho más grandes que cualquier cosa que la banda había intentado antes, reflejaban el aspecto teatral del álbum. Interpretaron “Scenes From a Memory” de principio a fin con una pantalla de vídeo que la pared de fondo del escenario mostrando un acompañante narrativo de la historia del álbum. A parte de interpretar el álbum entero, la banda también interpretó un segundo set con otros temas Dream Theater, y algunas nuevas interpretaciones de material más viejo.
La banda atrajo la atención de los medios con su álbum en vivo “Live Scenes From New York” con tres cidis. Anteriormente habían utilizado en la carátula de “Live at the Marquee”, un corazón en llamas para hacer referencia al lugar del concierto. La carátula original utilizaba una manzana con el paisaje neoyorquino incluido el World Trade Center en llamas. El álbum fue lanzado el 11 de septiembre de 2001, una coincidencia con los ataques terroristas ocurridos ese día. Las copias que habían salido al mercado tuvieron que ser recogidas para cambiar el diseño, así que la carátula original se volvió un artículo de coleccionistas. El disco “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory” fue lanzado en 1999 y es el quinto álbum en estudio de la banda, en él debuta Jordan Rudess como nuevo tecladista después de haber grabado “Liquid Tension Experiment" 1 y 2”.
Scenes From a Memory es un álbum conceptual que narra una única historia, acerca de un joven que descubre su pasado, el cual está relacionado con el amor, asesinato e infidelidad de Victoria Page. Como el nombre puede sugerir, “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”, es una secuela que sigue la historia de “Metropolis Pt. 1: The Miracle And The Sleeper”, una canción del segundo álbum “Images and Words". Aun así, cuando llamaron “Metropolis Pt. 1” a la canción original no tenían en mente hacer una historia épica dividida en dos partes, pretendía ser simplemente una broma. Solamente tras continuas súplicas y peticiones de los aficionados, empezaron a trabajar en la segunda parte.
Inicialmente comenzaron a desarrollar esa segunda parte para incluirla en una sola canción, en lugar de como un álbum completo. Fue durante las sesiones de grabación del cuarto disco del grupo, “Falling Into Infinity”, en 1996-1997, cuando empezó a tomar forma. La canción no fue definitivamente incluida porque la compañía discográfica para la que trabajaban no quería publicar un álbum doble que sería necesario ya que no habría espacio suficiente.
En la gira que acompañó a la publicación del disco, Dream Theater tocaba todo el disco en directo. En el último concierto de la parte norteamericana, se grabó un DVD titulado “Metropolis 2000: Scenes from New York”. En él se puede ver la representación gráfica de toda la historia que describe el disco como si fuesen fragmentos de una película que se entremezclan con las escenas del directo. Además en ese DVD podemos ver a los miembros de la banda comentar la historia de “Scenes From a Memory”.
Listado de canciones: “Scene One: Regression, Scene Two: Overture 1928, Strange Deja Vu, Scene Three: Through My Words, Fatal Tragedy, Scene Four: Beyond This Life, Scene Five: Through Her Eyes, Scene Six: Home, Scene Seven: The Dance of Eternity, One Last Time, Scene Eight: The Spirit Carries On, Scene Nine: Finally Free”. "Dreamer"
jueves, 13 de mayo de 2010
En las Regresiones Progresivas… “Corte dei Miracoli”
Partiendo de una obra literaria que refleja los más desdichados elementos humanos en dos personajes que se manifiestan como protagonistas marginados y sobrevolando los aires del Romanticismo francés; pasando por los castillos y monasterios medievales. Nace desde los encantos de la bella Italia y precisamente, de la Corte de los Milagros, una sensación de progresión en las ideas musicales que reafirma la estética y el poder por los elementos unificados de los sonidos característicos del progresivo latino.
Es una banda de rock progresivo italiano formada en 1974 y que tuvo un fugaz paso por la línea del tiempo, dejó su estela musical provocando gratas emociones en los sueños de los aficionados a este grupo. Está conformado por Alessio Feltri (teclados), Riccardo Zegna (teclados), Graziano Zippo (voz), Flavio Scogna (batería y percusiones), y Gabliele Siri (bajo), realizaron un solo disco: "Corte dei Miracoli", álbum clásico del progresivo en todo el mundo y para grabarlo invitaron a Vittorio de Scalzi para participar en la guitarra.
La música de “Corte dei Miracoli”, es característica del progresivo italiano. Tiene la magnificencia del romanticismo mediterráneo y la exactitud interpretativa de los mejores grupos. La escasa visión analítica de algunos críticos reconocidos, CDM debe considerarse no sólo como uno de los mejores grupos del progresivo italiano, sino como uno de los mejores representantes de este movimiento a nivel mundial.
Esto se puede asociar con el gran legado que deja esta banda para el futuro en el que se perfilan bandas que muestran la gran influencia que ha dejado hacia la posteridad y retomar un concepto único. Después de su desaparición de la escena del rock, aún se recuerda esta obra de arte que enmarca toda la universalidad de todo el entramado deseo de viajar hacia la Eternidad.
Esto se puede asociar con el gran legado que deja esta banda para el futuro en el que se perfilan bandas que muestran la gran influencia que ha dejado hacia la posteridad y retomar un concepto único. Después de su desaparición de la escena del rock, aún se recuerda esta obra de arte que enmarca toda la universalidad de todo el entramado deseo de viajar hacia la Eternidad.
Todo un cúmulo de emociones que se reflejan desde el espejo cósmico y se manifiesta en el esplendor del tiempo para reforzar al tiempo y darle un matiz de consentimiento hacia la estética de los destellos que emanan de las alucinantes atmósferas y la espectral voz de Graziano Zippo. Por demás absorbente y exquisitamente cautivadora… "Dreamer"
Es una banda de rock progresivo italiano formada en 1974 y que tuvo un fugaz paso por la línea del tiempo, dejó su estela musical provocando gratas emociones en los sueños de los aficionados a este grupo. Está conformado por Alessio Feltri (teclados), Riccardo Zegna (teclados), Graziano Zippo (voz), Flavio Scogna (batería y percusiones), y Gabliele Siri (bajo), realizaron un solo disco: "Corte dei Miracoli", álbum clásico del progresivo en todo el mundo y para grabarlo invitaron a Vittorio de Scalzi para participar en la guitarra.
La música de “Corte dei Miracoli”, es característica del progresivo italiano. Tiene la magnificencia del romanticismo mediterráneo y la exactitud interpretativa de los mejores grupos. La escasa visión analítica de algunos críticos reconocidos, CDM debe considerarse no sólo como uno de los mejores grupos del progresivo italiano, sino como uno de los mejores representantes de este movimiento a nivel mundial.
Esto se puede asociar con el gran legado que deja esta banda para el futuro en el que se perfilan bandas que muestran la gran influencia que ha dejado hacia la posteridad y retomar un concepto único. Después de su desaparición de la escena del rock, aún se recuerda esta obra de arte que enmarca toda la universalidad de todo el entramado deseo de viajar hacia la Eternidad.
Esto se puede asociar con el gran legado que deja esta banda para el futuro en el que se perfilan bandas que muestran la gran influencia que ha dejado hacia la posteridad y retomar un concepto único. Después de su desaparición de la escena del rock, aún se recuerda esta obra de arte que enmarca toda la universalidad de todo el entramado deseo de viajar hacia la Eternidad.
Todo un cúmulo de emociones que se reflejan desde el espejo cósmico y se manifiesta en el esplendor del tiempo para reforzar al tiempo y darle un matiz de consentimiento hacia la estética de los destellos que emanan de las alucinantes atmósferas y la espectral voz de Graziano Zippo. Por demás absorbente y exquisitamente cautivadora… "Dreamer"
miércoles, 5 de mayo de 2010
En las Regresiones Progresivas… “Campo Di Marte”
Desde las atmósferas más envolventes, se enmarca un sonido único en la imagen progresiva del Campo Di Marte. Ensueños que replantean una reflexión sobre las reminiscencias de la guerra. La musicalidad de ésta banda desciende de la espectacular Florencia. Matiza los ordenamientos de su esencia con guitarras en ocasiones poderosas y la flauta hace de éste, un espectáculo más que rimbombante y lleno de sensibilidad absorbente. Realmente una obra de arte que nos muestra su portento al materializar las abstracciones en instantes que se remiten a la compleja armonía musical.
En un grupo de rock progresivo italiano que pusieron en el mundo un sólo disco y desaparecieron dejando una de las mejores producciones, pero eso va a cambiar, pues 30 años después de haber grabado el álbum y por iniciativa de su líder, esta banda se reúne para hacer gira de conciertos y dejar el testimonio en una nueva producción.
Como muchos otros, este grupo de Florencia nace a principios de los '70, participaron en numerosos festivales, pero siempre aparecieron como en un segundo plano con respecto a los demás.
En el año de 1973 grabaron su primera producción, testimonio que quedó en solitario durante un período de 30 años, considerado bueno, pero criticado de una fuerte influencia musical extranjera, además de tener una factura discreta en su producción.
El tiempo apresura las estancias que se elucubran desde la más inimaginables relieves que se muestran a través de la intempestiva soledad de los momentos, un desvarío requiere y retoma las mejores desconexiones que la música en comparación realza desde las más extasiantes alturas, es la envolvente sonoridad que lamenta no redimirse a los caprichos de los genios que por causa y efecto mantienen los ecos desde el confín del Universo. Grandes obras maestras que se calculan desde el interior y se enfrentan a la exquisita y maniatante realidad. "Dreamer"
En un grupo de rock progresivo italiano que pusieron en el mundo un sólo disco y desaparecieron dejando una de las mejores producciones, pero eso va a cambiar, pues 30 años después de haber grabado el álbum y por iniciativa de su líder, esta banda se reúne para hacer gira de conciertos y dejar el testimonio en una nueva producción.
Como muchos otros, este grupo de Florencia nace a principios de los '70, participaron en numerosos festivales, pero siempre aparecieron como en un segundo plano con respecto a los demás.
En el año de 1973 grabaron su primera producción, testimonio que quedó en solitario durante un período de 30 años, considerado bueno, pero criticado de una fuerte influencia musical extranjera, además de tener una factura discreta en su producción.
El tiempo apresura las estancias que se elucubran desde la más inimaginables relieves que se muestran a través de la intempestiva soledad de los momentos, un desvarío requiere y retoma las mejores desconexiones que la música en comparación realza desde las más extasiantes alturas, es la envolvente sonoridad que lamenta no redimirse a los caprichos de los genios que por causa y efecto mantienen los ecos desde el confín del Universo. Grandes obras maestras que se calculan desde el interior y se enfrentan a la exquisita y maniatante realidad. "Dreamer"
lunes, 26 de abril de 2010
En las Regresiones Progresivas… “Locanda delle Fate”
Sin alguna extravaganza y el matiz que debe de imprimírsele a una gran obra cuando está por salir de las ideas, el medio es el indicado para demostrar al sentimiento que se apodera desde una reminiscencia hasta los más delicados detalles musicales de la bella Italia; la existencia y el soliloquio del orgullo muestran el canto de la poesía en su más profundo ensueño. Esa poderosa voz de Leonardo Sasso y la clásica forma de los músicos renueva el concepto de una estadía y paso por la tierra de la cual el arte renació desde todas sus perspectivas.
Se formó los años 1970. Esta banda sacó un solo disco en la época dorada del progresivo, llamado Forse le lucciole non si amano più en 1977. La banda se disolvió poco tiempo después para volver a reunirse a finales de los años 1990.
Locanda delle Fate fue formado por un trío que tocaba en bares de Italia a principios de los 70, los miembros en ese entonces eran Oscar Mazzoglio (teclados), Luciano Boero (bajo) y Giorgio Gardino (batería), En 1974 se unen a ellos Alberto Gaviglio (guitarra), Ezio Vevey (voz, guitarra) Leonardo Sasso (voz) y Michele Conta (piano), formando una de las bandas más impresionantes de la muy rica escena progresiva italiana.
En 1977 sacan su obra maestra Forse le lucciole non si amano più que fue espectacularmente recibido tanto por el público como la crítica, de esa manera lograron hacerse un nombre en Europa y Estados Unidos.
El éxito de este disco y el muy rico material les permitió basar en él los conciertos que tuvieron durante los próximos 4 años, pero después de este tiempo se separaron, durante su separación se lanza en 1993 un disco en vivo de la banda titulado “Live”, grabado en un concierto en 1977. Por este tiempo empiezan a considerar volverse a juntar, cosa que hacen en 1996 para sacar a la luz un nuevo disco llamado “Homo Homini Lupus” en 1999. Actualmente el grupo está tratando de volver a la formación original para sumergirse en nuevos proyectos.
Una conformación espectacular la que guía a la banda en sus multiformes conceptos, es como un respiro que trasciende desde las alturas más espectaculares del insomnio que causa la oquedad de los ideas conceptuales, un sentir, pensar, reflexionar del camino de la vida hacia la eternidad; mantiene el sistema equilibrado en su fascinante contribución a la armonía con las almas dispuestas a realizar y materializar los infinitos ensueños. Un ensueño que desde la bella Italia se dosifica en puntos muy suaves para aterrizar en la hermosa planicie de los sentimientos compenetrados…más que las imágenes que desnudan a la poesía.
Se formó los años 1970. Esta banda sacó un solo disco en la época dorada del progresivo, llamado Forse le lucciole non si amano più en 1977. La banda se disolvió poco tiempo después para volver a reunirse a finales de los años 1990.
Locanda delle Fate fue formado por un trío que tocaba en bares de Italia a principios de los 70, los miembros en ese entonces eran Oscar Mazzoglio (teclados), Luciano Boero (bajo) y Giorgio Gardino (batería), En 1974 se unen a ellos Alberto Gaviglio (guitarra), Ezio Vevey (voz, guitarra) Leonardo Sasso (voz) y Michele Conta (piano), formando una de las bandas más impresionantes de la muy rica escena progresiva italiana.
En 1977 sacan su obra maestra Forse le lucciole non si amano più que fue espectacularmente recibido tanto por el público como la crítica, de esa manera lograron hacerse un nombre en Europa y Estados Unidos.
El éxito de este disco y el muy rico material les permitió basar en él los conciertos que tuvieron durante los próximos 4 años, pero después de este tiempo se separaron, durante su separación se lanza en 1993 un disco en vivo de la banda titulado “Live”, grabado en un concierto en 1977. Por este tiempo empiezan a considerar volverse a juntar, cosa que hacen en 1996 para sacar a la luz un nuevo disco llamado “Homo Homini Lupus” en 1999. Actualmente el grupo está tratando de volver a la formación original para sumergirse en nuevos proyectos.
Una conformación espectacular la que guía a la banda en sus multiformes conceptos, es como un respiro que trasciende desde las alturas más espectaculares del insomnio que causa la oquedad de los ideas conceptuales, un sentir, pensar, reflexionar del camino de la vida hacia la eternidad; mantiene el sistema equilibrado en su fascinante contribución a la armonía con las almas dispuestas a realizar y materializar los infinitos ensueños. Un ensueño que desde la bella Italia se dosifica en puntos muy suaves para aterrizar en la hermosa planicie de los sentimientos compenetrados…más que las imágenes que desnudan a la poesía.
miércoles, 14 de abril de 2010
En las Regresiones Progresivas… “Il Rovescio della Medaglia”
Evocación de la larga lista de pendientes que se transforman en la alegría que marca un concepto diferente en el más estricto sentido musical, la entereza de proponer un rock más duro sin perder la cadencia del rock progresivo y sus líneas siempre insatisfechas por el tiempo. Se muestra desde Italia otra banda que emerge desde Roma para puntualizar que el camino de la virtud siempre espera a que alguien sobresalga de la atmósfera más que rocanrolera. Son sentimientos que se encuentran desde el bastión de la cordura que ilumina el cielo con una capa estelar que disuelve todos los sentimientos y los compenetra en sentidos etéreos terrenales.
El camino y pensamiento crítico hacen de la gloria un mundo aparte, realizan la conversión de un reverso que no es inverso, sino contrapuesto por el sonido que se despliega de Roma y es la unión que se da 1970. La asociación de tres ex miembros de las lombrices de tierra con el cantante Gianni Mereu, reemplazado por Sandro Falbo y, finalmente, con el Pino Ballarini Pescara.
En 1971, el grupo participó en el 1er Festival de música de vanguardia y nuevas tendencias en Viareggio, ganando un contrato con la RCA italiana de ese mismo año, produjo el álbum debut de la Biblia. Este álbum contiene algunas ideas muy interesantes y referencias a músicos de renombre internacional como Deep Purple, por ejemplo, la huella de Sodoma y Gomorra es un ejemplo de hard rock producido en Italia en los años 70.
En 1973 la banda lanzó el álbum de la contaminación, cuya música ha sido escrita con el compositor argentino Luis Enríquez Bacalov. Este es un álbum conceptual centrado en una figura hipotética del hijo 21 de Johann Sebastian Bach, considerada una obra maestra del rock progresivo italiano e hizo famosa también de la próxima versión de inglés.
Además del considerable número de discos vendidos, la popularidad de la "marcha atrás", fue determinado principalmente por el gran éxito de público de sus conciertos, atraídos por los temas de carácter excepcional y la instrumentación dall'avveniristica equipos electrónicos. La banda, de hecho, podría contar con un sistema de vatios más de 6.000 entradas, un poder que, en ese momento, ningún grupo podía haber italiano.
En diciembre de 1973, el camión con la planta enorme y costosa, y todo el equipo, estacionado en Roma, en Via Trionfale fue robado, obligando a la "boca abajo" para cancelar los conciertos programados.
Un submundo de piezas propias para que el suelo se realice en las alturas y se matice con fragmentos de la vida, que suele en ocasiones dar aptitudes y muestras de poder en todos sus sentidos. Un estado de catatonia que sobrevuela los abismos de la existencia y recompone los cimientos del presente y un futuro que se muestra incierto por las obras maestras que están por reorganizarse y ser compuestas. Concepto de una de las mejores bandas de la bella Italia recomponen el escenario y desbocan su maestría en cada ensueño que se proyecta al salir el sol de cada día… "Dreamer"
El camino y pensamiento crítico hacen de la gloria un mundo aparte, realizan la conversión de un reverso que no es inverso, sino contrapuesto por el sonido que se despliega de Roma y es la unión que se da 1970. La asociación de tres ex miembros de las lombrices de tierra con el cantante Gianni Mereu, reemplazado por Sandro Falbo y, finalmente, con el Pino Ballarini Pescara.
En 1971, el grupo participó en el 1er Festival de música de vanguardia y nuevas tendencias en Viareggio, ganando un contrato con la RCA italiana de ese mismo año, produjo el álbum debut de la Biblia. Este álbum contiene algunas ideas muy interesantes y referencias a músicos de renombre internacional como Deep Purple, por ejemplo, la huella de Sodoma y Gomorra es un ejemplo de hard rock producido en Italia en los años 70.
En 1973 la banda lanzó el álbum de la contaminación, cuya música ha sido escrita con el compositor argentino Luis Enríquez Bacalov. Este es un álbum conceptual centrado en una figura hipotética del hijo 21 de Johann Sebastian Bach, considerada una obra maestra del rock progresivo italiano e hizo famosa también de la próxima versión de inglés.
Además del considerable número de discos vendidos, la popularidad de la "marcha atrás", fue determinado principalmente por el gran éxito de público de sus conciertos, atraídos por los temas de carácter excepcional y la instrumentación dall'avveniristica equipos electrónicos. La banda, de hecho, podría contar con un sistema de vatios más de 6.000 entradas, un poder que, en ese momento, ningún grupo podía haber italiano.
En diciembre de 1973, el camión con la planta enorme y costosa, y todo el equipo, estacionado en Roma, en Via Trionfale fue robado, obligando a la "boca abajo" para cancelar los conciertos programados.
Un submundo de piezas propias para que el suelo se realice en las alturas y se matice con fragmentos de la vida, que suele en ocasiones dar aptitudes y muestras de poder en todos sus sentidos. Un estado de catatonia que sobrevuela los abismos de la existencia y recompone los cimientos del presente y un futuro que se muestra incierto por las obras maestras que están por reorganizarse y ser compuestas. Concepto de una de las mejores bandas de la bella Italia recomponen el escenario y desbocan su maestría en cada ensueño que se proyecta al salir el sol de cada día… "Dreamer"
lunes, 5 de abril de 2010
En el Teatro de los Sueños... “Porcupine Tree”
Haciendo un acto con su presencia más que inaudita, Steven Wilson, multiinstrumentista de la banda que forma un concepto diferente al del propio rock progresivo, se compromete y realiza producciones más que complejas para darle el matiz perfecto a lo que ha llamado música simple. Trastorna la escena del rock con las multifacéticas personalidades que muestra en cada disco. Un hombre por demás creativo en toda la extensión de la palabra, marca y personifica la realidad de las quimeras que trae arrastrando detrás de la cabeza.
Una banda que hizo un profundo eco en mi ser colocando la armonía en un lugar aparte, la trascendencia de una vida llevadera y comprometida con la salud, siempre enmarca una referencia para la mente que siempre vivió con una disfunción y el terror de la insanidad... un concepto que en la enfermedad crónica se hizo latente y aterrizo en la oscuridad de la muerte, del otro lado y regresar a la luz con estos ojos negros... letargo de la inocencia y retrospección de la creación que dura solo instantes, un tiempo, relativo, dolor constante que anida en la profundidad de los actos de insolencia y la caída anuncia un soplo en la profunda agonía...
Porcupine Tree se formó en 1987 Hemel Hempstead, Inglaterra. Esta banda es el proyecto más exitoso del músico Steven Wilson. Con una mezcla de rock psicodélico, rock progresivo, música ambiental y más recientemente, heavy metal, han desarrollado piezas musicales que se caracterizan por su diversidad y la calidad distintiva del sonido en sus grabaciones. "Linton Samuel Dawson" fue el tema elegido para representar a Porcupine Tree en el recopilatorio de rock psicodélico que salió al mercado bajo el título de A Psychedelic Psauna. Poco después, el recién fundado sello Delerium Records le ofreció un contrato a la banda, según el cual se re-editarían los anteriores trabajos de la banda. Delerium ofreció a la formación la edición de un álbum doble que contuviese las casetes anteriores del grupo, pero Wilson prefirió incluir lo mejor de cada trabajo en un sólo disco, que salió a la luz bajo el nombre de On the Sunday of Life... en 1992.
"Voyage 34" era una canción grabada para el siguiente álbum de la banda, que saldría al mercado como Up the Downstair. En un principio se pensó editar como un disco doble, pero la decisión de no incluir la canción en el disco hizo que tuviese que ser reducido a un único disco. Up the Downstair fue catalogado como uno de los mejores discos de 1993 gracias a la continuación del estilo de la banda que incluía fusiones de música rock y dance. Richard Barbieri y Colin Edwin, futuros miembros de la banda hicieron apariciones en el trabajo como músicos invitados.
El siguiente disco de la banda se hizo esperar hasta comienzos de 1995, y fue precedido del single "Stars Die/Moonloop". The Sky Moves Sideways, tercer trabajo de la banda, se convirtió en un gran éxito entre los fans progresivos y Porcupine Tree se erigió como el sucesor de Pink Floyd en los 90. Después de la edición del primer single "real" de Porcupine Tree, "Waiting" que entró en la lista de éxitos británica, Signify llegó en septiembre de 1996. Muchas canciones muestran influencias del avant-garde, incluyendo temas instrumentales y canciones pegadizas y oscuras. La prensa musical especializada europea se interesó por Porcupine Tree y por Signify, y la banda se convirtió en una de las formaciones más respetadas del panorama rock de mediados de los '90
En 1997, el cantante de Marillion, Fish, ofreció a Wilson su participación en el nuevo disco de Fish, Sunsets on Empire. Wilson colaboró en la composición, interpretación y grabación del disco. Dos años después y viendo el éxito que había conseguido el disco de Fish y Wilson, Marillion invitó a éste último a la grabación de su nuevo trabajo, marillion.com lo que significó la consecución del sueño de Wilson de trabajar con una de sus bandas preferidas en su adolescencia.
El tiempo que pasó la banda buscando un presupuesto suficiente para grabar Stupid Dream no había sido desaprovechado por sus miembros, quienes estaban listos para editar un nuevo trabajo en el año 2000. Lightbulb Sun, que presenta como invitado especial a Dave Gregory de XTC, siguió la tónica estilística de Stupid Dream, pero evolucionó ligeramente hacia un sonido más intenso. El disco fue editado en mayo de 2000, precedido del single "Four Chords That Made a Million", y fue el anticipo a una serie de conciertos entre los que destaca uno con las entradas agotadas en el club Scala de Londres, seguido de una gira con Dream Theater que duró hasta el año 2001.
In Absentia fue editado en septiembre de 2002 en Estados Unidos y en enero de 2003 en Europa. El disco consiguió alabanzas de la prensa musical a lo ancho de todo el mundo y rápidamente se convirtió en el disco más vendido de la banda en esa época y entrando en las listas de éxitos de numerosos países europeos. Para la promoción del álbum, Porcupine Tree giró varias veces por Europa y Norteamérica, incluyendo una multitudinaria con la banda sueca Opeth. Durante estas giras la imagen de la banda y los efectos lumínicos de sus conciertos alcanzaron altas cotas gracias a la contratación del fotógrafo Lasse Hoile. La gira terminó con un concierto lleno en el famoso London Astoria. Con la edición de Fear of a Blank Planet el 16 de abril de 2007, Porcupine Tree ha conseguido abrirse un hueco entre las bandas más prominentes de la escena internacional, Para promocionar el disco la banda giró a lo largo de 2007 por Alemania y el Reino Unido y editó el EP Nil Recurring con canciones extraídas de las sesiones de grabación de Fear of a Blank Planet, incluyendo contribuciones del líder de King Crimson, Robert Fripp.
A comienzos de 2009, la banda anunció que las sesiones de grabación del nuevo álbum comenzarían en febrero incluyendo una canción de 35 minutos, así como las fechas de la gira de promoción posterior al lanzamiento del disco. El 12 de junio se revelaron finalmente los detalles del nuevo trabajo que llevará por título The Incident y que saldrá al mercado el 21 de septiembre de 2009 como un doble disco. También se destapó que la canción de 35 minutos, homónima, finalmente ocuparía todo el primer CD y que duraría 55 minutos descrita por Wilson como una canción ligeramente surrealista sobre comienzos y finales y con la sensación de que después de esto, nada volverá a ser lo mismo. Las restantes cuatro canciones compuestas "Flicker", "Bonnie the Cat", "Black Dahlia" y "Remember Me Lover" se publicarán en un disco diferente en formato EP para "remarcar su independencia de 'The Incident'" Una banda espectacular y demasiado progresiva en la idea musical.
Siempre se hace un llamado a la discordancia y el disfrutar de la música en un completo esparcimiento, promueve a la conciencia a compenetrarse en la más lúgubre soledad del camino que muestra Wilson, un ensueño de realidades y opuestos que siempre prefigurarán en la mente de cada uno... al final, un teatro en el cual se vuelven y sobrepasan las enseñanzas de la vida.
Porcupine Tree se presenta en la ciudad de México los próximos 13 y 14 de abril en el Metropolitan, a las 20:30 horas, buena oportunidad para apreciarlos en vivo. "Dreamer"
Una banda que hizo un profundo eco en mi ser colocando la armonía en un lugar aparte, la trascendencia de una vida llevadera y comprometida con la salud, siempre enmarca una referencia para la mente que siempre vivió con una disfunción y el terror de la insanidad... un concepto que en la enfermedad crónica se hizo latente y aterrizo en la oscuridad de la muerte, del otro lado y regresar a la luz con estos ojos negros... letargo de la inocencia y retrospección de la creación que dura solo instantes, un tiempo, relativo, dolor constante que anida en la profundidad de los actos de insolencia y la caída anuncia un soplo en la profunda agonía...
Porcupine Tree se formó en 1987 Hemel Hempstead, Inglaterra. Esta banda es el proyecto más exitoso del músico Steven Wilson. Con una mezcla de rock psicodélico, rock progresivo, música ambiental y más recientemente, heavy metal, han desarrollado piezas musicales que se caracterizan por su diversidad y la calidad distintiva del sonido en sus grabaciones. "Linton Samuel Dawson" fue el tema elegido para representar a Porcupine Tree en el recopilatorio de rock psicodélico que salió al mercado bajo el título de A Psychedelic Psauna. Poco después, el recién fundado sello Delerium Records le ofreció un contrato a la banda, según el cual se re-editarían los anteriores trabajos de la banda. Delerium ofreció a la formación la edición de un álbum doble que contuviese las casetes anteriores del grupo, pero Wilson prefirió incluir lo mejor de cada trabajo en un sólo disco, que salió a la luz bajo el nombre de On the Sunday of Life... en 1992.
"Voyage 34" era una canción grabada para el siguiente álbum de la banda, que saldría al mercado como Up the Downstair. En un principio se pensó editar como un disco doble, pero la decisión de no incluir la canción en el disco hizo que tuviese que ser reducido a un único disco. Up the Downstair fue catalogado como uno de los mejores discos de 1993 gracias a la continuación del estilo de la banda que incluía fusiones de música rock y dance. Richard Barbieri y Colin Edwin, futuros miembros de la banda hicieron apariciones en el trabajo como músicos invitados.
El siguiente disco de la banda se hizo esperar hasta comienzos de 1995, y fue precedido del single "Stars Die/Moonloop". The Sky Moves Sideways, tercer trabajo de la banda, se convirtió en un gran éxito entre los fans progresivos y Porcupine Tree se erigió como el sucesor de Pink Floyd en los 90. Después de la edición del primer single "real" de Porcupine Tree, "Waiting" que entró en la lista de éxitos británica, Signify llegó en septiembre de 1996. Muchas canciones muestran influencias del avant-garde, incluyendo temas instrumentales y canciones pegadizas y oscuras. La prensa musical especializada europea se interesó por Porcupine Tree y por Signify, y la banda se convirtió en una de las formaciones más respetadas del panorama rock de mediados de los '90
En 1997, el cantante de Marillion, Fish, ofreció a Wilson su participación en el nuevo disco de Fish, Sunsets on Empire. Wilson colaboró en la composición, interpretación y grabación del disco. Dos años después y viendo el éxito que había conseguido el disco de Fish y Wilson, Marillion invitó a éste último a la grabación de su nuevo trabajo, marillion.com lo que significó la consecución del sueño de Wilson de trabajar con una de sus bandas preferidas en su adolescencia.
El tiempo que pasó la banda buscando un presupuesto suficiente para grabar Stupid Dream no había sido desaprovechado por sus miembros, quienes estaban listos para editar un nuevo trabajo en el año 2000. Lightbulb Sun, que presenta como invitado especial a Dave Gregory de XTC, siguió la tónica estilística de Stupid Dream, pero evolucionó ligeramente hacia un sonido más intenso. El disco fue editado en mayo de 2000, precedido del single "Four Chords That Made a Million", y fue el anticipo a una serie de conciertos entre los que destaca uno con las entradas agotadas en el club Scala de Londres, seguido de una gira con Dream Theater que duró hasta el año 2001.
In Absentia fue editado en septiembre de 2002 en Estados Unidos y en enero de 2003 en Europa. El disco consiguió alabanzas de la prensa musical a lo ancho de todo el mundo y rápidamente se convirtió en el disco más vendido de la banda en esa época y entrando en las listas de éxitos de numerosos países europeos. Para la promoción del álbum, Porcupine Tree giró varias veces por Europa y Norteamérica, incluyendo una multitudinaria con la banda sueca Opeth. Durante estas giras la imagen de la banda y los efectos lumínicos de sus conciertos alcanzaron altas cotas gracias a la contratación del fotógrafo Lasse Hoile. La gira terminó con un concierto lleno en el famoso London Astoria. Con la edición de Fear of a Blank Planet el 16 de abril de 2007, Porcupine Tree ha conseguido abrirse un hueco entre las bandas más prominentes de la escena internacional, Para promocionar el disco la banda giró a lo largo de 2007 por Alemania y el Reino Unido y editó el EP Nil Recurring con canciones extraídas de las sesiones de grabación de Fear of a Blank Planet, incluyendo contribuciones del líder de King Crimson, Robert Fripp.
A comienzos de 2009, la banda anunció que las sesiones de grabación del nuevo álbum comenzarían en febrero incluyendo una canción de 35 minutos, así como las fechas de la gira de promoción posterior al lanzamiento del disco. El 12 de junio se revelaron finalmente los detalles del nuevo trabajo que llevará por título The Incident y que saldrá al mercado el 21 de septiembre de 2009 como un doble disco. También se destapó que la canción de 35 minutos, homónima, finalmente ocuparía todo el primer CD y que duraría 55 minutos descrita por Wilson como una canción ligeramente surrealista sobre comienzos y finales y con la sensación de que después de esto, nada volverá a ser lo mismo. Las restantes cuatro canciones compuestas "Flicker", "Bonnie the Cat", "Black Dahlia" y "Remember Me Lover" se publicarán en un disco diferente en formato EP para "remarcar su independencia de 'The Incident'" Una banda espectacular y demasiado progresiva en la idea musical.
Siempre se hace un llamado a la discordancia y el disfrutar de la música en un completo esparcimiento, promueve a la conciencia a compenetrarse en la más lúgubre soledad del camino que muestra Wilson, un ensueño de realidades y opuestos que siempre prefigurarán en la mente de cada uno... al final, un teatro en el cual se vuelven y sobrepasan las enseñanzas de la vida.
Porcupine Tree se presenta en la ciudad de México los próximos 13 y 14 de abril en el Metropolitan, a las 20:30 horas, buena oportunidad para apreciarlos en vivo. "Dreamer"
viernes, 2 de abril de 2010
Premiata Forneria Marconi... E'Festa
En vivo en Japón en el año de 2002 Premiata Forneria Marconi, con la canción E'Festa (Celebración), esta semana descansamos, la próxima retomamos entregas de lo mejor del Progresivo. "Dreamer"
jueves, 25 de marzo de 2010
En las Regresiones Progresivas… “Museo Rosenbach”
El fugaz y efímero paso por la línea del tiempo en la cual se pasa dejando algo, muestra que la calidez de la musicalidad perdura por todo el infinito. La espiral del juego y la atemporalidad de las regresiones distinguen al espacio y no vacio con la madurez que requiere la esencia de la carrera que se remonta al engranaje del sistema que unifica la creatividad y los sueños realizados por el hombre a través de su estadía en el eterno retorno a la sensibilidad. Así, Zaratustra, toma el vuelo cuando Nietzsche forma parte medular del pensamiento filosófico en la historia del ser humano, pone a reflexionar sobre los escurridizos pasajes que tiene la mente al elucubrar instantáneos momentos de la razón y, da vida y resultado a una banda que surgió en los albores de los años 1970 y cuyo álbum “Zarathustra” es considerado una obra maestra, un álbum de culto, no obstante en su momento, éste, tuvo escasa repercusión.
Respecto al origen del grupo y su nombre hay numerosas versiones, muchas de las cuales no pueden ser corroboradas, y contienen más fantasía que verdad, incluyendo los hipotéticos vínculos pronazis que ligarían al grupo con este tipo de movimientos, debido al título de su único disco.
Otras versiones ligan su nombre con una hipotética tradición de nombres compuestos de otros grupos italianos, tales como Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso, J.E.T., Reale Accademia di Musica, Raccomandata, Ricevuta Ritorno .La verdad es que las conjeturas sobre el origen del nombre del grupo y su cercanía con grupos de extrema derecha ligados al nazismo o a la igualmente ficticia figura de Benito Mussolini en el collage de la portada del disco son sólo fantasías carentes de bases reales.
La primera alineación del grupo abarca de los años 1971 a 1973 cuando graban el mencionado álbum. Oficialmente, “Zarathustra”, es su único trabajo discográfico, si bien con posterioridad y ya desaparecida la banda, aparecerían varios otros discos, algunos en vivo, con una calidad de sonido muy pobre y de interés sólo para fans del género o del grupo; tales grabaciones no aportarían ya ningún mérito al trabajo en estudio del grupo y su interés podría estar más bien del lado de la historia musical comparada del rock, si algún día aparece alguien dispuesto a crear tal disciplina, alejada del fetichismo del rock.
El grado de contemplación que se observa desde los albores de la infortunada complacencia de las imágenes que se muestran en el discurso del fatalismo y sobre todo del vitalismo de Nietzsche, dan la respuesta a la lírica poética y al misticismo con el que se conducen las interpretaciones magistralmente puestas en la musicalidad. Una obra maestra del rock progresivo italiano que marcó y sigue marcando la pauta para otras bandas que buscan la conceptualidad en todos los sentidos al emanar música de sus instrumentos.
El virtuosismo y la profundidad hacen gala en este disco: “Zarathustra” y se da cuenta del entorno filosófico en el cual se encuentran los músicos de la bella Italia y que Nietzsche los hace volar, absorber los sueños y materializarlos desde las alturas, corredores excitantes… Momentos de gloria que nacen desde Alemania y anidan en Italia, patria de la poderosa voz de Stefano Galifi quien con su tono desgarrador y áspero auxilia sólidamente los textos de esta maravilloso concepto. "Dreamer"
Respecto al origen del grupo y su nombre hay numerosas versiones, muchas de las cuales no pueden ser corroboradas, y contienen más fantasía que verdad, incluyendo los hipotéticos vínculos pronazis que ligarían al grupo con este tipo de movimientos, debido al título de su único disco.
Otras versiones ligan su nombre con una hipotética tradición de nombres compuestos de otros grupos italianos, tales como Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso, J.E.T., Reale Accademia di Musica, Raccomandata, Ricevuta Ritorno .La verdad es que las conjeturas sobre el origen del nombre del grupo y su cercanía con grupos de extrema derecha ligados al nazismo o a la igualmente ficticia figura de Benito Mussolini en el collage de la portada del disco son sólo fantasías carentes de bases reales.
La primera alineación del grupo abarca de los años 1971 a 1973 cuando graban el mencionado álbum. Oficialmente, “Zarathustra”, es su único trabajo discográfico, si bien con posterioridad y ya desaparecida la banda, aparecerían varios otros discos, algunos en vivo, con una calidad de sonido muy pobre y de interés sólo para fans del género o del grupo; tales grabaciones no aportarían ya ningún mérito al trabajo en estudio del grupo y su interés podría estar más bien del lado de la historia musical comparada del rock, si algún día aparece alguien dispuesto a crear tal disciplina, alejada del fetichismo del rock.
El grado de contemplación que se observa desde los albores de la infortunada complacencia de las imágenes que se muestran en el discurso del fatalismo y sobre todo del vitalismo de Nietzsche, dan la respuesta a la lírica poética y al misticismo con el que se conducen las interpretaciones magistralmente puestas en la musicalidad. Una obra maestra del rock progresivo italiano que marcó y sigue marcando la pauta para otras bandas que buscan la conceptualidad en todos los sentidos al emanar música de sus instrumentos.
El virtuosismo y la profundidad hacen gala en este disco: “Zarathustra” y se da cuenta del entorno filosófico en el cual se encuentran los músicos de la bella Italia y que Nietzsche los hace volar, absorber los sueños y materializarlos desde las alturas, corredores excitantes… Momentos de gloria que nacen desde Alemania y anidan en Italia, patria de la poderosa voz de Stefano Galifi quien con su tono desgarrador y áspero auxilia sólidamente los textos de esta maravilloso concepto. "Dreamer"
miércoles, 17 de marzo de 2010
En las Regresiones Progresivas…”Il Balleto de Bronzo”
La psicodelia hace gala en una de las bandas que a través de su fugaz paso por la escena del rock progresivo marcó una línea en el tiempo que sólo se aprecia desde la bella Italia. La locura es un descenso en el cerebro para embellecer el ambiente de delirio y magia en cada detalle que se presenta en el eclipsado momento musical. La Luna engalana los sinsabores del galimatías mantenido y recuerda que sólo la acides y las disonancias musicales envuelven al alma en la espiral cósmica. Es así, como las escenas ocultas en la mirada de los sueños, el retorno hacia la eternidad equivale a un respiro desde las alturas, tocado con un clavecín.
Y ya en los años 1966 a 1970, el grupo graba apenas dos discos sencillos y un larga duración, Sirio 2222, un álbum que mezcla los sonidos del blues, beat, pop, y la psicodelia y cuya canción título es una suerte de fantasía futurística, acompañada con canciones sin mayor complicación y a veces incluso un poco ingenuas. En 1972 grabarán ya bajo la batuta del teclista Gianni Leone, quien provenía del legendario grupo Città Frontale, el disco que los convertiría en una leyenda: Ys.
Por su sonido ácido y sin concesiones, lleno de disonancias y piezas musicalmente conceptuales y sinfónicas, el disco tendrá una no muy buena recepción de mercado y el grupo virtualmente desaparecerá, si bien alcanzarán a grabar otro sencillo en 1973, lo cual no bastará para sacarlos del anonimato, disolviéndose como agrupación en ese mismo año.
Tras la desaparición formal del grupo en 1972, no sería sino hasta finales del pasado siglo que Gianni Leone refundará el grupo para dar giras por el mundo y con sonado éxito, en Japón y en México, países donde el grupo es una auténtica leyenda y objeto de culto y reverencia, interpretando nuevamente su legendario disco de 1972 y agregando algunas nuevas composiciones muy en el estilo de su disco predecesor. A la fecha no tienen contemplado la grabación de un nuevo disco.
La transición de la psicodelia y el sonido ácido de Sirio 2222 al sonido abiertamente oscuro y de atmósferas enrarecidas de “Ys” no es algo tan extraño si se observan las trayectorias de otros grupos como Jumbo, que pasó del blues al rock progresivo o Le Orme, que iba del pop al rock progresivo.
El disco “Ys” se convirtió, desde el principio en una obra de difícil aceptación entre el público debido a sus progresiones melódicas que van del jazz al rock progresivo y al hard-rock, con una fuerte predominancia de teclados, la base sobre la cual se construye todo el disco. Como muchos discos conceptuales de la época, “Ys”, toma una imagen futurística de la humanidad a partir de un modelo antiguo, en este caso, de la mítica ciudad griega “Ys”, desaparecida tras un maremoto. El personaje del disco es un ficticio último hombre sobre la tierra que sufre una suerte de viaje místico en tres encuentros que narran el estado de desesperación del planeta frente al egoísmo y el pragmatismo humano.
Más allá del lugar común al que una y otra vez grupos de rock de todo linaje suelen usar al respecto, lo que hace memorable al disco, es el sonido abiertamente disonante y de oscuras atmósferas, escasamente melódico y de tensiones instrumentales entre el teclado, que fluye sobre el disco como un espectro.
Pese a algunas semejanzas con otros artistas que usaron principalmente teclados en sus trabajos, como el caso de Keith Emerson, por su atmósfera oscura y disonante, “Ys”, no se parece a prácticamente nada de lo que se hizo en aquel entonces, bien fuera en la Italia de los 70s, o en el rock progresivo continental europeo o inglés. El resultado fue uno de los discos más memorables del rock italiano de la época, una auténtica obra de culto que sólo tardíamente fue grabada, parcialmente, en inglés, sin el éxito del sonido original.
La historia de esta banda se remite al linaje de que contiene ese sonido que envuelve, domina e hipnotiza por sus destellos de la grandeza acumulada en un tiempo vivo y casi iluminado por las ilusiones del arte que se centran en la planicie del espejo que mira la vida y se refleja en las cálidas aguas del Mediterráneo. Es un canto al eterno retorno griego y las ficciones que permea la mente en el lado orquestal de la vida. Una Leyenda que marca la historia del sinfín de poesía y elucubraciones del paso del profundo mar en la vida del hombre, es vital para su existencia… "Dreamer"
Y ya en los años 1966 a 1970, el grupo graba apenas dos discos sencillos y un larga duración, Sirio 2222, un álbum que mezcla los sonidos del blues, beat, pop, y la psicodelia y cuya canción título es una suerte de fantasía futurística, acompañada con canciones sin mayor complicación y a veces incluso un poco ingenuas. En 1972 grabarán ya bajo la batuta del teclista Gianni Leone, quien provenía del legendario grupo Città Frontale, el disco que los convertiría en una leyenda: Ys.
Por su sonido ácido y sin concesiones, lleno de disonancias y piezas musicalmente conceptuales y sinfónicas, el disco tendrá una no muy buena recepción de mercado y el grupo virtualmente desaparecerá, si bien alcanzarán a grabar otro sencillo en 1973, lo cual no bastará para sacarlos del anonimato, disolviéndose como agrupación en ese mismo año.
Tras la desaparición formal del grupo en 1972, no sería sino hasta finales del pasado siglo que Gianni Leone refundará el grupo para dar giras por el mundo y con sonado éxito, en Japón y en México, países donde el grupo es una auténtica leyenda y objeto de culto y reverencia, interpretando nuevamente su legendario disco de 1972 y agregando algunas nuevas composiciones muy en el estilo de su disco predecesor. A la fecha no tienen contemplado la grabación de un nuevo disco.
La transición de la psicodelia y el sonido ácido de Sirio 2222 al sonido abiertamente oscuro y de atmósferas enrarecidas de “Ys” no es algo tan extraño si se observan las trayectorias de otros grupos como Jumbo, que pasó del blues al rock progresivo o Le Orme, que iba del pop al rock progresivo.
El disco “Ys” se convirtió, desde el principio en una obra de difícil aceptación entre el público debido a sus progresiones melódicas que van del jazz al rock progresivo y al hard-rock, con una fuerte predominancia de teclados, la base sobre la cual se construye todo el disco. Como muchos discos conceptuales de la época, “Ys”, toma una imagen futurística de la humanidad a partir de un modelo antiguo, en este caso, de la mítica ciudad griega “Ys”, desaparecida tras un maremoto. El personaje del disco es un ficticio último hombre sobre la tierra que sufre una suerte de viaje místico en tres encuentros que narran el estado de desesperación del planeta frente al egoísmo y el pragmatismo humano.
Más allá del lugar común al que una y otra vez grupos de rock de todo linaje suelen usar al respecto, lo que hace memorable al disco, es el sonido abiertamente disonante y de oscuras atmósferas, escasamente melódico y de tensiones instrumentales entre el teclado, que fluye sobre el disco como un espectro.
Pese a algunas semejanzas con otros artistas que usaron principalmente teclados en sus trabajos, como el caso de Keith Emerson, por su atmósfera oscura y disonante, “Ys”, no se parece a prácticamente nada de lo que se hizo en aquel entonces, bien fuera en la Italia de los 70s, o en el rock progresivo continental europeo o inglés. El resultado fue uno de los discos más memorables del rock italiano de la época, una auténtica obra de culto que sólo tardíamente fue grabada, parcialmente, en inglés, sin el éxito del sonido original.
La historia de esta banda se remite al linaje de que contiene ese sonido que envuelve, domina e hipnotiza por sus destellos de la grandeza acumulada en un tiempo vivo y casi iluminado por las ilusiones del arte que se centran en la planicie del espejo que mira la vida y se refleja en las cálidas aguas del Mediterráneo. Es un canto al eterno retorno griego y las ficciones que permea la mente en el lado orquestal de la vida. Una Leyenda que marca la historia del sinfín de poesía y elucubraciones del paso del profundo mar en la vida del hombre, es vital para su existencia… "Dreamer"
jueves, 11 de marzo de 2010
En el Teatro de los Sueños... “Symphony X”
Dentro de la gama de metal progresivo que existe en el planeta, sin duda una de las bandas que más ha proliferado desde que inició su carrera en este género, es sin duda Symphony X quien maneja sentimientos enraizados desde la óptica de una tragedia griega hasta fábulas y mitologías literarias. Se enfunda en una alegoría que solo su destreza clásica los lleva hacia lo infinito; banda que por sí sola abre un concepto hacia la magnificencia de la estilística y la perfección de cada movimiento generado por la extensa combinación del placer y la ensoñación. Riffs, cambios de tonalidades, matices y virtuosismo, génesis del constante cambio entre cada instrumento.
La progresión de los sentidos y la musicalidad que permea cada movimiento es justo y conecta el alma con la sutileza que requiere cada obra al ser tocada, voces que reflejan la inmensidad de los momentos etéreos.
Esta banda se fundó en New Jersey, Estados Unidos en abril de 1994. A principios de 1994, Michael Romeo, ex Gemini grabó un demo titulado The Dark Chapter, el cual consistía en unas cuantas canciones compuestas y ejecutadas por él mismo. La grabación atrajo la atención del bajista Thomas Miller, al batería Jason Rullo, al vocalista Rod Tyler y finalmente, al teclista Michael Pinella.
Su álbum homónimo fue grabado aquel mismo año y lanzado en Japón por el ya difunto sello discográfico Zero Corporation. El segundo álbum, The Damnation Game apareció 6 meses después. El cantante Rod Tyler dejó la banda y fue sustituido por Russell Allen,quien influenció de una forma notable el estilo de la banda enfatizando el lado clásico de Symphony X.
Su tercer disco es “The Divine Wings of Tragedy”. Este es para mucha gente, el mejor disco de la banda hasta el momento, el más completo, el más desarrollado y donde más expresión musical y otras técnicas progresivas. A partir de “The Divine Wings of Tragedy” la banda encuentra su camino dentro del progresivo melódico-neoclásico y logra descubrir todo lo que puede llegar a hacer.
Jason Rullo tuvo que alejarse de la banda por problemas personales. Fue temporalmente reemplazado por Thomas Walling, con este baterista temporal, la banda grabó “Twilight in Olympus” lanzado a principios de 1998. Ese año la banda, la cual por aquel entonces ya había reunido una gran cantidad de seguidores, comenzó con los primeros shows en vivo. Su primer show oficial sucedió en 1998, en Japón. Al poco tiempo después vino una gira mundial. Este mismo año Thomas Miller fue reemplazado por Michael Lepond. El 2002 completan “The Odissey” el que fue un disco con temas con mucha fuerza en las guitarras y los ritmos progresivos característicos.
Los temas memorables de este álbum fueron "Inferno(Unleash The Fire)", "King Of Terrors" y "The Odissey". Años más tarde, el 2007 lanzan el álbum Paradise Lost, inspirado en el libro "El Paraiso Perdido" de John Milton. En este álbum destacan el uso del metal Neo-Clásico y del power en temas como "The Sacrifice" y "Eve Of Seduction" respectivamente En el 2007 con la salida de “Paradise Lost” actuaron junto a Dream Theater como grupo invitado en la gira Chaos In Motion World Tour 2007-2008. "Dreamer"
La progresión de los sentidos y la musicalidad que permea cada movimiento es justo y conecta el alma con la sutileza que requiere cada obra al ser tocada, voces que reflejan la inmensidad de los momentos etéreos.
Esta banda se fundó en New Jersey, Estados Unidos en abril de 1994. A principios de 1994, Michael Romeo, ex Gemini grabó un demo titulado The Dark Chapter, el cual consistía en unas cuantas canciones compuestas y ejecutadas por él mismo. La grabación atrajo la atención del bajista Thomas Miller, al batería Jason Rullo, al vocalista Rod Tyler y finalmente, al teclista Michael Pinella.
Su álbum homónimo fue grabado aquel mismo año y lanzado en Japón por el ya difunto sello discográfico Zero Corporation. El segundo álbum, The Damnation Game apareció 6 meses después. El cantante Rod Tyler dejó la banda y fue sustituido por Russell Allen,quien influenció de una forma notable el estilo de la banda enfatizando el lado clásico de Symphony X.
Su tercer disco es “The Divine Wings of Tragedy”. Este es para mucha gente, el mejor disco de la banda hasta el momento, el más completo, el más desarrollado y donde más expresión musical y otras técnicas progresivas. A partir de “The Divine Wings of Tragedy” la banda encuentra su camino dentro del progresivo melódico-neoclásico y logra descubrir todo lo que puede llegar a hacer.
Jason Rullo tuvo que alejarse de la banda por problemas personales. Fue temporalmente reemplazado por Thomas Walling, con este baterista temporal, la banda grabó “Twilight in Olympus” lanzado a principios de 1998. Ese año la banda, la cual por aquel entonces ya había reunido una gran cantidad de seguidores, comenzó con los primeros shows en vivo. Su primer show oficial sucedió en 1998, en Japón. Al poco tiempo después vino una gira mundial. Este mismo año Thomas Miller fue reemplazado por Michael Lepond. El 2002 completan “The Odissey” el que fue un disco con temas con mucha fuerza en las guitarras y los ritmos progresivos característicos.
Los temas memorables de este álbum fueron "Inferno(Unleash The Fire)", "King Of Terrors" y "The Odissey". Años más tarde, el 2007 lanzan el álbum Paradise Lost, inspirado en el libro "El Paraiso Perdido" de John Milton. En este álbum destacan el uso del metal Neo-Clásico y del power en temas como "The Sacrifice" y "Eve Of Seduction" respectivamente En el 2007 con la salida de “Paradise Lost” actuaron junto a Dream Theater como grupo invitado en la gira Chaos In Motion World Tour 2007-2008. "Dreamer"
jueves, 4 de marzo de 2010
En las Regresiones Progresivas…”Le Orme”
Como un portento, la poesía reclama al tiempo no agotarse y mucho menos ser un ente más que pase por las colinas de la sabiduría, el eterno retorno se muestra en la esplendorosa visión desde el paradisiaco Venecia. Una ola de musicalidad circunda el agobiante recorrido por las calles y el panorama que se reviste de un espectacular momento del recuerdo. El destino, la esencia, la consciencia, el infinito, la Luna y la admiración del retoque que escenifica el Universo en la vida de los humanos, reclasifica la afección del ambiente, siempre combinado con las alturas del conocimiento.
El silencio matiza la palabra, la refresca de un caluroso esplendor que mantiene la conexión con el equilibrio que desde la inmensidad, la música reanima el palacio de los sentimientos, enigma de “la locura que se arrastra detrás de la cabeza”, siendo un espacio que se diluye y se convierte en la noticia de la ensoñación que despierta en el trabajo de la figura en espiral, así es esta banda que se formó en 1966 en Marghera “Venecia” y su primer álbum fue grabado en la pequeña discográfica Car Juke Box Label, en 1968.
Ha ganado dos discos de oro, un premio de la crítica a su discografía. El trabajo más famoso de fue el álbum concepto, “Felona e Sorona”, publicado en inglés con la colaboración de Peter Hammill de Van Der Graaf Generator. Los fundadores de la banda en 1966 eran; Aldo Tagliapietra (voz, guitarra), Nino Smeraldi (guitarra), Claudio Galietti (guitarra, bajo) y Marino Rebeschini (batería). Déspues de su primer sencillo "Fiori e colori" en 1967, Rebeschini partió y fue remplazado por Michi dei Rossi. En 1968 publicó un segundo sencillo, "Senti l'estate che torna"; al tiempo que un músico nuevo, Toni Pagliuca, se unió al grupo. Esta formación fue la responzable del primer LP “Ad gloriam” (1968), un trabajo de pop psicodélico que tuvo poco éxito.
Al siguiente año, Gallietti también partió, y fundó lo que sería considerada su "formación clásica", que produjo sus más exitosos LPs de rock progresivo de los años 70 “Uomo di pezza, Felona e Sorona y Contrappunti”. Los últimos dos trabajos contaron con la colaboración del productor y pianista Gian Piero Reverberi. El grupo se separó a principios de los 80, pero se volvió a reunir en 1986. En 1992 Pagliuca partió de la banda, y fure remplazado por Michael Bon. Los últimos tres trabajos fueron “Il fiume, Elementi y L'infinito”, muestran un retorno al sonido clásico progresivo.
Las sombras por la noche palidecen en Venecia escuchando la música que viene desde lo más profundo de su ser así se manifiesta una de las mejores andas en todo el mundo en la escena del rock progresivo, dando muestra de la magnificencia que se retoma en cada nota y la poética del espacio que baja y sea acariciada con los sentidos que manifiestan esa enorme sensibilidad y habilidad para demostrar que lo oculto tiene su lado expresamente oculto y demencial… los fantasmas que pululan por las calles de la pintoresca Venecia remiten al eco del sonido que se dispersa por todo el ambiente, las góndolas, los puentes y el agua, el mejor conducto para descifrar el encanto de la poesía que se respira en cada sentir de las aguas.
Los conceptos quedaron plasmados en la historia de Venecia para ser absorbidos por las mentes más espectaculares de todo el mundo, en ella yace el fulgor de la fastuosidad en todos los ámbitos culturales, rasgo excepcional que enmarca Aldo Tagliapietra. Venecia, itinerario que guarda y resalta la grandeza del cambio en sus formas y el estertor que se impregna en la profundidad de su historia. Rasgo magistral de poesía… "Dreamer"
El silencio matiza la palabra, la refresca de un caluroso esplendor que mantiene la conexión con el equilibrio que desde la inmensidad, la música reanima el palacio de los sentimientos, enigma de “la locura que se arrastra detrás de la cabeza”, siendo un espacio que se diluye y se convierte en la noticia de la ensoñación que despierta en el trabajo de la figura en espiral, así es esta banda que se formó en 1966 en Marghera “Venecia” y su primer álbum fue grabado en la pequeña discográfica Car Juke Box Label, en 1968.
Ha ganado dos discos de oro, un premio de la crítica a su discografía. El trabajo más famoso de fue el álbum concepto, “Felona e Sorona”, publicado en inglés con la colaboración de Peter Hammill de Van Der Graaf Generator. Los fundadores de la banda en 1966 eran; Aldo Tagliapietra (voz, guitarra), Nino Smeraldi (guitarra), Claudio Galietti (guitarra, bajo) y Marino Rebeschini (batería). Déspues de su primer sencillo "Fiori e colori" en 1967, Rebeschini partió y fue remplazado por Michi dei Rossi. En 1968 publicó un segundo sencillo, "Senti l'estate che torna"; al tiempo que un músico nuevo, Toni Pagliuca, se unió al grupo. Esta formación fue la responzable del primer LP “Ad gloriam” (1968), un trabajo de pop psicodélico que tuvo poco éxito.
Al siguiente año, Gallietti también partió, y fundó lo que sería considerada su "formación clásica", que produjo sus más exitosos LPs de rock progresivo de los años 70 “Uomo di pezza, Felona e Sorona y Contrappunti”. Los últimos dos trabajos contaron con la colaboración del productor y pianista Gian Piero Reverberi. El grupo se separó a principios de los 80, pero se volvió a reunir en 1986. En 1992 Pagliuca partió de la banda, y fure remplazado por Michael Bon. Los últimos tres trabajos fueron “Il fiume, Elementi y L'infinito”, muestran un retorno al sonido clásico progresivo.
Las sombras por la noche palidecen en Venecia escuchando la música que viene desde lo más profundo de su ser así se manifiesta una de las mejores andas en todo el mundo en la escena del rock progresivo, dando muestra de la magnificencia que se retoma en cada nota y la poética del espacio que baja y sea acariciada con los sentidos que manifiestan esa enorme sensibilidad y habilidad para demostrar que lo oculto tiene su lado expresamente oculto y demencial… los fantasmas que pululan por las calles de la pintoresca Venecia remiten al eco del sonido que se dispersa por todo el ambiente, las góndolas, los puentes y el agua, el mejor conducto para descifrar el encanto de la poesía que se respira en cada sentir de las aguas.
Los conceptos quedaron plasmados en la historia de Venecia para ser absorbidos por las mentes más espectaculares de todo el mundo, en ella yace el fulgor de la fastuosidad en todos los ámbitos culturales, rasgo excepcional que enmarca Aldo Tagliapietra. Venecia, itinerario que guarda y resalta la grandeza del cambio en sus formas y el estertor que se impregna en la profundidad de su historia. Rasgo magistral de poesía… "Dreamer"
lunes, 22 de febrero de 2010
En las Regresiones Progresivas…”Banco del Mutuo Soccorso”
En los confines de la bella Italia, una banda que muestra la magnificencia de su obra musical en las entrampadas y sonoras orquestaciones de ensueño, se transmite la esencia musical fina en comparación con otras bandas que permiten desbordar la sonorización del paisaje que se presenta ante la lírica de las letras. La presencia de la voz de Francesco Di Giacomo y las atmósferas de Vottorio Nocenzi revelan que el progresivo esta en las alturas de la máxima expresión del arte italiano. Es el más hermoso concepto que trastoca los sentimientos y los proyecta hacia un escenario de intermitencia ancestral, pequeña reminiscencia del arte y la poesía que deja al cuerpo en el perfecto estado de somnolencia; sueño de vida y pasión compenetradas… Banda italiana de rock progresivo que editó su primer disco en el año 1972 y continúa activa en el año 2006 con 25 discos en su haber. Su disco Darwin! (1972) fue elegido entre 60.000 candidatos como el mejor disco de rock progresivo-experimental jamás grabado por el sitio Web “Gnósis”. En él ofrecen una inteligente combinación de música clásica, rock y jazz.
Banco del Mutuo Soccorso es un caso prácticamente único, pues no sólo no dejó de tocar jamás rock progresivo, sino que además tiene una clara tendencia y orientación política de corte marxista y esto explica la elección misma del nombre del grupo que hace referencia a las instituciones populares que se crearon en diversas regiones de Italia durante la primera mitad del pasado siglo, hasta la forma de abordar los temas de sus discos, como la visión crítica de la historia en Darwin!, la libertad política en Io sono nato libero, la defensa de las culturas minoritarias en Canto di primavera y mucho más recientemente su apoyo a la causa del Ejército Zapatista de Liberación Nacional en Chiapas y a la Revolución mexicana en varias canciones como "Emiliano" en referencia a Emiliano Zapata.
No todos los grupos que tocaron rock progresivo lo hicieron ni con la misma calidad ni con la misma profesionalidad y hay más de un disco y grupo que provenían del pop y la psicodelia que abordaron el rock progresivo como medida comercial y fueron en realidad los grupos que hicieron un solo disco los que mejor trabajaron el llamado rock progresivo sinfónico y lo hicieron con tal calidad que de hecho se le considera por el trabajo realizado por ellos, el único subgénero del rock progresivo que está vinculado a una nación: el rock progresivo sinfónico italiano.
Dentro de este subgénero nacional se encuentran pocos grupos como: Banco del Mutuo Soccorso, desde 1972 a 1979; Premiata Fornería Marconi, de 1972 a 1974; Museo Rosenbach, Il Paese dei Balocchi, Cervello, Il Balletto di Bronzo en su disco “Ys), Loccanda delle fate, Alusa Fallax, Semiramis, Campo di Marte, y Corte dei Miracoli.
Es posible considerar a otros grupos y discos, como por ejemplo Il Rovescio della medaglia y su Contaminazione, pero esto significaría estirar demasiado la liga para permitir la entrada a este subgénero a cualquier tipo de grupo y de disco sólo por el prurito de hacer una lista a modo o al gusto de quien la haga, sin el menor rigor.
Esos corredores que la mente experimenta en el sin fin de las ideas, se figuran las imágenes que llevan al pensamiento a dilucidar y elucubrar miles de paisajes, pasajes y sobre todo, casi una alucinación al mundo donde todos las ideas toman el tiempo en sus manos y lo liberan en forma de un canto interior totalmente absorbente. "Dreamer"
Banco del Mutuo Soccorso es un caso prácticamente único, pues no sólo no dejó de tocar jamás rock progresivo, sino que además tiene una clara tendencia y orientación política de corte marxista y esto explica la elección misma del nombre del grupo que hace referencia a las instituciones populares que se crearon en diversas regiones de Italia durante la primera mitad del pasado siglo, hasta la forma de abordar los temas de sus discos, como la visión crítica de la historia en Darwin!, la libertad política en Io sono nato libero, la defensa de las culturas minoritarias en Canto di primavera y mucho más recientemente su apoyo a la causa del Ejército Zapatista de Liberación Nacional en Chiapas y a la Revolución mexicana en varias canciones como "Emiliano" en referencia a Emiliano Zapata.
No todos los grupos que tocaron rock progresivo lo hicieron ni con la misma calidad ni con la misma profesionalidad y hay más de un disco y grupo que provenían del pop y la psicodelia que abordaron el rock progresivo como medida comercial y fueron en realidad los grupos que hicieron un solo disco los que mejor trabajaron el llamado rock progresivo sinfónico y lo hicieron con tal calidad que de hecho se le considera por el trabajo realizado por ellos, el único subgénero del rock progresivo que está vinculado a una nación: el rock progresivo sinfónico italiano.
Dentro de este subgénero nacional se encuentran pocos grupos como: Banco del Mutuo Soccorso, desde 1972 a 1979; Premiata Fornería Marconi, de 1972 a 1974; Museo Rosenbach, Il Paese dei Balocchi, Cervello, Il Balletto di Bronzo en su disco “Ys), Loccanda delle fate, Alusa Fallax, Semiramis, Campo di Marte, y Corte dei Miracoli.
Es posible considerar a otros grupos y discos, como por ejemplo Il Rovescio della medaglia y su Contaminazione, pero esto significaría estirar demasiado la liga para permitir la entrada a este subgénero a cualquier tipo de grupo y de disco sólo por el prurito de hacer una lista a modo o al gusto de quien la haga, sin el menor rigor.
Esos corredores que la mente experimenta en el sin fin de las ideas, se figuran las imágenes que llevan al pensamiento a dilucidar y elucubrar miles de paisajes, pasajes y sobre todo, casi una alucinación al mundo donde todos las ideas toman el tiempo en sus manos y lo liberan en forma de un canto interior totalmente absorbente. "Dreamer"
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